Playlist Q 03

Anežka Hošková, Broken Hearted Wine, 2019

Hudební playlist pro toto číslo Qartalu připravila výtvarná umělkyně, členka A. M. 180 Collective, hudební kurátorka a spolupořadatelka festivalu Creepy Teepee Anežka Hošková.

Tracklist:
Patriarchy – I Don’t Want To Die – Geneva Jacuzzi Remix
smrtdeath – everything
Amigo the Devil – Hell and You (Grotto Sessions)
Perturbator – Dethroned Under A Funeral Haze
Spell – Psychic Death
Cartel Madras, Tyris White and Jide – Dream Girl Concept
Ruin Of Romantics – Self Control (RAF cover)
Twin Temple – I Am a Witch
Unto Others – Give Me To The Night
Guest User feat. Edúv syn — Nemôžem dýchať / Přinášim déšť
Emma Ruth Rundle & Thou – The Valley
Sněť – Kůň Kadaver (Single edit)
Drab Majesty- Oxytocin
Sally Dige – It’s You I’m Thinking Of
King Dude – Death Won’t Take Me
Uada – Cult of a Dying Sun
Dingo – Children
Bezeha – Smyrna

Ne, raději knihu

008
05_4x3
2G8A0664

Tip Ondřeje Macla
Krev k mateřství patří, ale pro teď si to udělejme hezké
Kateřina Olivová: Milk and Honey
Praha: wo-men, 2021

Nepřehlédnutelná performerka Kača Olivová se ve svém doktorském studiu na brněnské FaVU zabývá tématem umění a mateřství. Jedním z výstupů jejího studia, rámovaným jako výzkum orální historie, je soubor dvaatřiceti rozhovorů s umělkyněmi, kurátorkami a aktivistkami – včetně několika mužů – s rodičovskou zkušeností. Velká část rozhovorů zazněla původně v rozhlasové podobě na studentském Radiu R, kde Olivová moderovala v letech 2015–2018 vlastní pořad Milk and Honey. Stejnojmenný knižní počin, rozšířený nejenom o další rozhovory a vstupní studii, ale hlavně vymazlený po výtvarné stránce, letos vydává nakladatelství wo-men ve spolupráci s pražskou AVU. Za portréty zpovídaných stojí experimentální fotoateliér Divý tvor.

Ztížená možnost mateřství

Pokud Olivová coby absolventka tělového designu hojně čerpá ve svých performancích z fascinace tělem, jeho jakýmsi až orgiastickým momentem, zkušenost mateřství v ní posílila prvek plodnosti a expanze mimo svůj výchozí vesmír. Pro její knihu i některé další „mateřské“ projekty typu Kojící guerilla či Mothers Artlovers je příznačná jistá upozaděnost, přesun důrazu na sdílení a sounáležitost, potažmo i formulace obecněji politických témat ve snaze proměňovat veřejné mínění.

Ačkoli feministické heslo „osobní je politické“ měla Olivová za vlastní jistě už mnohem dřív, kdy pracovala s tělem, role matky jí dala zakusit také stinnou stránku politických zásahů do ženské subjektivity. V těhotenství jako by se stala veřejným majetkem. Každý ví lépe než ona, co má dělat, jak má žít, a ona sama beztak vždycky selže. Pokud už jako žena máte ztíženou vstupní pozici pro život v patriarchátu, jako žena-matka jste na tom ještě hůř.

Výběr respondentů proto není veden napříč celou společností, ale představuje především takové přístupy k mateřství a rodičovství, které Olivová pokládá za inspirativní a které nejsou dost slyšet. Tradičnější přístupy jsou schválně ponechány stranou, tak jako slovo blood z původně zamýšleného názvu „Milk and Blood and Honey“. Všichni víme, že krev k mateřství patří, ale pro teď si to udělejme hezké.

Pohledem bezdětného třicátníka

Nemá smysl zde přeříkávat obsah knihy, všechna ta jména a životní zkušenosti, bylo by to nutně povrchní. A tak se vyjádřím nezvykleji, způsobem, o jaký si kniha Milk and Honey říká: Povedu s ní osobnější rozhovor.

Jsem třicátník, který na rozdíl od zpovídaných žádné děti nemá, ani na to dosud nemyslel. Bojím se, že bych se s dětmi nemohl plně věnovat tvorbě, kterou už takhle dělám při práci. Že bych je neuměl ekonomicky uživit a dopřát jim životní stabilitu (v posledních sedmi letech jsem se stěhoval víc než třicetkrát). Jistou roli v mém strachu z otcovství může hrát také zkušenost ztráty dvouletého bratra.

Na druhou stranu chci vytvářet podmínky pro lásku a nové vztahy, tedy nejen nějaká hotová umělecká díla. Jsem silně ovlivněný mýtem Eróta a figurou prostitutky. Živím se prací v pečujících profesích, kde vnímám jako svůj úděl být nablízku těm, které heteronormativní společnost s kultem zdravého dítěte vylučuje mimo svůj obzor. Představa matek s kočárky, svatebních průvodů a dětských hřišť mi byla jednu dobu až protivná. A takový přístup k životu zajisté ohrožuje můj nynější vztah se ženou, která si přeje mít děti, ale zvolna ztrácí víru, že jejich otcem bych mohl být já.

Rozhovory Olivové obrátily nejeden z mých předsudků vzhůru nohama. Zpovídaní lidé mají totiž daleko do nějakých stereotypních rodičů a slouží spíš jako vzory, jak s různými tradičními tlaky tvořivě nakládat. Není výjimkou – a Olivová sama je toho nejzářnějším příkladem – že zkušenost mateřství se může stát integrální součástí uměleckých a intelektuálních ambicí. Jiné hostky například malují obrazy na pleny, vystavují doma v lednici nebo tančí s placentou, performují s dětmi po vzoru Kelly Family, sepisují Kodex feministické instituce, nabízejí vlastní mléko při veřejných ochutnávkách či propagují těhotenské porno. Obava „dítě, nebo umění“ je tedy falešná.

Může znít divně, že takové dilema jako muž vůbec prožívám, v rozhovorech se s tímhle dilematem pasují především ženy. Od mužů se často očekává, že mají svou rodinu spíš uživit. Dítě odnosí a odkojí v drtivé většině případů matka dítěte (i když, jak se v knize dozvíme, i muži mohou kojit). Spoustu jiných věcí lze ale dělat sdíleně, nebo i ve prospěch matčiných mimo-mateřských plánů. Spoluúčast otce na péči o dítě by se měla stávat automatickou. Zaujalo mě, že jako velice funkční model se v knize jeví být soužití lesbického páru, který pečuje o dítě společně s gay párem, přičemž jeden z partnerů byl dárcem spermatu. A tak má dítě rovnou dvě mámy a dva tatínky.

Na jedné lodi s matkami

Kniha se dotýká i mého dalšího dilematu, kdy horko těžko slaďuji umění se sociální prací, a přijde mi, že bych na dítě neměl čas ani peníze. Většinou jsem se setkával s jediným řešením, které mi je proti srsti: jako umělec se komercionalizovat, případně jako zaměstnanec si najít lépe placenou práci. Poslední dobou se naštěstí objevují hlasy, které volají po vyšším finančním zhodnocení svobodného umění, a hlavně – což výrazně zaznívá i v Milk and Honey – po vyšším ocenění péče. V tomhle jsem jako pečovatel na jedné lodi s matkami. Nechci opouštět práci, která mi přijde podstatná a naplňuje mě. Přece jen na jídlo a nájem mi to tak tak dá, zatímco matky jsou ve vztahu k péči pokládány za jakési otrokyně-dobrovolnice. O děti přece pečujeme z lásky…

Připouštím, že docenění péče v sobě nese jistý revoluční náboj, a proto není tak snadné najít pro ně podporu. Bylo by krásné učinit z rodičů gigoly a kurtizány svých dětí, nicméně ještě cennější je rozeznávat citové vztahy – ať už v rodině, či jinde – jako malé velké sny o jiné společnosti. A o čem mě četba Milk and Honey přesvědčila především, je to, že takové sny se mezi námi dějí a není jich málo. Jinak řečeno, že rodina představuje otevřené dílo, nezávislé na dogmatu reprodukce či na rigidní roli matky. V knize najdeme různé druhy sdíleného rodičovství, komunitní přístup k výchově, rodinu s adoptivními dětmi, pěstounství i jedno svědectví o ztrátě dítěte. Hned v úvodní studii mě nadchl poznatek, že matkou může být každý. Pokud přistoupíme na mateřství jako na univerzální pečující princip, kdy ovšem ne všechny ženy chtějí být matkami, dává to smysl. Už takhle si s partnerkou často prohazujeme genderové role, mluvím o ní v mužském rodě a podobně, ale dosud mě nenapadlo, že lékem na úzkost z otcovství by mohla být touha stát se matkou.

Milk and Honey se od jiných knížek liší tím, že jak je hebounká, občas jsem se přistihnul, že ji svírám jako mimino, na dosah bradavky. V půlce knihy se na stránkách dokonce vyskytují rozsáhlé lepivé skvrny.

Ondřej Macl vystudoval autorské herectví na DAMU, srovnávací literaturu na Karlově univerzitě, sociální práci a novinařinu na Masarykově univerzitě v Brně. Věnuje se tvorbě performancí a rituálů propojujících nejrůznější umělecké formy. Zároveň se snaží o živý kontakt umění s filozofií, náboženstvím, vědou. Je laureátem Ceny Jiřího Ortena za rok 2018 za experimentální koláž Miluji svou babičku víc než mladé dívky. Publikuje kritiky a eseje, na svém webu ondrejmacl.cz rozvíjí úvahy na téma erotiky. Pracuje jako asistent znevýhodněných osob.

Tip Pavla Klusáka
Poklad zakopaný pod chodníkem
Hynek Alt: Untitled (Infrastructure & The Beach)
Editor: Jen Kratochvíl. 232 stran, NAMU, Praha 2020

Kniha Hynka Alta svému publiku postupně odhaluje svoje vrstvy jako cibule. Dá se dokonce říct, že postupné rozeznávání, čím tahle kniha-artefakt je, patří plně k jejímu uměleckému gestu. Nutnost rozeznat něco po svém vyrůstá už z titulu knihy: Untitled, tedy bez názvu, bez vodítka, které by urychlilo představu „co chtěl básník říci”.

Publikace, jak už jsme řekli, je samostatným artefaktem, nikoli dokumentací či paralelou k výstavě. Nakladatelství AMU zvládlo vydat knihu v důstojné podobě, s obálkou z kombinovaných materiálů (karton zčásti potažený fólií). I uvnitř nás čeká kombinace různých forem: a písmo vyražené do hloubi tlustého kartonu jako by předznamenávalo dobývání se pod povrch v hlavním příběhu uvnitř knihy.

Obrazovou polovinu tvoří cyklus fotografií, na nichž Alt v nedávné době dokumentoval výkopy v ulicích. Vidíme nejrůznější konstelace rour, potrubí, kabelů, vedení a „husích krků”, odhalené právě tak zabláceně, jak to u pouličních výkopů bývá. Rezaté trubky, modernější plasty, do marnosti dovedené ufiknuté hadice: spolu s podložím, kalem a trochou smetí je to spíše antiestetická scenérie: ale série má vyváženou variabilitu, která nás postupně vtahuje dovnitř archivu. Barevné fotografie jsou při vší syrové realističnosti komponované, Alt k nim dokonce poznamenává: „Normálně se snažím vyhýbat označení fotograf, ale tentokrát se jsem jako fotograf snažil jednat.” Výsledné snímky nejsou výřezy: jsou vždy obrazem, o jehož zarámování bylo rozhodnuto v okamžiku expozice.

Fotosérie má pro vnímající oko řadu vrstev. Přináší celou řadu „situací”; tak třeba dvojice protilehlých rour, kterou od spojení dělí jen kousek, a přesto jsou obě zaslepené – takový obraz není těžké brát jako metaforu. O ty ale Altovi nejspíš moc nejde, nahlíží pod rozervaný asfalt, sleduje výkop, do nějž zasahují kořeny stromu, některé průrvy pod povrch působí až tělesně. Obnaženost věcí vespod, jinak skrytých, se nás může neklidně dotknout.

„Situacionisté tvrdili, že pod úrovní ulice se rozléhá nekonečná pláž,” píše Jen Kratochvíl a podtrhuje, že výkopy se objevují a zase svižně mizí, aby udržovaly podzemní, skrytou technickou infrastrukturu. Jen Kratochvíl je jedním ze čtyř autorů, kterým v knize slouží Altův text jako odrazový bod k vlastnímu textu, k vlastnímu pohledu. To je druhá zásadní vrstva knihy: texty (publikované česky a anglicky) nejsou standardním „dovyslovením kurátora”, ale volnou interpretací nebo dokonce velmi volně spojenou úvahou.

Ángels Miranda, spisovatelka a kurátorka, ve svém textu píše o motivu zakopaných pokladů, o ceně země, která nás podpírá, o napětí ze „skrytých vnitřností městských monster”. Teoretik (a hostující profesor na FAMU) Jussi Parikka přirovnává město k díře v zemi a stát ke stoce či kanalizaci: s historickým kontextem tyto obrazy působí přirozeněji než při stručné zmínce. Největší hardcore jsou tu texty Gianfranca Sanguinettiho (1948), člena Situacionistické internacionály, který se postupem času dostal až na pozice výzkumníka konspiračních teorií. Sanguinetti při pohledu na Altovy fotografie uvažuje o státním despotismu, o skrytých mechanismech, jež nás ovládají. Trochu lze mít pocit, že autor by na západní despotismus myslel i při pohledu na mísu ovoce, je to jeho generální téma: možná obsesivní, ale rozhodně podložené humánní myšlenkou. Alt jako by říkal, že autor díla by měl snést i takové reakce, které disponují nějakou autonomní výbušností a které jsou vůči původnímu dílu v mimoběžné pozici.

