Pandemie jako příležitost k invenci

Často zaznívá, že vnější události, jako jsou přírodní katastrofy nebo významné změny v osobním životě, poskytují příležitost k narušení starých pořádků, odhalení strukturálních chyb a vytváření nových přístupů a strategií. Během krizí může být těžké si uvědomit, že vše špatné je k něčemu dobré. Ale přesto může mít schopnost najít v krizi i příležitosti obrovské výhody. Vidět tyto příležitosti znamená podívat se na věc jiným pohledem a přeformulovat, co pro nás krize znamená.
Otázka, zda bude pandemická situace příležitostí pro změny, rezonovala téměř ve všech oblastech našeho života. Umělecký sektor byl považován za jednu z oblastí nejvíce zasažených vládními opatřeními na zmírnění šíření nemoci COVID-19. Dlouhodobé dopady se samozřejmě budou projevovat ještě v následujících letech, ale již v prvních měsících pandemie bylo možné pozorovat různorodé přístupy muzeí umění a galerií k využívání nových technologií.
Pandemie nemoci COVID-19 má na muzea umění a galerie jistě obrovský sociální i ekonomický dopad. Částečně jim znemožnila naplňovat své poslání, a to především to společenské. Muzea umění a galerie tak musely přehodnocovat své strategie přístupnosti a interakce, které musely spoléhat spíše na virtuální než na fyzické prostředí, a hledat nové způsoby, jak oslovit stávající a nové návštěvníky.
Otázku, zda je pandemie příležitostí k invenci v oblasti nových technologií, si kladla i konference pořádaná Galerií hlavního města Prahy ve spolupráci s Katedrou arts managementu Vysoké školy ekonomické, která se uskutečnila 4. března 2022 v prostorách Domu U Kamenného zvonu.

Kdy virtuální galerie funguje

Cílem konference bylo otevřít debatu o vhodnosti a míře využití nových technologií v prezentaci výtvarného umění a komunikaci směrem k návštěvníkovi. Během konference byly představeny různorodé přístupy a metody k využití nových technologií, od negativního vztahu k silnějšímu přechodu do virtuálního prostředí až po strategie implementace nových technologií jako samozřejmé součásti prezentace výtvarného umění.
Úvodního slova se ujala šéfkurátorka GHMP Helena Musilová. Následně byla konference dramaturgicky rozčleněna do třech bloků. V prvním z nich představili své výzkumné projekty Marek Prokůpek z Katedry arts managementu VŠE v Praze a Lucie Kropáčová. Ve druhé části se od výzkumných závěrů program přesunul ke konkrétním zkušenostem pracovníků z muzejního a galerijního prostředí. Své poznatky a zkušenosti zde představili Oldřich Bystřický z Národní galerie Praha, Miroslav Kindl z Muzea umění Olomouc, Marek Pokorný z Plato Ostrava a za GHMP vystoupily vedoucí Oddělení komunikace, programů a ediční činnosti Michaela Vrchotová a edukátorka a specialistka na přesahy k novým médiím a ekologii Veronika Stojanovová. Ve třetí části vystoupila garantka online edukačního projektu Bez Názvu. Nedatováno. Petra Šobáňová a Lukáš Pilka, spoluiniciátor projektu Otevřené sbírky. Součástí třetího bloku bylo i představení čtyř partnerů konference, kteří se zaměřují na produkty a služby kulturním organizacím právě v oblasti digitalizace. Celou konferenci završila panelová diskuze všech účastníků konference moderovaná Petrem Vizinou.
Nové technologie se v muzeích umění a galeriích samozřejmě využívaly již před pandemií, avšak pandemická krize jejich implementaci razantně akcelerovala. Jejich využití však neslouží pouze ke komunikaci směrem k divákovi, ale digitalizace, jak zaznělo v příspěvku Petry Šobáňové, zasahuje také do tezaurace a dalších činností, které jsou často návštěvníkovi skryty. Tématem muzeální sbírky se ve svém příspěvku vycházejícím z výzkumného projektu zabýval i autor tohoto textu, který zdůraznil důležitost kvalitní umělecké sbírky. Právě kvalitní sbírka bývá v prezentaci, ať už ve fyzickém, nebo virtuálním prostoru, velkou předností a nástrojem k úspoře nákladů na výstavní projekty.
Jedním z hlavních témat, které rezonovalo příspěvky téměř