Mezi čtyřmi texty není zřejmá hierarchie: jsou s fotkami propojené rizomaticky, síťově, jako potrubí pod chodníkem. A tak pokud by někdo chtěl autoritativní „autorský pohled” na věc, zjistí, že se ho – záměrně – nedočká. Místo toho je vnímajícímu soubor Hynka Alta předán k inspiraci a vlastnímu náhledu. Tak jako vznikly čtyři texty pro knihu, na nás samotných je zformovat skrze vlastní střet s dílem vlastní náhled – pátý doprovodný text. Obloukem se tak vracíme na titulní stranu k názvu Untitled: po tom, co jsme dílo poznali, ho můžeme po svém i pojmenovat.

Pavel Klusák se jako publicista věnuje především hudbě, zvuku a jejich společenským kontextům. Publikuje i texty o současném umění. Jeho pořady pravidelně vysílá Český rozhlas Vltava. Dramaturgicky vede festivalové projekty pro MFDF Ji.hlava a kutnohorský GASK. Jeho poslední kniha Uvnitř banánu (Fra, 2021) vypráví o relativitě hodnot v hudbě skrze fikční i skutečné příběhy. Je šéfredaktorem Qartalu.

Tip Tomáše Procházky
Český člověk s usárnou
Libor Fojtík: Trampové
Praha: PositiF, 2021

Má-li někdo narozeniny, sluší se gratulovat. Pokud je to jubileum tzv. „kulaté”, gratulace jsou o to větší, a pokud se pak některý šťastlivec dočká toho, aby oslavil celých sto let, blahopřání a gratulace neberou konce. Na dortu hoří sto svíček! Slavme slavně slavnou slávu!

Camrátko a počítač

Toto samozřejmě platí i ve chvíli, kdy je oslavencem namísto smrtelníka organizace, hnutí nebo myšlenka. Toto se právě přihodilo trampskému hnutí, jehož stoleté výročí se začalo slavit v roce 2018, mimo jiné také skvělou výstavou Století trampingu, která byla k vidění v prostorách Národopisného muzea v letohrádku Kinských na Smíchově, a stejnojmenným katalogem. Při stoletém výročí na nějakém tom roku tolik nesejde, a tak se může slavit i několik let. Kniha Libora Fojtíka Trampové je přiznaným narozeninovým přáním vázaným ve slušivé režné plátěné vazbě s ušlechtilou zeleně zabarvenou ořízkou. Obálku zdobí fotografie trampa se vzorně sbaleným teletem na zádech, titul na obálce sympaticky schází, bílé ražby s názvem a jménem autora si všimnete na hřbetu až na druhý pohled. Celkový velmi decentní vzhled kazí jen poněkud příliš „designový” font. Naštěstí je použit jen u názvu, jména autora a obsahu.

Hlavní část knihy tvoří fotografie, které vznikaly během pěti let na mnoha místech naší republiky. Libor Fojtík, v mládí sám aktivní tramp, zkoumá po letech svůj vztah ke hnutí pomocí čočky svého fotoaparátu. Nahlíží jím současnou situaci v kempech, zastavuje stárnoucí trampy v lese a nebojí se zkoumat nejen jejich lesní obydlí, ale i jejich občanské domovy, které si mnohdy zkrášlují v duchu trampské estetiky a přenášejí tak kus lesní romantiky i na pražská sídliště.

Jak se píše v závěru knihy a jak také sám Libor Fojtík zmínil v tisku, jeho záměrem bylo vytvořit fotografickou sérii bez povinné úlitby západů slunce a cigarety zapalované třískou. Záměrně se vyhnul i použití černobílé fotografie, která se zde víc než nabízí. To je ambice, které lze rozumět. Autor si tím však uložil nelehký úkol přijít s neotřelým pohledem na vizualitu trampingu.

Fotografií je téměř sto a celá série začíná základním kamenem legendární osady Ztracenka z roku 1918 a končí setkáním „stoletých usáren” na Brdech, série tak opisuje symbolický oblouk kolem zmiňovaného výročí. To je asi nejpevnější svorník celého cyklu, který ohledává mnohá témata spojená s trampingem. Jiné řazení fotografií nebo výraznější oddělení jednotlivých témat by sérii určitě prospělo.

Je zde mnoho aranžovaných portrétů, ty v lepších momentech připomenou například ikonickou sérii Český člověk autorů Jana Malého, Jiřího Poláčka a Ivana Lutterera nebo také cyklus Václava Jiráska Industria, kvalitám obou projektů se však nepřibližují. Někde Fojtík nezapře reportážního fotografa. Poutavé jsou snímky z interiérů občanských domovů, například z pracovny trampa Kuby v Příbrami. Pracovní stůl s počítačem, za ním mapa se spoustou placek a camrátek, zvadla a plakáty, kravská lebka, maskáčová celta přibitá ke stropu. Příslušnost k trampskému hnutí prostupuje i sekulární obytný prostor a zcela ho vyplňuje. Jen zapnutý notebook připomíná, že nejsme v chatě kdesi na Brdech. Nejzajímavější jsou pro mě snímky zachycující krásu trampské vernakulární architektury, což je téma, které by bez problémů vydalo na samostatnou publikaci.

Fotografie jsou prezentované bez popisků, index s miniaturami přichází až na konci celé fotografické části. To je sice v duchu moderního designu podobných publikací, fotografie bez popisků však působí poněkud odosobněně a index, jak víme, velká část čtenářů číst nebude. Textovou část s originální grafickou úpravou vkusně recyklující trampskou a westernovou estetiku tvoří nepříliš rozsáhlý příspěvek Století trampingu od Michaela Antonyho, shrnující století trampské historie, jeho slavné i méně slavné doby. Následuje text Jana Pohunka, etnologa, folkloristy a kurátora sbírek Národopisného muzea v Praze, který je rovněž dlouholetým trampem. Oba texty hovoří v podstatě o tomtéž, z rozdílných úhlů shrnují uplynulých sto let trampingu. Nejzajímavější je text třetí, jehož autorem je fotograf, kurátor a také vydavatel publikace Tomáš Pospěch. Ten se věnuje historii fotografování trampingu a přibližuje některé předchozí fotografické projekty. Opět velice zajímavé téma, kterému by slušel větší prostor a já osobně bych kvůli němu rád oželel i předchozí dva texty, shrnující poměrně známá fakta z historie trampského hnutí. Schází mi zde i pohled samotného autora série a jeho osobní historie vztahu k trampingu. Takový text by se krásně vešel do vloženého sešitku s fotografiemi z autorova mládí, nazvaného Z rodinného archivu.

Ven z ohnivého kruhu

Nelze publikaci vyčítat, že není tím, čím by mohla být. Není úplnou zprávou o českém trampském hnutí, není ani kronikou jednoho konkrétního místa či společenství, není ani osobním deníkem autora, ale vlastně není tak docela jen fotografickou publikací. V knize je od všeho trochu – sekce uměleckých fotografií, texty o historii trampského hnutí i humorný slovníček trampských výrazů. Vše v dokonalém designovém provedení: namísto sešitu, co měl „obal z kůže králičí a místy už se moli do něj dali”, třímáme v rukou ušlechtilý artefakt, který si nebude ošklivit žádný městský hipster a kterým si rád jistě zalistuje i leckterý druhdy vysmívaný paďour. Otázkou je, komu je kniha vlastně určena. Obsah textů a přítomnost jejich anglické mutace napovídá, že možná spíše lidem, kteří s trampingem osobní zkušenost nemají.

Aranžované portréty přinášejí doposud nezvyklý pohled na tramping. Jejich strnulost však působí až jakýmsi muzeálním dojmem, jako bychom se dívali na něco, co už v dnešním světě neexistuje. Podobným, ba ještě strašidelnějším dojmem působí umělým světlem přisvěcované fotografie.

Opravdovou živost a radosti trampského života tak můžeme nejsilněji pocítit ve vloženém sešitku, kde autor prezentuje černobílé fotografie ze svého trampského mládí. Tramping je stále silná subkultura s živou historií a svébytnou vizualitou, kterou není snadné prezentovat mimo oblast jejího přirozeného výskytu. I tato kniha je pro mě důkazem, že komplexní a barvitý svět českého trampingu lze zachytit v jeho živosti jen obtížně a že nejlepším způsobem vždy zůstane sbalit si tele nebo usárnu a vyrazit za město do „krajiny bez dálnic a magistrál”. Publikace se dotýká některých zajímavých a neprobádaných témat, jako již zmíněné trampské architektury. Po výpravných knihách o chatách, posedech nebo celosvětově úspěšnému fenoménu Cabin Porn se tématika trampských obydlí vyloženě nabízí k hlubšímu zpracování.

Jsem také zvědav na ohlašovaný dokumentární film, který by měl na publikaci navázat. Křehkou problematiku by mohl zachytit lépe.

Kurátor a vydavatel Tomáš Pospěch v závěru svého textu píše, že projekt vznikl mimo dobovou poptávku. Sama existence publikace je ale důkazem, že jistá poptávka, nebo alespoň specifický sentiment, zde pomalu vzniká. Ne snad ani tak ze strany trampů samotných, ale ze strany městských hledačů originálního stylu a amatérských badatelů v oblasti nemainstreamových subkultur. Možná právě jim je publikace určena především.

Autor je zakladatelem postdramatického divadla Handa Gote Research and Development, pro nějž je po léta silným motivem nedávná česká minulost, periferní místa a společnost zdánlivých okrajů. Je členem dua Wabi Experience, které pracuje s dekonstruovaným zvukem českých trampských písní. Vede skupinu B4 (oceněnou dvakrát výroční hudební cenou Vinyla). Publikuje texty o hudbě a umění. Je dokumentátorem a vydavatelem hudebního art brut a hudby outsiderů (Endemit Records).

Každý je umělec, když nejde o peníze

Pandemická doba zvýšila citlivost vůči symbolickým hodnotám (nejen) politických činů. A tak politik, překračující vlastní nařízení, se musel poroučet z důležité funkce, zatímco jiný politik, popíjející jedno pivo na žízeň, se snadno vyplatil penězi na charitu.

Triptych Rozvolnění
Triptych Rozvolnění
QO3_002
Triptych Rozvolnění
Triptych Rozvolnění

Symbolem ponížení nebo naopak nadřazenosti se stal vládní postup při rozvolňování. Školy sice dostaly při návratu z uzávěr přednost, ale na ty střední a vysoké se zapomnělo. Fotbalisté už dávno před diváky běhali po trávníku, zatímco galerie a muzea, kde se dle dostupných studií při opatrném provozu nikdo nikdy nenakazil, zůstávala prázdná. Kultura nesmí být diskriminována sportem, prohlásil ministr kultury, který se za kulturu rve jako lev, i když často zůstane jen to lví řvaní.

Lidé přesně cítí, jaké má vláda reprezentující stát priority. Výroba, dětská školní, tedy hlídací zařízení, uvolňující rodičům ruce pro vlastní práci a sport, kde si lidé odpočinou a točí se peníze sponzorů. Na kulturu je vždy času dost. Je to ten největší paradox pandemické doby: kultura – hudební, knižní, filmová, výtvarná – byla během uzávěr útěšnou silou, která držela hibernující společnost nad vodou; ve chvíli, kdy už je líp, zůstane zapomenuta. Lid kulturní uráží, že dříve než na divadlo a výtvarné umění dojde na natáčky pro psy, na stříhání nehtů a odírání ztvrdlých pat. Křičet se musí, i když se fakticky nic nezměnilo a jen tak nezmění. Jen je díky covidu přehlížení kultury teď více vidět. Priority společnosti jsou zřejmé, zaryté hodně hluboko.

Změnit to může každá příští politická reprezentace, která dá na kulturu více peněz, jak to ostatně v koncepci nové státní kulturní politiky navrhuje už současný ministr. Jenže doba post-covidová bude ekonomicky drsnější než půlroční lockdown. Peníze kvůli dluhům nebudou nikde, ani ve zdravotnictví, ani ve školství, kdepak by nové miliardy zbyly ještě na kulturu. Nejdražší umění, film, má díky výběrovému automatu státního fondu své jisté, zbytek stojí na velmi tekutých píscích. O peníze – soukromé, obecní, krajské, státní – je tedy třeba dál bojovat, proč ne s vírou, že kultura se do půlky 21. století stane v Česku novodobým fotbalem, který bude chloubou každého milionáře, jenž už ke své významnosti nebude potřebovat fotbalový/hokejový klub, ale punc hlavního sponzora české literatury či výtvarného umění.

Na boj o peníze se jako na záchranu spoléhat nedá. To, že nejsou, neznamená, že umění bez nich umře. Jakkoliv byl covid bolestný v definitivním zjištění, že kultura politiky (ani velkou část společnosti) opravdu nezajímá, nabídl prozření i v jiném směru. V tom, že peníze nejsou krví kulturního organismu, přesněji, že se jí nesmějí primárně stát. Musí pomáhat, ne pohánět. Ekonomizace a kapitalizace kultury by jistě celý obor zvedla ve společnosti vzhůru – minimálně symbolicky – ale prostý přepočet užitečnosti housky na přínos houslového koncertu nebo na kapitálovou a konzumní užitečnost nové výtvarné instalace kulturní povznesení společnosti nepřinese.

I ve výtvarném umění se peníze a umění perou, idealismus umělecké tvorby, která dává žít, se sráží s pragmatickou potřebou se živit. Po věky. Moderní umělec si ale od dob Josepha Beuyse, který se narodil přesně před sto lety, může klidně říkat, že umění potřebuje materiální odlehčení a že umělcem je ve společnosti, hledající novou formu života, úplně každý. Živlem umění totiž nejsou peníze, nýbrž duševní energie, která koluje, umocňuje se a propojuje. Je to útěcha drobná, leč zásadní. Trochu toho duševního vytržení a slasti z tvorby potřebuje každý, aby se umění v nás neztratilo… než začne další šílená rvačka o peníze.

Co když šlo Muchovi o něco jiného?

Slovanská epopej má řadu vrstev. Restaurátor a akademický malíř Tomáš Berger se už po léta přibližuje na dotek její vrstvě materiální: je pověřený péčí o Muchovo monumentální dílo. S Epopejí cestoval do Japonska, rentgenoval ji, smí se jí dotýkat štětcem. Příběh díla zná důvěrně a do detailů: odtud také vychází jeho pohled na současnost a možnou budoucnost cyklu pláten. Petr Vizina hovořil s Tomášem Bergerem krátce před plánovaným otevřením nové expozice na zámku v Moravském Krumlově, kam se dílo Alfonse Muchy – po dohodě s GHMP – vrací na pětiletou zápůjčku.

pohled do výstavy Alfons Mucha: Slovanská epopej, Obecní dům, 2018. Foto Tomáš Souček
pohled do výstavy Alfons Mucha: Slovanská epopej, Obecní dům, 2018. Foto Tomáš Souček
pohled do výstavy Alfons Mucha: Slovanská epopej, Obecní dům, 2018. Foto Tomáš Souček
pohled do výstavy Alfons Mucha: Slovanská epopej, Obecní dům, 2018. Foto Tomáš Souček
pohled do výstavy Alfons Mucha: Slovanská epopej, Obecní dům, 2018. Foto Tomáš Souček
pohled do výstavy Alfons Mucha: Slovanská epopej, Obecní dům, 2018. Foto Tomáš Souček

Petr Vizina píše texty a vede rozhovory pro Aktuálně.cz a Český rozhlas. Byl členem redakcí Lidových a Hospodářských novin, pracoval deset let ve zpravodajství ČT, z toho většinu času jako vedoucí redakce kultury. Působí na Katolické teologické fakultě Karlovy univerzity, kde vystudoval teologii a aplikovanou etiku. Jeho podcast Na dotek vychází v koprodukci serveru Aktuálně, knihkupecké sítě Kosmas a GHMP.

Akademický malíř a restaurátor Tomáš Berger (1962) pracuje od roku 1989 jako restaurátor obrazů na plátěné i dřevěné podložce. Zabývá se i restaurováním a průzkumem nástěnných maleb pro státní, církevní i soukromé instituce. Jsou mezi nimi Národní galerie Praha, Arcibiskupství pražské, Národní divadlo, Strahovská obrazárna, Národní památkový ústav, Pražský hrad nebo Senát Parlamentu ČR. Je restaurátorem pověřeným péčí o Muchovu Slovanskou epopej. Přispěl do publikací Odkaz Tiziánův, Mezi erupcí a morem, Soupis díla Václava Špály a do katalogu výstavy Václava Špály Mezi avangardou a živobytím. S italským velvyslanectvím vydal knihu Vlašská kaple v Praze, s farním úřadem Prahy 8 knihu Karlín, s městskou částí Praha 2 vydal publikaci Pavilon (2009). V letech 2009–2011 provádí rozsáhlý průzkum obrazů Karla Škréty (1610–1675), který je publikován na půdě Národní galerie během autorovy souborné výstavy pod názvem Rentgenologický průzkum malířského díla Karla Škréty. Malířský rukopis ve světle neviditelných paprsků, 2011. Připravil a realizoval knihu Foyer (2016) dokumentující vznik, výzdobu, historii, průzkum a restaurování interiéru Národního divadla.

Q         Muchova Slovanská epopej je v posledních deseti letech spíš politické než umělecké téma. Bavič Jan Kraus si nedávno povzdechl, že je z epopeje unavený, novináři podle něj neumějí psát o ničem jiném. Jste taky unavený z té nekončící debaty, kde má být epopej vystavená a komu vlastně patří?

T B      Když o mně a dalších restaurátorech píšou média, že jsme se zamkli nedobytně na zámku v Moravském Krumlově a tajně tam epopej balíme, tak se mě to dotkne. Ale napětí, které epopej ve společnosti vyvolává, je zajímavé a někdo by je měl popsat. Historici umění zastávají vůči epopeji často pejorativní postoj, že jde o dílo, které se minulo s dobou a srovnávají ji třeba s tím, co v té době dělal Emil Filla. Je to tak, ale proč je tedy epopej nesrovnatelně známější než cokoliv od Filly? V epopeji je zakleté cosi, co budí emoce, proto se stále vrací, média to téma opakovaně znovu zvedají ze země. Když politikům schází dech, epopej je vrací do centra pozornosti. Samozřejmě, že nebudí pozornost jako výtvarné dílo, spíš jde o téma národa, historie, které se nás všech bytostně týká, ač třeba nemáme s uměním nic společného. Na přednáškách se ptám studentů, jak si vysvětlují, že vědí tolik o Muchově Slovanské epopeji, zatímco třeba o dvou vynikajících rozsáhlých obrazech Václava Brožíka ví jen málokdo. Za normalizace, kdy jsem vyrůstal, se o slovanství ani epopeji zas tak moc neučilo. Zhruba do roku 2010 spala v Moravském Krumlově. Snad náš zájem vychází z toho, že se integrujeme do Evropy, a tím máme větší potřebu o sobě vyprávět?

Q         Alfons Mucha v sedmnácti odešel z domova a dvounásobnou dobu potom žil v exilu. Je epopej jeho vyprávění o tom, kdo jsme?

T B      Přečtu vám, co o epopeji samotný Mucha píše své ženě Marii roku 1911: „Dnes již nás netíží německé jařmo, jsme svobodni, avšak poslání epopeje není skončeno. Ať hlásá cizím přátelům, ba i nepřátelům, kdo jsme byli, kdo jsme a kam toužíme. Ať síla slovanského ducha si u nich vynutí úctu, protože z úcty se rodí láska.“ Tenhle motiv stál na začátku, proč chtěl Mucha epopej namalovat. Vychází mi to tak, že Mucha byl už dlouho v Paříži, dosáhl určitého renomé, v ilustracích byl nedostižný a mohl si jako výtvarník dělat, co se mu zlíbí, přesto se ho stále znovu ptali, zda je Srb, Bulhar nebo Rus. Proto chce vymalovat historii statečných a velkolepých Slovanů, kterou v Paříži nikdo nezná.

Q          Snad Perun s Mokošem a další slovanští bohové odpustí, ale každé etnikum nebo národ rád slyší o své velkoleposti. Proč se Mucha rozhodl vytvořit právě ilustrovaný dějepis?

T B      Slovanská epopej je skutečně názorné, čitelné dílo. Pro mě samotného ovšem není tématem epopeje Muchova představa slovanství, ale klaním se jeho výtvarnému a řemeslnému přístupu. Se Slovanskou epopejí jsem se potkal vlastně náhodou, před nějakými šestnácti lety. Volal mi tehdejší ředitel GHMP s tím, že mám zkušenosti s restaurováním velkých formátů a jestli bych chtěl na epopeji v Moravském Krumlově pracovat. Tehdy jsem věděl zhruba to, co nás učili kunsthistorici, že je to vousaté dílo, které nikoho nezajímá, a proto je uskladněné kdesi na Moravě. Matně jsem si pamatoval, že v 80. letech byly dva z dvacítky obrazů epopeje vystaveny v Jízdárně na Pražském hradě, ale to bylo všechno. Jako restaurátor s dvacetiletou praxí jsem znal zblízka nástěnné malby Jana Lukáše Krackera nebo Václava Vavřince Reinera. Z patnáctimetrové vzdálenosti vidíte letícího anděla nebo oblaka, dokonalou iluzi, zblízka je ale patrné, jak to tihle mistři v kostelech „mrskali“ širokými štětkami. Vybavený kunsthistorickými znalostmi a zkušenostmi restaurátora jsem tedy přijel do Moravského Krumlova. Nevěřícně jsem poodcházel na deset metrů daleko a pak se k obrazům vracel na centimetry blízko – až tehdy mi došlo, jak je to dílo velkolepě provedené. Zdálky se mi epopej jevila jako monumentální malba, jenomže i zblízka v detailu působila jako dokonale propracovaná ilustrace. Když retušujete poškozené detaily malým štětečkem, vidíte, že Mucha maloval štětcem jen o maličko větším. Poznával jsem dílčí dobové přístupy – prostor, kresbu, barevný náboj secese i hloubku a perspektivu starých mistrů – ale v tomhle díle byly soustředěny úplně všechny. Od prvotřídních kreseb až po monumentalitu.

Q          Mucha vydržel šestnáct let u jediného projektu, musel být velmi pracovitý…

T B      Říkal, že v první polovině svého života docílil určitého umu a věhlasu, druhou polovinu života věnuje národu. Investoval své schopnosti a čas do národní prezentace. Předsevzetí začal plnit, když vymaloval pavilon Bosny a Hercegoviny na světové výstavě v Paříži v roce 1900. Zjistil, že mu monumentální díla svědčí a získávají obdiv. Během příprav k epopeji byl kvůli jedinému obrazu fotografovat dvakrát v Rusku, bádal v archeologických muzeích, následovaly první barevné skici, existují pak co nejpřesněji „vyťunťané“ perokresby, dále uhlové kresby, práce se světlem a s linií, existují i kresby uhlem ve velikosti jedna ku jedné. Šel do hloubky, teprve potom přistoupil k plátnům. Obrazy epopeje jsou výsledkem obrovských příprav i studií a v naší historii nejspíš nemají srovnání. Stojíte před nimi a nechápete, jak se mu to povedlo. Běžný návštěvník se zabývá historií, dívá se, jak Hus káže a jestli je Komenský zkroušený. Ale při pohledu na malbu mě napadá, že neznám dílo, které by bylo tak monumentální a současně dovedené do detailu. U Muchy vidíte i jak je vyšívaný kabát z brokátu. Když chcete kopírovat jeho kresbu ženského těla, trefíte se teprve podesáté. Tahle virtuozita se dnes nenosí, umělci jako Mucha kreslili čtrnáct hodin denně, ale on mezi nimi stejně vyniká. Porovnejte ženskou postavu u Klimta, Schieleho a Muchy, tedy umělců téže doby. Mucha je fyziognomičtější a virtuóznější. Ti dva ostatní jsou umělečtější, dávají větší prostor fantazii. U Muchy je vše doslovné, drží-li dívka kytici, poznáte, jaké květiny tam jsou. Mnohým lidem je prostě Muchův realismus bližší než Klimt.

pohled do výstavy Alfons Mucha: Slovanská epopej, Obecní dům, 2018. Foto Tomáš Souček
pohled do výstavy Alfons Mucha: Slovanská epopej, Obecní dům, 2018. Foto Tomáš Souček

Q          Mucha věřil v myšlenky vyjádřené symboly, možná proto, že byl svobodný zednář. Pokládal za své poslání ty symboly slovanství ztvárnit?

T B      S americkým mecenášem Charlesem Cranem byl domluvený, že mecenáš zaplatí pouze materiál, tedy barvy, plátna, modelky a modely a ateliér, malíř bral práci na epopeji jako své poslání. Chtěl vás jako diváka vtáhnou do děje. Jeho postavy s vámi komunikují, vyzývají vás. Truchlící ženě s novorozencem na obrazu Slavnost Svantovítova hledíte do očí. Historici mají pravdu, když upozorňují na Muchovy omyly a nepřesnosti. Ale jakmile rozbalíte epopej třeba v Rakousku, v Německu, ve Francii nebo v Japonsku – dílo musí prvně ležet dvě, tři hodiny rozbalené malbou dolů –, jakmile napneme obrazy epopeje na rámy a obraz za pomoci nějakých deseti lidí zvedneme, všichni, od kurátorů po dělníky, většinou vydechnou obdivem.

Q          Transport podle vás Muchovým plátnům neškodí?

T B       Epopej jsem rentgenoval, pořizoval ultrafialové snímky, zkoumal jsem Muchovu malířskou techniku. Zajímalo mě, jak jeho díla vznikala, zároveň jsem mapoval jejich poškození. Jeden z požadavků průzkumu bylo zjistit, jestli a jak se epopej může balit a převážet. Obava byla, že se temperové malby balit nemohou. Jenomže Mucha epopej tvořil s myšlenkou, že by se měla stále rolovat a rozkládat, i kdyby se obrazy jen přenášely na zámku z jedné místnosti do druhé. Mucha věděl, že epopej bude putovat, byl domluvený s Cranem, že epopej přijede do Ameriky. Občas se na epopeji objeví bílé místečko, tak se zaretušuje.

Q          Kdy jste se naposledy Muchovy epopeje dotkl štětcem?

T B      Dávno, naposledy v Japonsku. Nejspíš se za ní časem znovu vydám do Moravského Krumlova.

Q          Soud skutečně v prosinci 2020 rozhodl, že Slovanská epopej Praze nepatří a vyhověl tak žalobě malířova vnuka Johna Muchy, která Praze vyčítá, že nesplnila podmínku vybudovat pro plátna samostatné výstavní prostory. Co si o tom myslíte?

T B      John Mucha obchoduje se jménem Mucha. Použije každého, kdo se mu hodí do příběhu. Proto byl proti tomu, aby epopej odjela do Japonska. Zájem o Muchu prezentuje jako rodinnou věc, ale jeho si maminka Geraldina přivedla z jiného manželství a John přijal Muchovo jméno. Protože rozumí obchodu, chápe, co známka „Mucha“ v byznysu znamená, a umí Muchův příběh krásně vybásnit. Zpočátku jsme si pomáhali, ale bylo mi divné, že chtěl ode mě všechno vědět, jen když jsem ho prosil o fotografie ke studiím pavilonu pro epopej, který se měl stavět ve Stromovce, vždy jen sliboval. Mimochodem, ten návrh nebyl dobrý, protože mění divákovu perspektivu, jak ji Mucha zamýšlel.

Q          V září 2020 Praha představila sedm míst, kde by mohla epopej najít domov, prostory by mohly vzniknout například na pláních Pankráce nebo v bývalých ledárnách v Braníku. Kde byste rád viděl epopej vy?

T B      Nové vedení Prahy nemá k epopeji vztah, rozhodlo se dát ji Moravskému Krumlovu. Založili jsme s přáteli Spolek pro Slovanskou epopej v Praze. Ještě před tím, v září 2019, architekti odevzdávali projekt pro pražské Lapidárium na Výstavišti, byť šlo pouze o dočasné řešení, než se vypíše mezinárodní soutěž na pavilon. A znovu to nevyšlo. Ve Veletržním paláci, kde byla epopej vystavena čtyři roky, se mi líbilo, když si ji návštěvníci prohlíželi v přítmí a v jakési úctě šeptali. Není pravda, že by se místem pro epopej před námi nikdo nezabýval. Soutěží, kde epopej vystavit, bylo jen ve 20. století snad šedesát. Jedna z otázek, kterou vždy rád otevřu, je: proč Mucha namaloval epopej tak velkou? Nespíš proto, že je epopej tak velká, dodnes nestojí její výstavní pavilon. S dlouholetým pražským primátorem Karlem Baxou se Alfons Mucha přece znal, nenamaloval by epopej tak velkou, kdyby věděl, že pro ni Praha nenajde místo. Podle mě si představoval, že během pěti nebo deseti let Praha pavilon postaví a národ se tam bude učit o své historii podobně, jako se chodí poučit do Národního divadla. Kdyby tenkrát Muchovi řekli, že epopej nebude vystavená v Praze, ve své době považované za hlavní město slovanstva, ale vystaví ji v jeho rodných Ivančicích, nejspíš by ji nenamaloval. Maloval ji pro slovanské centrum v Praze a my jsme hloupí, že jsme epopeji za celou tu dobu pavilon nepostavili. Jenomže když jsme od začátku první republiky nepostavili galerii moderního umění Fillovi, Špálovi nebo Hudečkovi, jak bychom mohli postavit výstavní síň pro jediného Muchu?

Q          Cestou za vámi jsem viděl v metru reklamu na dokument o Muchovi, v rozhlase mluvili o připravovaném muzikálu. Zájem o Muchu přece není daný jen dobovým panslavismem nebo dnešním přetahováním mezi Prahou a Moravským Krumlovem.

T B      Ano. Ale co když Muchovi šlo o něco jiného než o výtvarné umění? Nápad Johna Muchy vystavit epopej ve Fantově kavárně na Hlavním nádraží je úsměvný, ale něco na něm je. Mucha věděl, že jeho dílo bude cestovat po světě. Když jsme v Japonsku, kde byla epopej toho roku s 660 tisíci návštěvníky během tří měsíců jednou z nejnavštěvovanějších výstav výtvarného umění na světě, obrazy balili, kurátorky se velmi uctivě tázaly, kam teď Mucha cestuje. Velmi je zaskočila naše odpověď, že do depozitáře.

TÉMA Q. Na co myslíte, když si prohlížíte Slovanskou epopej?

Tak se ptáme v čase nového odhalení a nové veřejné expozice Slovanské epopeje (1912–1926) v Moravském Krumlově. Došlo k uzavření dohody mezi majitelem díla, městem Praha, a Moravským Krumlovem. Pětiletá zápůjčka městu, kde byla Epopej vystavena v letech 1963–2011, je novou příležitostí pro návštěvníky spatřit dvacet velkoformátových pláten, jimiž Mucha shrnul dějiny slovanských národů, byť prostoupené symbolismem, mytizováním a fantazií umělce.
Slovanská epopej, což nás nakonec moc nepřekvapí, se v posledních letech stala nejzmiňovanějším uměleckým dílem v českých médiích. Její ohlas domácí i světový, naposledy superúspěšné vystavení v Tokiu (během tří měsíců výstavu zhlédlo přes 650 tisíc diváků), potvrdil, jak vrstevnatým, poutavým a stále živým dílem Muchův cyklus je. Současně je od svého vzniku provázen kritikou z estetických, myšlenkových i sociopolitických pozic. Předmětem diskuse jsou umělecké i mimoumělecké stránky Epopeje, její role v národním sebeuvědomění, novodobá mytologie, svébytný typ Muchy jako umělce i jeho nesmírný ohlas, monumentálnost díla i historie reakcí, ohlasů, vyzdvihování a odmítání Epopeje během řady generací.

Položili jsme tedy šestici teoretiků, historiků a kurátorů otázku: Čím je pro nás Muchova Slovanská epopej dnes? K jakým úvahám nás může inspirovat? Co z jejích mnoha témat je pro nás podstatné?

Blok textů rámují skici autorské dvojice David Böhm & Jiří Franta k nikdy nevzniknuvší monumentální nástěnné malbě pro Moravský Krumlov. O genezi tohoto svébytného díla píše Marek Pokorný v doušce na samém konci Tématu Q.

vizuály k textům Jiří Franta & David Böhm

PROSTŘEDNÍČEK UKÁZANÝ AVANTGARDÁM
Tomáš Glanc

Je dobře, že máme legendární Muchovo dílo opět na očích, tuto bombastickou závěť světoznámého umělce z moravských Ivančic… Epopej vyvolává už více než sto let polemiky – nevraživost i nekritické nadšení, ideologické konfrontace a soudní spory. Málokterý artefakt české provenience se kdy dočkal tak bouřlivé recepce.
V české veřejné diskusi existuje téměř satirický žánr „boje proti Epopeji“. Jeho účastníci kritizují oba hlavní aspekty cyklu velkoformátových pláten: ideologii Epopeje i její umělecké ztvárnění. Satira jak známo nepochází od prostopášného člověkokozla Satyra, nýbrž z „lynx satura“ – misky se vším možným. Tak odpůrci Epopeje míchají všechno dohromady a snaží se jejím prostřednictvím diskreditovat Muchův z dnešního hlediska obskurní „světonázor“. Kádrování tohoto typu je ale ožehavý obor, protože fikce, zplozená talentem a fantazií, není redukovatelná na politické stanovisko.
Jistě, ideologická báze cyklu Muchových velkoobrazů z bájných dějin slovanstva je bizarní. Ale i to je velká přednost tohoto kolosálního díla. Uvádí nás totiž do zašlého světa slávy nacionalistických, rasových, rusofilských snů počátku 20. století se slovanskými kongresy a emancipačními fantazmaty. Dnes jsou jistě tyto civilizační vize politicky pasé.
Nicméně z hlediska dějin umění je to strhující provokace – a prostředníček vztyčený všem avantgardám. Zaslouží si poctivou reflexi z hlediska intelektuálních a kulturních – a také politických – dějin epochy, v níž obrazy vznikaly. Cenzurovat umělecké slohy a díla z hlediska našich dnešních přesvědčení by bylo absurdním ikonoklasmem, to bychom museli nepřetržitě čistit národní galerie a jiné obrazárny od nacionalismu, machismu, kolonialismu, xenofobie a mesianismu.
Mucha skutečně snil o budoucí slovanské civilizaci a hledal pro ni opěrné body v dějinách od jejich „úsvitu“ až do – své tehdejší – současnosti, kdy na plán sbratření slovanských národů podle něj nejnebezpečněji útočil bolševismus. Umělecky šlo o unikátní retro-pop: Autor se ze secesní stylistiky reklam, plakátů a návrhů bankovek noří ještě hlouběji do realisticky-romantického historismu s rysy komiksu, aby vytvořil univerzální block-buster, strhující show – a přesně to se mu povedlo.
Mucha měl štěstí – jeho dílo působí i po sto letech rebelsky. Nejdřív se střetl s modernisty, pak s komunistickou kulturní politikou, pro kterou bylo jeho slovanstvo příliš spirituální – ačkoliv geograficky svět Epopeje přibližně odpovídá Stalinovu konceptu východní Evropy po druhé světové válce. Uklizená v Moravském Krumlově Epopej tolik nepobuřovala, ale vřava kolem nesplněné smluvní podmínky – totiž výstavby samostatného výstavního pavilónu – v desátých letech 21. století znovu obnovila skandální slávu tohoto velkolepého projektu.
Mucha námět každého obrazu celé měsíce studoval, podnikal badatelské cesty do míst, kde se příslušné děje odehrávaly a plnil skicáře nesčetnými postřehy. Chtěl vidět na vlastní oči řeholníky na Athosu, Rudé náměstí a představit si praslovanské chrámy na Rujáně. Získal sponzora z nejvyšších pater amerického
establishmentu, s nímž se sblížil na banketu pro více než tisíc osob, uspořádaném v New Yorku na oslavu vstupu Ruska do války proti Japonsku. Plátna mu vozili z belgických továren na výrobu plachet. Jako ateliér si pronajal zámek. Všechny tyto okolnosti i výsledný artefakt jsou naprosto výjimečné – a za to bychom měli jednoho z mezinárodně nejproslulejších umělců českého původu ctít. Kriticky a bez patosu – věcně, nezakomplexovaně, bez zášti. Epopej je zaslouženě atrakcí a senzací českých kulturních dějin.

Tomáš Glanc je rusista, sémiotik, vysokoškolský pedagog, kurátor řady výstav, publicista, překladatel. V současné době působí na Curyšské univerzitě ve Švýcarsku. „Už léta shromažďuji materiál na knížku o slovanské ideologii, a jestli ji dokážu dát dohromady, Mucha v ní bude hrát nezanedbatelnou roli,” připisuje ke svému textu pro Téma Q. Připravil dlouhou řadu výstav, naposledy variabilní putovní projekt Poezie a performance. Východoevropská perspektiva (spolu se Sabine Hänsgen) pro Žilinu, Bělehrad, Zürich, Drážďany, Liberec či Wrocław.

DĚJINY SE DĚJÍ TEĎ
Tomáš Pospiszyl

Jestliže je Slovanská epopej skutečně nejzmiňovanějším uměleckým dílem v českých médiích, nepochybně to znamená, že je stále živá, nutí nás k debatám o jejím smyslu uměleckém i společenském. Nedomnívám se, že je tato živost způsobena jen soudními spory nebo bizarními rozměry díla. Ano, vidět Slovanskou epopej je spektakulární zážitek. Můžete se na ni jít podívat s kamarádem avantgardistou, zahraniční kurátorkou při první návštěvě Evropy, s malou dcerou nebo s babičkou, a se všemi na její téma zapředete zajímavý rozhovor. O jakém jiném uměleckém díle můžete něco podobného prohlásit?
Roviny reflexe díla pochopitelně budou rozdílné a dnešní otázky, jež Slovanská epopej vyvolává, paradoxně nejsou ty, které chtěl do svého díla vložit sám Alfons Mucha. Dílo proti nejlepší vůli autora zůstává dodnes mimo daný čas a prostor, a to doslova. Pomineme-li debatu prakticky prostorovou, tj. kam s ním,
je zde fascinující vykolejenost časová. Ani po letech se nedokážeme vypořádat s umělecky i ideově archaickým dílem. Antimoderní, akademickou nebo dokonce kýčovitou Epopej nelze z dějin českého výtvarného umění vytěsnit, monumentální plátna jsou doslovným pozadím pro celou naši moderní kulturu.
Neustále aktuální je i její obsah. Fantasmagorická oslava slovanství je nám dnes dokladem českého dekolonizačního projektu – řečeno dnešním jazykem. Sledujeme Muchovu urputnou snahu zachytit pilíře národní identity. Ale to, co dnešnímu divákovi Mucha zpřítomňuje především, je monumentální konstrukce
této vize: Historie není tím, co se stalo v minulosti, ale to, o co právě usilujeme. Slovanská epopej nám tak více než kdy jindy pomáhá pochopit české dějiny, i když asi jinak, než jak si to Alfons Mucha představoval.

Tomáš Pospiszyl je historik umění, kritik a kurátor žijící v Praze. Přednáší na Akademii výtvarných umění v Praze. Pro sdružení tranzit.cz pracuje od jeho založení. Je autorem řady výstavních a publikačních projektů.

PROČ JE TAK OBLÍBENÁ
Milena Bartlová

Pojďme se tentokrát zamyslet ne nad dílem samotným, ale nad jeho přijetím neboli recepcí. Slovanská epopeja se stala natolik oblíbenou, že se tiše pozměnil její příliš archaický název. Nemyslím si, že by to byl důkaz nějakého oživení panslovanství, jehož bychom se měli dnes aktuálně politicky obávat. Obsah a sdělení cyklu oblibě nebrání, ale nejsou tím hlavním, co lidi dnes přitahuje. Myslím, že velmi širokým vrstvám se dnes Slovanská epopej líbí díky své formě. Má to dvě stránky: jednak ohromující rozměry a to, jak s nimi Mucha dovedl zacházet, jednak snadnou srozumitelnost.
Ačkoli dnes máme IMAX projekce, zůstává obrovská malovaná plocha stále něčím, co nabízí ohromující vizuální zážitek. Druhá polovina 19. a začátek 20. století s takovým efektem účinně počítaly, ostatně na uměleckých akademiích vzkvétaly specializované ateliéry monumentální tvorby a veliké obrazy se realizovaly malbou, mozaikou nebo jako textilní obraz. V tom všem se samozřejmě jen pokračovalo ve staletých tradicích účinného působení veřejného obrazu. Jedním z důležitých rozměrů částečné popularity socialistického realismu stalinského typu bylo právě používání obrovských pláten. Zrovna nyní realizuje Slovenská národní galerie zajímavý projekt Akce Zet: uměnovědná výprava, kdy malíř Marcel Mališ realizuje v atriu galerie mnohametrovou malbu jako remake nejslavnějšího a nezvěstného obrazu československé „sorely“, Díkuvzdání českého a slovenského lidu generalissimu Stalinovi od Jana Čumpelíka, Aleny Čermákové a Jaromíra Schoře z roku 1952. Alfons Mucha s ohromujícím a zároveň imerzivním potenciálem svého cyklu cíleně pracoval. Ten slavný chybějící pavilon měl být odděleným, tedy jakoby sakrálním prostorem s působivou instalací, měl se stát posvátným místem českého národa i československého
státu. I když takové umístění stále chybí, Muchův záměr byl úspěšný. Instalace ve velké dvoraně Veletržního paláce něco z té neurčité posvátnosti zpřítomňovala.
Společně s okouzlením z imerzivní podívané přitahuje dnešní české obecenstvo na Slovanské epopeji také samozřejmá srozumitelnost. Lidé raději půjdou na výstavu, která je nebude zneklidňovat tím, že se musí namáhat, aby pochopili, o co vystavujícím umělcům šlo. Moderní a zejména abstraktní či dematerializované umění je záměrně exkluzivní a nechce být snadno srozumitelné. Mucha je právě opačný. Většina obrazů cyklu jsou sugestivní ilustrace okamžiků z dějin Slovanů, které lze dobře popsat, a divák to, co se ve výkladu dočte, také na obraze poznává. Nereálné vize nadskutečna na prvních třech na  posledních dvou obrazech jsou pro diváky Pána prstenů a Hry o trůny také dobře srozumitelné. Ostatně nezapomínejme, že jsme tu v zemi „něcistů“, kteří právě takové nekonkrétní a necírkevní duchovno mají rádi.
Osmdesát let byla Slovanská epopej skrývána, protože se považovala za exemplární kýč. Dodnes si pamatuju pocit ohromení, když jsem na první Muchově velké výstavě začátkem osmdesátých let viděla Slovany v pravlasti, doprovázený rozechvěním z možnosti vidět něco nepřístojného. Nechci na malém prostoru spekulovat o tom, zda kýč je nebo není, a co to vlastně kýč je. Možná bychom ale aspoň trochu měli přemýšlet nad tím, jak je to se vztahem mezi srozumitelností a přijatelností umění a našimi odbornými měřítky jeho kvality, jak se ten vztah vyvíjel a jak s ním pracovat dál.

Milena Bartlová je historičkou umění. Zabývala se uměním a kulturou středověku, nyní se věnuje především dějepisu dějin umění. Spolu s vědeckovýzkumnou a publikační činnosti působí na Vysoké škole uměleckoprůmyslové jako profesorka a koordinátorka doktorských studií.

vizuály k textům Jiří Franta & David Böhm

ROZSVÍTIT A ROZMLUVIT EPOPEJ
Petr Fischer

Boj o relevantní vystavení Slovanské epopeje Alfonse Muchy trochu připomíná spor o Rukopisy, který také asi nikdy nebude úplně vyřešen. Muchův obrazový mýtus o síle Slovanstva sice obsahuje více historické reality než slavné Hankovy a Linkovy podvrhy, v tahanicích o jeho veřejnou expozici se však nepřímo bojuje o podobnou „rukopisnou“ historickou symboličnost díla.
A ta nemá s kvalitami maleb celého cyklu zase tolik společného. O umělecké hodnotě Epopeje se nikdy moc nediskutovalo, vždy se jaksi samo sebou vědělo, že dílo stojí za samostatnou výstavu, důvody však byly víc morální a obchodní než umělecké.
Vystavovat Epopej mělo smysl kvůli zahraničním turistům, kteří jméno Mucha dobře znají ze secesních plakátů populárních po celém světě a na cyklus se rádi přijdou podívat. A potom tu byl dávný závazek Prahy, která dílo přijala se slibem umělci, že pro něj vybuduje samostatný budoár, jakousi obrazovou svatyni slovanského živlu v Praze.
Mucha chtěl skrze svůj cyklus přenést energii slovanského ducha na budoucí generaci. Jako věřící i praktikující spiritista si vážil přesvědčovací moci světla a jeho temného kontrastu, ať už stojí samy proti sobě nebo se odrážejí ve hrách odstínů barev, nesoucích opět symbolickou hodnotu. Řada obrazů v cyklu ale
mluví příliš zdaleka, aby mohly intenzivně zasvítit i dnes, většina známějších výjevů se koncentruje do doby husitství a těsně po něm (od Husa k Jiřímu z Poděbrad je šest obrazů). Jedno z nejsilnějších pláten Epopeje, Kapka naděje, připomínající některé symbolistní obrazy Williama Blakea, vyjevuje tíživou chvíli Jana Amose Komenského, který z mlžného oparu nepřízně dějin hledá cestu do jasnější, všelidské budoucnosti.
Zasněnost, snivost tohoto obrazu (a vlastně i celé Epopeje) jako by vyjadřovala typicky lyrický vztah Čechů k vlastním dějinám. Ten vztah se v současnosti projevuje v boji o podobu české demokracie, jenž se dokonce stává „bojem o duši národa“. Mucha představuje patos velikosti a vznešenosti, který je dnes spíše unikáním před realitou než jejím prosvěcováním a nadějeplným otvíráním do budoucna. Zjevně i proto, aby Mucha mluvil a skutečně „svítil“, jak si autor přál, by stálo za to cyklus konfrontovat se současností přímo a inspirativně, aby se otevřel a rozmluvil i pro ty, které tyto paprsky z dávné mytické minulosti
nemohou zasáhnout.
Ideálním adeptem se jeví Apoteóza Jiřího Davida, dekonstruktivní rozhovor s Muchou, který pracuje s posledním všezahrnujícím obrazem Muchovy Epopeje. David navrací Apotheosu z dějin slovanstva do současnosti. Jeho koncepce je vnějškově prostá, i když vnitřně komplikovaná. Umělec k černobílé reprodukci Muchova obrazu postavil obrovské zrcadlo, takže divák musí vstoupit do mezery mezi oběma, aby vůbec viděl. Je nucen k zrcadlení, k reflexi (reflecto, odrážet, ohýbat) a k přemýšlení, ke spekulaci (speculum, zrcadlo), přičemž se stává součástí obrazu. Divák vstupuje do obrazu (do dějin Slovanů), tak jako Davidovy doplňky do Muchova plátna, přidávající libůstky umělcovy psýché: kovový kruh a přetržená pouta na postavě Slávy, odkazy na Beuyse či Tarkovského, zahalená hlava teroristy, lysohlávkové (h)aluze a další souvislosti.
Tvůrcem není už umělec, nýbrž divák, který rekonstruuje Davidem dekonstruovaný národní symbol podle toho, co má sám v hlavě a jak všechny souvislosti cítí. Apoteóza zve k meditaci na národní téma. Lze si při ní uvědomit, jak vzdálené jsou všechny ty národní postavy a symboliky; jak jejich významy kloužou po hranách času a individuální životní zkušenosti; jak se na sebe dívat upřeně do zrcadla dokáže málokdo (chycení diváka do obrazu a zrcadla je „past“ − centrum Davidova konceptu, možná i srdce konceptuálního umění vůbec). Natožpak dívat se na něco tak těkavého, jako je národ.  A tak se do pasti dostává i autor díla, protože po spekulativní dekonstrukci národních mýtů v sobě se divák nutně zeptá: A jak může David dekonstruovat něco, co není symbolem, dokonce nikdy ani symbolem nebylo, protože se to dávno rozpadlo do toku odkazů a narážek a podprahových, všelijak zneužitých souvislostí?
Když si ale s Davidovou sebereflexivní Apoteózou v hlavě začnete rozkládat, a znovu tak rozebírat a sestavovat svět Muchova slovanského mýtu, může po této práci zůstat opět poměrně očišťující a silný zážitek. A o to možná v moderních galeriích více či méně jde.
Ať už si tedy o Muchově Epopeji myslíme cokoliv, ať už ji umělecky vyzdvihujeme, nebo ji obrazně posíláme z falešného národního piedestalu do stoupy dějin, vždy je tu šance zachránit její hodnotu a smysl pro budoucí generace otevřeným a klidně podrývavým, ironickým rozhovorem se současností. Není to neúcta k umělci, nýbrž jeho vyznamenání. Ještě nám stojí za to, abychom s ním mluvili, abychom ho v sobě objevovali. Příklad Davidovy dekonstrukce Apoteózy, vystavené poprvé v roce 2015 v české sekci výtvarného bienále v Benátkách a o rok později ve Veletržním paláci, paralelně s Muchovou Epopejí, je jen jednou z možností, jak takový užitečný a inspirativní rozhovor začít. Jistě by se k němu vstřícně časem přidali další umělci. Muchovu Slovanskou epopej vystavit snad tedy ano, ale prosím, problematicky – ne jako národní relikvii!

Petr Fischer je vzděláním filozof, což se dlouhodobě promítá do jeho publicistické a scenáristické práce. Po dva roky (2016–2018) vedl stanici veřejnoprávního rádia Český rozhlas Vltava.

DVA ŽIVOTY
Magdalena Juříková

Slovanská epopej má dva životy: oficiální a neoficiální. Ten oficiální je determinovaný opakovanými pokusy o její trvalé umístění. V minulosti narážela nejprve na odmítnutí soudobou uměleckou scénou avantgardního ražení, později na válečnou éru a do roku 1989 na různá stádia kulturní politiky komunistického režimu. Od roku 1990 pak na krátká, rychle po sobě jdoucí volební období pražských politických reprezentací.
Neoficiální život epopeje je také zmítán kontroverzemi: dílo je předmětem buď až nekritického vzývání, či poněkud hysterického opovržení.
Proč se po roce 1989 neodehrála (konečně už svobodná, neideologická) debata, která by vedla k širší reflexi Epopeje? Nebyla dost dobře možná, protože dílo dlelo v zapomenutí v Moravském Krumlově. A krátká epizoda ve Veletržním paláci zřejmě nezavdala dostatečnou příčinu k takové analýze.
Nadšení cizinců, přicházejících zhlédnout Epopej zejména z Asie, má kořeny zcela jistě v odlišném kulturním zázemí, kdy monumentalita díla hraje roli patrně nejdůležitější. Nicméně snaha proniknout do jeho obsahu je ve srovnání s českým prostředím překvapivě důsledná. Narážím na televizní anketu z našich ulic, kdy diváci shlédnuvše Epopej nedokázali popsat, co cyklus zobrazuje, kdežto v Tokiu diváci s nadšením naslouchali i několikahodinovým přednáškám přibližujícím události kulturně i geograficky vzdálené. Slovani a jejich historie v našem prostředí zjevně nerezonují, kdežto u cizinců pozorujeme přirozenou touhu pochopit události, které Mucha ve svých plátnech s takovým nasazením interpretuje.
Celkové naladění naší společnosti je rovněž málo nakloněno patosu: avšak Mucha (po zkušenosti s divadlem) jej nasazuje s přirozeností a potřebou sobě vlastní u mnoha z témat, jež si po pečlivém studiu a konzultacích s historiky zvolil. Svůj sisyfovský úkol uzavřel téměř padesát let poté, co Smetana zkomponoval Mou vlast, ke které hodlal vytvořit výtvarný pandán.
V roce 1927 se však Alfons Mucha a Slované ocitli ve zcela odlišné realitě, než ze které jeho úsilí vzešlo. Všechny tyto souvislosti se do „rodného listu“ díla vepsaly s takovou intenzitou, že se mu u nás dodnes příliš nedaří. Hledejme porozumění alespoň skrze odvahu zralého muže opustit zaběhlý způsob života, zůstat silným a nepochybovat o svém cíli celých sedmnáct let. Hledejme je skrze jeho vynikající malířské řemeslo, vytříbený smysl pro inscenování děje, neuvěřitelnou snahu vyhovět historickým a lokálním odlišnostem jednotlivých příběhů, jež jsou vykoupeny nekonečnými hodinami studia pramenů, četnými cestami za konkrétními lokalitami a gigantickou šíří kresebné přípravy každého detailu, pohybu ruky i výrazů tváří.

Magdalena Juříková je ředitelkou Galerie hlavního města Prahy.

CO S NÍ
Marek Pokorný

Ze zatajovaného, až proskribovaného uměleckého díla s komplikovanou historií vzniku a táhnoucími se spory o přijetí či nepřijetí do kánonu českého výtvarného umění se Muchova Slovanská epopej stala v posledním dvacetiletí především atrakcí. Udivuje svým rozsahem, rozměry a počty návštěvníku, které přitahuje či může přitáhnout. Výtěžnost násobí rovněž vedlejší produkty využívající zvýšený zájem o animaci všeho, co je po ruce a čemu se už autor nemůže bránit. Slovanská epopej je zároveň jakousi symbolickou kořistí, o niž se vede soudní spor mezi hlavním městem, jemuž byla původně věnována, a umělcovými dědici. Ti mají za to, že Praha nedostála svému závazku, jenž podmiňoval tento dar, tedy vybudování důstojného zázemí pro uchování a vystavení. Je také předmětem sporů týkajících se toho, zda ji lze nechat putovat po světových destinacích, anebo ji do vyřešení současných potíží s vystavením v Praze umístit tam, kde o ni vždycky stáli – na zámek v Moravském Krumlově. Osud cyklu dokončeného v roce 1929 je sám o sobě epopejí.
Jak upozorňuje ve své eseji Miroslav Petříček, Muchovo opus magnum je zejména otázkou po čase uměleckého díla. V okamžiku svého dokončení se nutně jevila jako dobře míněný, ale nepatřičný relikt něčeho, co už je dávno pryč. Je však také možné, že dlouhé 19. století skončilo teprve vystavením Slovanské epopeje ve funkcionalistickém Veletržním paláci v roce 1929… Jako individuální výkon je Slovanská epopej obdivuhodná, jako doklad uměleckého vývoje problematická a jako ideograf zpožděná. Přesto je to velké umělecké dílo, v němž se jakoby komprimované nacházejí některé z klíčových otázek po povaze umění, jeho společenské funkci, vztahu mezi dějinami a ideologií, identitou, konstrukcí významu a vyznění prostřednictvím výpustek, otázek vztahu řemesla a dovedností k umělecké hodnotě, ale také tázání po oscilaci uměleckého díla mezi uměleckým, kulturním a společenským faktem a (abychom zůstali u Mukařovského) mezi záměrností a nezáměrností.
V těchto souřadnicích se mi zdá, že se současná debata stále vede především o vedlejších aspektech Slovanské epopeje. Jestliže hlavní město v posledních letech hledalo s pomocí expertních skupin především lokalitu pro definitivní umístění a splnilo tak umělcovu podmínku, jaksi zapomnělo na to podstatné – k čemu dar využít. Zatím se zdá, že hlavní motivací je udržet dílo v rukou hlavního města a veřejnosti i turistům nabídnout atrakci na místě, které přispěje k rozvoji města. Jako vedlejší efekt se dostaví poněkud pokrytecké uspokojení z toho, že jsme postavili pomník světově uznávanému tvůrci. A politická reprezentace slavnostně přestřihne pásku.
Epopej samotná si však zaslouží nejen důstojné místo, kde je vystavena, ale zejména kritickou pozornost a práci na její interpretaci v souvislostech historických, uměleckohistorických, ideových a kulturních. To tedy znamená, že debata se má vést nejen o klimatických a bezpečnostních podmínkách jejího vystavení,
respektive o nejlepší dostupnosti místa, kde zázemí vznikne, ale především o takovém institucionálním půdorysu péče o ni, který ji dokáže zprostředkovávat v souvislostech především jako umělecký a kulturní fakt nabízející různé interpretace a různé typy zkušeností. To je také jediný důvod, proč se o Slovanské
epopeji a její budoucnosti vůbec bavit. Paradoxně je to právě Muchova Slovanská epopej, která má obrovský potenciál pro využívání současných metod muzejní práce orientované nikoli na konzumenty, ale na veřejnost. Kdy začneme?
P. S.: Po navrácení Slovanské epopeje do Prahy, tedy v letech 2012 a 2013, stál Moravský Krumlov před rozhodnutím, čím nahradit jediný opravdový magnet zdejšího turistického ruchu. Na jedné straně šlo o budoucnost zámku jako prvořadé historické památky v nedobrém stavu a soukromém vlastnictví, na straně druhé o samotnou nabídku, kvůli níž se budou do města lidé vracet a která zároveň uspokojí potřeby místních komunit. V té chvíli se mi zdálo téměř jisté, že Slovanskou epopej do Moravského Krumlova už znovu nikdo nedostane. V rámci ideového projektu pro budoucí využití zámku a zámecké zahrady, na němž jsem pracoval v roce 2013, se navíc počítalo s využitím Rytířského sálu pro pořádání koncertů a společenský život města. Tlumil jsem tehdy skepticky touhu představitelů města po návratu Muchova díla, avšak vzpomínka na ni byla tak živá, že jsem se jí pokusil vyjít vstříc: pokud nemůže mít Moravský Krumlov samotnou Slovanskou epopej, nechá si vytvořit vlastní. Na místě, kam za originálem mířily davy, tak měla vzniknout největší nástěnná kresba v Evropě z dílny Davida Böhma a Jiřího Franty, která by byla jakýmsi komentářem ke Slovanské epopeji samotné i jejím osudům. Umělci sice připravili základní koncepci, ale k vlastní realizaci nedošlo. Škoda. Pokud se nyní, zdá se, daří na plánovaných pět let Slovanskou epopej do Moravského Krumlova vrátit, mohlo letos dojít k pěknému setkání.

Marek Pokorný je kritik, publicista a kurátor. V současnosti je ředitelem městské galerie pro současné umění PLATO v Ostravě. V letech 2005 a 2013 byl kurátorem česko-slovenského pavilonu v Benátkách. V letech 2004 až 2012 vedl Moravskou galerii v Brně a Bienále Brno, mezinárodní přehlídku grafického designu. V letech 2002 až 2004 byl hlavním kurátorem Domu pánů z Kunštátu Domu umění města Brna. V roce 1995 založil časopis Detail, který redigoval do roku 2000. Kromě jiného se zabývá kulturní politikou a reflexí role kulturních institucí ve společnosti.

Johana Havelková: Pozdější život reklamy

Reklama i poezie užívají tutéž slovní zásobu: může se tedy odehrát proměna prvního v druhé? Výstava Jolany Havelkové J H ve venkovní Galerii Vltavská od dubna do června na první pohled připomínala řadu reklamních billboardů. Básně z dálnice jsou sebranými stovkami sloganů a claimů, které autorka zapisovala přes deset let, v období „ohraničeném dvěma krizemi”. Expozice intervenčního rázu, která je součástí programu Umění pro město, po dva měsíce vzbuzuje reakce kolemjdoucích. Je to dosud největší výstava Jolany Havelkové ve veřejném prostoru.

Jolana Havelková, Básně z dálnice, 2021, Galerie Vltavská. Foto Ondřej Besperát
Jolana Havelková, Básně z dálnice, 2021, Galerie Vltavská. Foto Ondřej Besperát
Jolana Havelková, Básně z dálnice, 2021, Galerie Vltavská. Foto Ondřej Besperát
Jolana Havelková, Básně z dálnice, 2021, Galerie Vltavská. Foto Ondřej Besperát
Jolana Havelková, Básně z dálnice, 2021, Galerie Vltavská. Foto Ondřej Besperát
Jolana Havelková, Básně z dálnice, 2021, Galerie Vltavská. Foto Ondřej Besperát
Jolana Havelková, Básně z dálnice, 2021, Galerie Vltavská. Foto Ondřej Besperát
Jolana Havelková, Básně z dálnice, 2021, Galerie Vltavská. Foto Ondřej Besperát

Q          Kde má počátek cyklus Básně z dálnice?

J H       Za důvodem, proč jsem si sloganů začala všímat, stojí heslo, které jsem objevila u silnice z Kolína do Prahy. Znělo: „Karma vás vítá“. Nepředstavila jsem si karmu jako výrobce topidel, ale jako vtipnou poznámku k mému tehdejšímu statu quo. Sledovala jsem pak další slogany umístěné na dálničních billboardech. Bavil mě jejich hravý a tvůrčí potenciál. Uvědomila jsem si, že absencí předmětu reklamy texty začnou fungovat jinak – stává se z nich vizuální poezie. Od počátku jsem hesla chtěla nějak posunout dál – nechat je například zhudebnit, ztvárnit je pantomimicky, později jsem vsadila na přednes a mluvené slovo.

Q          Od kdy je sbíráte a jaké slogany jste si vybírala?

J H       Celá sbírka „básní“ vlastně vznikala v období ohraničeném dvěma krizemi – finanční a tou současnou, pandemickou. Claimy jsem začala zaznamenávat v roce 2008 při svých cestách Českou republikou. Zapisovala jsem si především ty, v nichž není uveden konkrétní produkt. Některá hesla si nešlo nepoznamenat i přesto, že je jasné, ke kterému výrobku či činnosti míří. Byly natolik nosné, že jsem v závěrečné selekci pro výstavu některé nechala. Slogany tedy tvoří vizuální i obsahovou stránku projektu. Společně se zvýrazněnými sděleními (mezi jinými: „Buďte tam, kde to má smysl“, „Síla má mnoho podob“) rastrují samotnou plochu billboardu. Staly se také podkladem pro přednes básní.

Q          Co vás na sloganech nejvíc zajímá? Obsahují Básně z dálnice taky určitou kritickou vrstvu?

J H       Především jsem chtěla upozornit na texty, které nás obklopují, abychom se zamysleli, jakým způsobem nás motivují, ovlivňují a jestli to tak chceme. Bylo by přínosné detailněji sledovat vývoj textů, jejich proměnu v čase, taktiku a jejich obsah – pro takový výzkum bych si ráda někdy udělala čas. Přemýšlela jsem také o tom, jak billboardy dotvářejí městskou i otevřenou krajinu, ve které působí dost rušivě. Původní claimy patří k nejrozměrnějším sdělením ve veřejném prostoru – v reakci na toto zjištění jsem písmo zmenšila do plynoucího toku slov. Vizuálně by měly připomínat spíš text v knize.

Q          Cítíte vliv reklamy na svůj život? Pronikají slogany do vašeho života, nebo jste vůči nim imunní?

J H       Celý projekt způsobil, že jsem se hesly zabývala víc, než bych v běžném životě připustila. Reklamu využívají především obchodní společnosti, ale i neziskovky, profesní či sociální organizace. Takže je třeba rozlišovat, o jakou propagaci či zviditelnění jde. Za banálními frázemi, strohými konstatováními, zábavnými návody či důležitými sděleními stojí mnohdy lidé, kteří si s texty musí lámat hlavu, protože potřebují zaujmout, poradit, jasně a stručně informovat nebo i pobavit. Dobře postavený slogan v rámci nějaké sociální podpory může i pomoci. Některé výrazy zase nadužíváním ztratily životnost a obsah.  Nemohu tvrdit, že na mě slogany vliv nemají, ale asi jiný, než by měly mít. Spíše se jimi bavím, případně okamžitě přepínám, pokud mi nějak začnou vadit.

Q          Panely jsou umístěny u východu ze stanice metra Vltavská. Stejnojmenná galerie je venkovní, lidé se mohou k panelům přiblížit, číst zblízka, sednout si k obrazu a vlastně ho pro kolemjdoucí mimoděk dotvořit. Jak pro vás funguje tohle umístění?

J H       Architektura prostoru na Vltavské společně s graffiti tvoří pro Básně z dálnice skvělé prostředí. Slogany se navrátily do veřejného místa. Pro mě je také důležité propojení různorodých forem textů (graffiti, nečitelné čmáranice a reklamní jazyk v minimalistické úpravě). A pak – prostor na Vltavské je poměrně těžký, neútulný; působí jako jeviště, které přímo vybízí k pozorování situačních představení. Dennodenně se před plakáty nějaké odehrávají, dostávám od známých fotografie a sama se na Vltavskou občas zajedu podívat. Byla jsem překvapena, kolik lidí tímto místem prochází a jak různorodé publikum se k místu pojí. Hned na začátku jsme se s kurátorkou Terezou Novákovou a grafičkou Beatou Šafkovou rozhodly pro jemnou grafiku. Jsem zvědavá, zda tahle podoba bannerů bude spíše vybízet k jejich dotvoření, či naopak vzbudí respekt.

Q          Berete Básně z dálnice jako součást tendencí a linií, které procházejí vaším dílem dlouhodobě?

J H       Asi nejblíže k Básním z dálnice má soubor Citlivá data, který se zabývá hranicemi mezi soukromým a veřejným. Mapovala jsem kamerový systém jedné společnosti a s apropriovanými daty následně pracovala. V Praze byl cyklus vystavený v Ateliéru Josefa Sudka.

Q          A co se týká práce s textem?

J H       Tak například v triptychu Volání do lesa jsem na fotografie horizontů lesů zaznamenávala situace, které se vztahovaly k několika mým důležitým životním obdobím. Písmo zde funguje také jako kresba, pokrývá značnou část obrazu. Ve spolupráci s muzikantkou Lucií Vítkovou jsme přes zimu pracovaly po skypu na videu s názvem Slova. Předkládala jsem jí text a Lucie na něj reagovala hudbou, improvizací. Občas pracuji také ve svých fotografických kolážích s písmeny a číslicemi.

Q          Taky jste už dřív vytvářela akce, které nebyly určeny pro prezentaci v klasické galerii.

J H       Čas od času potřebuji ze své individuální cesty vyjít do veřejného prostoru, ráda například pracuji s lidmi v rámci sociálně-uměleckých projektů. Občas je taková akce jedinou možnou reakcí, jak se mohu k nějakému tématu vyjádřit. V devadesátých letech jsem tak pracovala poměrně často. Akce Sušení věcí se odehrála na společném dvoře několika domů. Pozvala jsem sousedy, abychom ve vnitrobloku společně uklidili. Našla jsem při tom spoustu zajímavostí, které jsem pak nafotografovala a v podobě velkoformátových fotografií vystavila na prádelní šnůře tamtéž. Kromě úklidu jsme společně nachystali vernisáž, a po letech soužití se tak vlastně více seznámili. Přirozeně se k nám přidali i náhodní diváci. V rámci fotografického festivalu Funkeho Kolín jsme výstav ve veřejném prostou nachystali poměrně dost – zde jsem ale vystupovala v roli kurátorky.

Q          Básně z dálnice mají i performanční a zvukovou část.

J H       Pro interpretaci básní jsem neváhala oslovit Davida Dvořáka a Tomáše Jeřábka, se kterými se známe spoustu let z kolínského divadla. Vybrané slogany figurují v sedmi nahrávkách Básní z dálnice, jakýchsi etudách s prvky humoru. Ty je možné si přehrát pomocí QR kódu přímo na Vltavské a také na webových stránkách www.basnezdalnice.cz. Živou rétorickou performanci přímo v prostoru galerie Vltavská jsme uskutečnili v květnu.

Co odnést z galerie

Sláva! Třetí číslo čtvrtletníku Qartal je prvním, které v Galerii hlavního města Prahy připravujeme s vědomím zpřístupněných výstav. Jedenáctého května se expozice mohly po řadě měsíců otevřít návštěvníkům, i když prozatím s omezenou kapacitou. Omezený maximální počet návštěvníků způsobuje občas frontu před vstupem do výstavní síně, u výstavy František Skála a jiné práce se to stalo realitou na řadu dnů. Pro čekající je to zkouška trpělivosti, ale taky to na pohled vypadá působivě: Kulturymilovná společnost vytváří fronty na umění! Jenže teprve až se časem ustálí rytmus post-pandemického života, uvidíme, kde zůstane zájem a jak silný.

Lidé kolem galerií by si pochopitelně přáli, aby návštěvníci pocítili, že jim setkání s uměním chyběla. Žádný racionální důvod to mít nemusí, stačí to vytušit. Stanout před originálními malbami, velkoformátovými zvětšeninami fotek, pocítit v Zámku Troja chlad Rónovy Pevnosti a teplo Ohně Jitky Svobodové: a cítit, že je to skutečné setkání, ne „informace o díle”, jakou může zprostředkovat sebelepší obsah na webu.

Je to zvláštní vztah: uvnitř galerie se odehraje prožitek, který si pak odnášíme s sebou ven: neděje se pak „umění” nakonec z nemalé části venku, když v nás pracuje? V tomto čísle Qartalu o tom uvažuje Petr Fischer. Výtvarník Jan Jedlička projezdil a prochodil řadu krajin, aby je reflektoval rozmanitými, jedinečně využívanými médii: včetně přímého louhování vlastních barevných pigmentů z hornin, které nakopal v Itálii, Irsku nebo Praze. Příroda zavlečená do galerie působí mnoha směry: rovnou nás trochu odmršťuje zpátky do terénu. Protože po setkání s Jedličkou se těžko bráníme úvaze: dokážeme taky takhle uvidět a docenit věčnou proměnu krajiny, mokřady a vysychání, stíny na povrchu a barvy skrytých vrstev?

Vstoupit do nitra galerie prostě občas znamená získat urgentní pozvání ven. Jiné projekty můžou být motivací k cestování za kulturou: V Moravském Krumlově je nově možno zhlédnout Slovanskou epopej Alfonse Muchy. Monumentální dílo, jež je v majetku hlavního města, na sebe přivolalo už tolik sporů a názorů, že je někdy těžké za jejich nánosem spatřit samotnou Muchovu nepopiratelně mistrovskou malbu. Jak dnes vnímat Epopej, k čemu může inspirovat? Na tuto otázku odpovídá na následujících stranách šestice expertů: se sedmým, vrchním restaurátorem Epopeje Tomášem Bergerem, pořídil interview Petr Vizina.

Letní Qartal přináší speciální blok literárního čtení: původní texty od osobností výtvarné scény a také povídky a úvahy o obrazech a sochách. Všechny texty jsou původní: jsme vděční jejich autorkám a autorům, že je můžeme publikovat v premiéře. Stejně jako uměleckým dvojicím Lukáš Jasanský & Martin Polák a David Böhm & Jiří Franta: i oni svěřili tomuto číslu Qartalu materiály dosud nepublikované.

A poslední premiéra: Od června má GHMP novou šéfkurátorku: je jí Helena Musilová. Přečtěte si s ní rozhovor.

Přejeme inspirativní čtení!

Jiří Thýn: S fotografií se snažím pracovat, jako bych maloval

Díky covidové době si kurátorka s umělcem zvykli na komunikaci online. Při přípravě výstavy se po dlouhé měsíce vídali převážně na monitoru obrazovky. Výjimkou nebyl ani tento rozhovor, který vznikl přes email a WhatsApp. Přesto neztratil na vřelosti a překvapivých odpovědích: Nejspíš díky tomu, že se Jiří Thýn a Sandra Baborovská znají dvanáct let. A aktuální expozice přímo odkazuje k té, kterou spolu připravili právě před deseti roky.

Jiří Thýn, prostorová morfologie No. A_B0A6752 (zdroj: H. Wichterlová, Portrét Vincence Makovského, 1928), 2021, černobílá fotografie, 100×140 cm
Jiří Thýn, prostorová morfologie No. A_B0A6752 (zdroj: H. Wichterlová, Portrét Vincence Makovského, 1928), 2021, černobílá fotografie, 100×140 cm
Jiří Thýn, prostorová morfologie No. A_B0A6763, (zdroj: H. Wichterlová, Portrét Vincence Makovského, 1928), 2021, barevná fotografie, 100×140 cm
Jiří Thýn, prostorová morfologie No. A_B0A6763, (zdroj: H. Wichterlová, Portrét Vincence Makovského, 1928), 2021, barevná fotografie, 100×140 cm
Jiří Thýn, prostorová morfologie No. A_B0A6754 (zdroj: H. Wichterlová, Portrét Vincence Makovského, 1928), 2021, barevná fotografie, 100×140 cm
Jiří Thýn, prostorová morfologie No. A_B0A6754 (zdroj: H. Wichterlová, Portrét Vincence Makovského, 1928), 2021, barevná fotografie, 100×140 cm
Jiří Thýn, prostorová morfologie No. A_B0A6880 (zdroj: H. Wichterlová, Portrét Vincence Makovského, 1928), 2021, černobílá fotografie, 100×140 cm
Jiří Thýn, prostorová morfologie No. A_B0A6880 (zdroj: H. Wichterlová, Portrét Vincence Makovského, 1928), 2021, černobílá fotografie, 100×140 cm

Sandra Baborovská (*1982) působí jako kurátorka v Galerii hlavního města Prahy. Připravila tu přes dvacet výstav převážně současného umění. Krátce po svém nástupu vytvořila dlouhodobou expozici Po sametu. Spolupracovala také na koncepci cyklu Start Up pro začínající umělce a na posledních výstavách do (už neexistujícího výstavního prostoru) 2. patra Staroměstské radnice (Předobrazy, prostor, abstrakce). Předmětem jejího odborného zájmu je sochařství 19. a 20. století a současné umění. V roce 2020 kurátorovala v rámci programu Umění pro město projekt Light Underground, jehož pokračování nyní připravuje. Je absolventkou oboru dějiny umění na Universitě Karlově a na Vysoké škole uměleckoprůmyslové v Praze.

Q          Ahoj, Jirko! Jak trávíš jarní dny?

J T       Jsme s dětmi „na samotě u lesa“. V sadu našeho kamaráda, sochaře Honzy Haubelta, máme starou cirkusovou maringotku, přestavěli jsme ji před lety na chatu a trávíme tu hodně času. Vznikla tady malá umělecká komunita přátel, kteří sem pravidelně jezdí.

Q          Když jsi zmínil Jana Haubelta, funguje ještě skupina Ládví, kterou jste ještě s Adélou Svobodovu a Tomášem Severou založili v roce 2005? J T Skupina Ládví už nefunguje. Uzavřeli jsme její činnost, když se nám nepodařilo prosadit vznik centra současného umění právě v lokalitě sídliště Ládví. Teď na podzim chystáme něco jako comeback, abychom podpořili malý nezávislý galerijní prostor, který se podařilo otevřít v prostorách bývalých potravin kolektivu okolo Alternativy II. Chápeme to ale jako jednorázovou akci.

Q          Čím jsi chtěl být jako dítě?

J T       Toho bylo opravdu hodně. Myslím, že každý věk s sebou nese nějaké představy o tom, čím chce člověk být. K fotografii jsem se dostal náhodou na střední škole. Vážně jsem uvažoval i nad dějinami umění a teologií. Okolnosti mě přivedly právě k fotografii.

Q          Poznali jsme se v roce 2009 při přípravě dlouhodobé expozice Po sametu v Domě U Zlatého prstenu. Vystavoval jsi tam tehdy fotogramy, kterým se věnuješ dodnes. Co tě na návratu k tomuto „manrayovskému“ principu zajímá?

J T       V případě fotogramů je to bezprostřednost. S fotogramy jsem začal pracovat v době, kdy jsem prožíval skepsi z inflace fotografických obrazů. V té době jsem neměl chuť a ani mnoho důvodů fotit. Řešil jsem to tím, že jsem začal budovat svůj vztah k fotografii od úplného začátku. Hledal jsem nové vyjadřovací možnosti a začal jsem experimentovat s fotogramy. Přišel jsem na techniku práce s osvitem fotografického papíru, umožňuje mně to používat světlo jako tužku. Není to tedy tak, jak to ve své době dělal Man Ray, který přikládal věci na papír a pak ho světlem exponoval. Fotografie je pro mě zásadní, ale i z jiných důvodů. Podstatný je pro mě právě její symbolický podtext. Pro vznik fotografického obrazu je zásadní vztah světla a času, který by měl být v harmonii. V některých pracích z té doby používám černobílý gradient, který vzniká postupným plynulým osvitem fotopapíru. Pro mě je to silně symbolický moment, odkazuje právě k plynutí času. Snažím se, aby každý krok v obraze měl svůj význam a nebyl jen redukovaný na estetickou funkci.

Q        Tento princip černobílého gradientu, černobílou fotografii kombinovanou s fotogramem, jsi použil v roce 2011 na naší výstavě Předobrazy, prostor, abstrakce v 2. patře Staroměstské radnice. Co tě na předobrazech děl sochařů/sochařek 20. století láká a jak se liší zmíněná výstava od aktuální, kterou v GHMP pořádáme letos?

J T       Nedá se říct, že bych se prací sochařů a sochařek inspiroval programově. V případě výstavy Předobrazy, prostor, abstrakce mě zajímal prostor a abstrakce právě v kontextu fotografického média. Odtud pramenila myšlenka pracovat s kubismem a Ottou Gutfreundem. Zájem o abstraktní umění mě pak inspiroval k formulování manifestu „nenarativní“ fotografie. Analytický přístup k fotografii a obrazu ve vztahu k tématu je v mé práci sice přítomný i dnes, ale v daleko uvolněnější formě. Snažím se s fotografií pracovat, jako kdybych maloval.

Jiří Thýn, prostorová morfologie No. A_B0A6822 (zdroj: H. Wichterlová, Portrét Vincence Makovského, 1928), 2021, černobílá fotografie, 100×140 cm
Jiří Thýn, prostorová morfologie No. A_B0A6822 (zdroj: H. Wichterlová, Portrét Vincence Makovského, 1928), 2021, černobílá fotografie, 100×140 cm

Q          Tvá aktuální výstava se jmenuje Mlčení, torzo, přítomnost. Můžeš nám přiblížit název a to, jak jsi při její přípravě uvažoval?

J T       V posledních letech se ve své práci soustředím na analýzu vzniku uměleckého díla. Je to spíš subjektivní sebedotazování. Zajímá mě ale vědomí jako takové a to, jak funguje v rámci tvůrčího procesu. Poprvé jsem to tematizoval v cyklu Vědomí jako základní předpoklad. V Mlčení, torzo, přítomnost hledám formy nového zobrazení, ovšem tradičními fotografickými postupy. Na rozdíl třeba od malby je ve fotografii bezprostřednost a možnost využití energie gesta značně omezená. Já se snažím pracovat tak, aby v obraze byla.

Q          Co tě nejvíc oslovuje na pracích Hany Wichterlové a jak jsi k ní došel? Je podle tebe „ženské“ sochařství něčím specifické? Připomeňme inspiraci tvorbou Aliny Szapocznikow nebo prostorovou plastikou Katarzyny Kobro.

J T       Je to dané citem. Vnímám podvědomě určité aspekty jejich práce, které jsou mi blízké. Neumím ale vysvětlit, proč to tak je. V případě Kobro a Szapocznikow to bylo prostřednictvím fotografické reprodukce v nějaké odborné publikaci. S prací Hany Wichterlové jsem se setkal až na výstavě věnované reprodukčním fotografiím Josefa Sudka. Pro mě to byl zážitek. Zpočátku jsem neměl tušení, že autory těch děl jsou ženy. To, kdo dílo vytvořil, nepovažuji v prvním kontaktu s ním za důležité. Autorství nevnímám pro význam díla jako podstatné. V širším kontextu mě ale autor samozřejmě zajímá. Pokud bych měl být konkrétnější, tak u Wichterlové mě zaujala vnitřní integrita těch plastik a to, jak jsou ukotvené a soustředěné. Z její práce, která není moc rozsáhlá, cítím určitý druh svébytného vizionářství, který je v mnoha ohledech nadčasový.

Q          Do budoucna bys rád přispěl uměleckou intervencí do ateliéru Hany Wichterlové, jak by měla vypadat? Podobně jako instalace v Domě fotografie? Můžeš prosím svůj záměr popsat? Do výstavních panelů zasahuješ rovněž autorsky…

J T       O prostorové intervenci do Domu fotografie uvažuji víc jako o autonomních objektech, které rozměry přizpůsobuji prostoru galerie. Podobně jako fotogramy nebo vystavené fotografie vznikají instalace vrstvením jednotlivých plánů a úhlů pohledového snímání. Na sádrokartonové stěny přenáším tvary vycházející z plastik Hany Wichterlové. Ty pak prořezávám a vrstvím na sebe. Vzniká tak autonomní plastika, která v sobě ale nese „DNA Wichterlové”, jakousi původní informaci z tvarů sochařčiných děl. V ateliéru Hany Wichterlové možná v budoucnu vznikne jedna prostorová instalace na analogickém principu.

Q          Baví tě práce učitele? Kde jsi všude učil? A jak vzpomínáš na fotografa Pavla Štechu?

J T       Jen v dobrém. Pavel Štecha byl otevřený člověk a typ pedagoga, svého druhu vzor. V průběhu studia jsem se poměrně brzy začal orientovat směrem k volnému umění. To bylo trochu mimo tehdejší rámec ateliéru, ten se profiloval víc jako užitný. Osobně učení vnímám především jako závazek a velkou zodpovědnost. Dnešní generace studentů je samozřejmě jiná, a to v mnoha ohledech. Po zkušenostech s působením na vyšší odborné Scholastice a na FAMU, kde jsem několik let vedl ateliér postkonceptuální fotografie, teď společně s Václavem Kopeckým vedeme ateliér užité fotografie na univerzitě v Ústí nad Labem. Je to skvělá nová zkušenost, která nám umožňuje uskutečňovat novou vizi a vést studenty k větší flexibilitě a mezioborové spolupráci. To by ale bylo na samostatný rozhovor.

Jiří Thýn (* 1977) vystudoval UMPRUM (Ateliér fotografie, prof. Pavel Štecha) a také absolvoval stáž na Akademii výtvarných umění v Praze (Ateliér malířství II / škola Vladimíra Skrepla). Má za sebou několik zahraničních stipendijních programů, například pobyt v Ateliéru fotografie na TAIK University v Helsinkách, PROGR v Bernu nebo FONCA v Mexico City. Svou fotografickou tvorbu často propojuje s instalací, malbou, textem a videem. Zabývá se jak samotným médiem fotografie a jeho přesahy, tak dalšími tématy jako je prostor a kompozice, a tradiční fotografické postupy propojuje se současným post-konceptuálním přístupem. Tematizuje a zkoumá i různé fotografické techniky, například fotogramy. Působil jako vedoucí Ateliéru postkonceptuální fotografie na pražské FAMU, nyní vyučuje na Scholastice a na Fakultě umění a designu Univerzity Jana Evangelisty Purkyně v Ústí nad Labem. Je zastupován galerií hunt kastner. Ve finále Ceny Jindřicha Chalupeckého byl v letech 2011 a 2012.

Mezinárodní rada muzeí ICOM jako autorita pro muzejní etiku

První číslo Qartalu přineslo v rubrice Téma Q rozsáhlý text Marka Pokorného Dlouhá cesta k etickému kodexu s podtitulem Berou česká muzea a galerie svou společenskou odpovědnost vážně? Po třech reakcích na text z významných českých galerií v druhém čísle nyní pokračujeme v tématu dalším příspěvkem. Martina Lehmannová, výkonná ředitelka Českého výboru ICOM, má čtrnáctiletou zkušenost práce v ICOM, tedy Mezinárodní radě muzeí. Právě z této perspektivy nabízí pohled na téma etického kodexu a budoucnosti muzejních institucí. Generální konference ICOM se uskuteční v Praze v roce 2022.

Morální imperativ

Muzejní pracovníci musí jít příkladem, zachovávat principy etické, morální, přistupovat k tomu, co děláme, poctivě a se ctí. Nejde jen o to, kolik připravíme výstav, napíšeme katalogů, zrestaurujeme děl ze sbírek a jestli vykonáme tisíc dalších činností. Důležité je, jak ke své práci přistupujeme. Práce muzejního pracovníka je náročná, ale také prestižní. Muzea jsou jedním z důležitých médií utvářejících pohled na minulost i současnost a skrze ně také na budoucnost. Oproti novinám, televizi a internetu mají muzea velkou výhodu v trojrozměrné matérii předmětů, které sbírají, ošetřují, interpretují a představují veřejnosti. Muzejní pracovníci mají obrovský vliv na společnost. S touto mocí je spojena i zodpovědnost. Vzhledem k různým okolnostem, především špatnému financování, pochybujeme o některých krocích a jsme nuceni dělat různé kompromisy. Morální integrita pro nás ale musí být nejdůležitější.

Etický kodex ICOM

Diskuse o nutnosti vytvoření etického kodexu pro muzejní pracovníky byla zahájena v sedmdesátých letech, v době, kdy v čele světového ICOMu stál československý muzejník Jan Jelínek. Etický kodex byl přijat v roce 1986 jako oficiální dokument ICOM. Je referenčním nástrojem pro muzea a jejich pracovníky, který stanoví minimální normy chování a profesionálního jednání. Členstvím v ICOM se každý člen zavazuje k dodržování tohoto kodexu. Etický kodex má dobře propracovanou strukturu a jako základní dokument slouží velmi dobře. Není a nikdy to ani nebude návod, jak se chovat. Nejde o dokument závazný, jeho zásady nejsou právně vymahatelné. Záleží jen na nás samých a našem vnitřním přístupu k věci.

Česká situace

Pracovníci muzeí a galerií v České republice vnímají debatu o etice muzejní práce jako důležitou a intenzita této debaty se v poslední době zvýšila. V roce 2013 Český výbor ICOM, jako první z národních výborů, nechal přeložit do češtiny ICOM Etický kodex pro přírodovědná muzea. V roce 2014 pak vydal speciální publikaci tří etických kodexů: Etický kodex ICOM, Etický kodex ICOM pro přírodovědná muzea a Dokument o profesi konzervátora-restaurátora, který vznikl v roce 2011 z iniciativy českých muzejních pracovníků a konzervátorů-restaurátorů při Asociaci muzeí a galerií České republiky. Publikace tří etických dokumentů byla provázena teoretickými texty tehdejších národních i mezinárodních autorit: Martina Schärera, předsedy stálého výboru pro muzejní etiku ICOM ETHCOM, Erica Dorfmana, předsedy mezinárodního výboru pro přírodovědná muzea ICOM NATHIST, Martiny Lehmannové, předsedkyně Českého výboru ICOM, Iva Štěpánka, předsedy Komise konzervátorů-restaurátorů Asociace muzeí a galerií ČR a tehdejšího člena předsednictva ČV ICOM a také Pavla Hlubučka, ředitele Odboru muzeí a galerií Ministerstva kultury. V listopadu 2019 se uskutečnil muzeologický seminář Muzeum a etika pořádaný Masarykovým muzeem v Hodoníně ve spolupráci s Asociací muzeí a galerií ČR. Čilá je debata o etice muzejní práce mezi mladými muzejníky, především na webu Artalk.cz, v níž se odrážejí aktuální globální témata.

Odpovědnost

Celým textem Etického kodexu ICOM se jako červená nit prolíná důležitá hodnota, kterou je odpovědnost. Málokteré instituce na světě se musí naučit vyrovnávat s tak obrovskou mírou odpovědnosti jako právě muzea. Muzea mají odpovědnost vůči přírodnímu a kulturnímu dědictví, hmotnému i nehmotnému. Veledůležitá je společenská odpovědnost vůči návštěvníkům, ale také vůči těm, kteří do muzea nemusí za celý svůj život vkročit. Muzea sbírají doklady o společnosti jako celku, nehledě na jejich aktuální klienty, sponzory, zřizovatele. To vytváří veliký tlak zejména na veřejné instituce, které si nejlépe musí uvědomovat, co je to veřejný zájem, a nepřekračovat hranici směrem k jednostranné podpoře zájmů soukromých nebo politických. Jednoznačně neetické je, když státem zřizovaná instituce poskytne prostor pro prezentaci subjektu, který možná je populární, ale je také pověstný svým problematickým vztahem k odvádění daní do veřejných rozpočtů. Vrcholně nevhodným příkladem v tomto směru byla akce Louvre + Airbnb 2019, kdy Louvre poskytl výherci loterie Airbnb možnost strávit noc v Louvru, včetně večeře před Monou Lisou a postele pod Pyramidou. Muzea prostě musí zvažovat zdroje, ze kterých pocházejí jejich peníze. Vedle firem, které plundrují veřejné rozpočty, to mohou být firmy, které plundrují přírodní dědictví. Pro ICOM je naprosto nepřípustné, aby se muzea jakkoli podílela na obchodu s kulturním a přírodním dědictvím. Pracovníci aukčních domů se nemohou stát členy ICOM. Je naprosto nepřípustné, aby se pracovníci muzeí podíleli na utváření trhu s uměním, ať už legálním, nebo nedej bože nelegálním. To, že někteří muzejní zaměstnanci se mohou uchýlit k tomu, že na černém trhu rozprodávají sbírky, je ukázkou totálního selhání systému. Problematika nezákonného obchodu s předměty kulturní hodnoty, ilegální archeologické vykopávky, devastace předmětů kulturní hodnoty představují nemalou část agendy ICOM ETHCOM.

Muzea mají také odpovědnost směrem dovnitř institucí – ke svým zaměstnancům, spolupracovníkům. Musí jim poskytnout v maximálně možné míře kvalitní zázemí pro jejich práci. Na druhou stranu i zaměstnanci jsou povinováni loajalitou vůči své instituci a jejímu vedení.

Muzea jsou také odpovědná za předávání informací a vědomostí o sbírkách v jejich péči. Odpovídají za intelektuální rozvoj společnosti, přispívají k poznání a porozumění. Jsou nejdemokratičtějšími vzdělávacími institucemi na světě – otevřené všem bez rozdílu a přístupné na základě chtění a svobodného rozhodnutí každého jedince. Jsou platformami pro kritickou diskusi a měla by být schopna ji i moderovat. Úkolem muzeí je kontextualizovat a vysvětlovat. Musí být schopna postavit se kriticky i k vlastním sbírkám či reprezentantům. Co bylo v minulosti považováno za příkladné, se tak už dnes jevit nemusí. Každý sbírkový předmět ale byl přijat do sbírek nejen aby dokumentoval, ale také aby vysvětloval. Toto si musíme uvědomovat při všech debatách o problematických tématech z naší minulosti, ať už se bavíme o Napoleonovi, druhé světové válce, otrokářství nebo kolonialismu. Není možné, aby muzea před některými tématy zavírala oči. Pokud muzea pochopí tuto svou pozici, stanou se nenahraditelnou součástí boje v informační válce, která naši společnost plíživě dostihla a pronikla úplně všude. Muzea mohou přispívat k vyvažování záplavy dezinformací, hoaxů a trolení na internetu. Mají k tomu nejlepší předpoklady, mohou se opírat o výpovědní hodnoty sbírkových předmětů, jejich faktickou autenticitu, zároveň mají dlouholetou praxi v komunikaci s veřejností, která je považuje za důvěryhodné instituce, dokážou nabídnout kritický pohled na naši minulost i přítomnost. Takové pozice ale mohou dosáhnout jen v tom případě, že si uchovají svou morální a etickou integritu.

Praha je laboratoř

Novou šéfkurátorkou Galerie hlavního města Prahy je od června historička umění Helena Musilová. Do metropolitní galerie přichází po zkušenostech z Národní galerie a Musea Kampa.

P K          Co bylo vaší vůbec první kurátorskou prací?

H M        Výstava Jana Kratochvíla Je cosi sladkého ve zpěvnosti našich dnů. Bylo to v Muzeu umění Olomouc v roce 1998. Ta výstava nejspíš předurčila, co mě pak zajímalo později a zajímá dodnes: přibližovat veřejnosti pozapomenuté a neobjevené autory. Kratochvíl zazářil v polovině šedesátých let, kdy vstoupil na scénu s úžasnými figurativními díly, a pak jakoby zapadl. Když se podíváte na loňskou výstavu Jana Wojnara, třineckého konceptualisty, kterou jsem připravila v Museu Kampa, zjistíte, že je to pokračování téže linie: pozornost věnovaná vysoce kvalitním autorům, kteří nežili v pravý čas ve správném uměleckém centru, nebo se střetli s politickým filtrem doby.

P K         A co je vaše zatím poslední kurátorská práce?

H M        Dvanáctého června byla v Litomyšli otevřena výstava Eva Kmentová – Olbram Zoubek: Lidská důstojnost. Byla to samozřejmě výzva: Zoubek má pověst danou zejména tvorbou v devadesátých letech a ze sochařského díla Evy Kmentové je známých jen pár děl. Na výstavě je reprezentujeme z úhlu pohledu, který návštěvníkům může přinést určitá překvapení. Jen občas se mi stává, že nainstalovanou výstavu poprvé v celku projdu a pocítím silnou vlnu emoce, vlastně husí kůži: stalo se mi to u projektu Anatomie skoku do prázdna: Rok 1968 a umění v Československu a letos znova v Litomyšli.

P K          V Národní galerii jste pracovala v letech 2004-2015. Jaká zkušenost odsud se vám bude hodit pro práci v GHMP?

H M         Všechny! Nutnost připravovat koncepční galerijní program. Komunikace s lidmi uvnitř galerie, ale i navenek, spolupráce s institucemi. Nutost uvědomit si situaci tady a teď, vnímat návštěvníky, konkrétní prostory. Organizace, správa sbírek, všechno, co je třeba k naplnění muzejního zákona 122: to se člověku při práci pro velkou instituci dostane do krve. V metropolitní galerii k tomu ještě doufám v hledání témat spjatých s Prahou jako historicky silným uměleckým centrem. Ráda se vztahuji k myšlence Piotra Piotrowského: existuje umění významných center, která spolu v určité době komunikují. Praha je neuvěřitelná laboratoř a ráda ji vnímám jako lokální centrum – to není pejorativní, to je vědomí důležité odlišnosti od Vídně, ale třeba Brna nebo Bratislavy.

P K          A jak vztáhnout ke GHMP vaši zkušenost z nadačního Musea Kampa?

H M        Díky Kampě jsem si uvědomila možnosti Prahy: specifický návštěvnický potenciál. Menší kolektiv Musea Kampa mě myslím naučil i pracovní efektivnosti: zmapovat možnosti a získat z nich co nejvíc. A taky operativnosti: člověk občas musí reagovat pružně, rychle, třeba i s pomocí neformálního uvažování. Menší instituce to umožňují a trénují vás v tom víc než instituční molochy.

P K          Vstupujete tedy do kurátorského vedení Galerie hlavního města Prahy. V čem je specifická a speciální?

H M        V Praze je městská galerie jen jedna. Má prostory, s nimiž lze skvěle pracovat. GHMP má potenciál ke svému rozvoji: dokonce tu cestu pokládám za dobře viditelnou, ať už jde o výstavní projekty, nebo o vědu a výzkum. Má velmi dobrou historii, občas se k ní může vztahovat. Praha je pro historii i současnost umění neuvěřitelné téma. A podceňovat by se neměla sbírka GHMP, do jejíhož budování se promítaly různé politické koncepty. I to se dá vytěžit jako příběh. Marná sláva, kdo druhý má kolekci uměleckých děl na téma výstavby metra?

P K          Jaké jsou nyní vaše první kroky v galerii?

H M        Mám radost, že s kolegy ze všech oborů se začínáme scházet nad možnostmi programu, do nichž se promítnou plány a profesní zaměření mých kolegů i vize vedení galerie. Programu, který se odrazí jak v návštěvnosti, tak v profesním růstu nás všech. Je pro to dobrá doba: pandemie nám dopřála trochu času reflektovat, kde se nacházíme, a kam dál.

P K          Na závěr: Je v Česku rozdíl mezi zkušeností kurátorky a kurátora?

H M        Měla jsem zřejmě štěstí: Nepocítila jsem ho.

Helena Musilová vystudovala dějiny umění a historii na Filozofické fakultě Masarykovy univerzity v Brně, působila jako kurátorka v Muzeu umění Olomouc a v Národní galerii Praha, přednášela na Katedře fotografie FAMU v Praze a na Semináři dějin umění FF MU Brno. Do května letošního roku pracovala jako hlavní kurátorka v Museu Kampa v Praze.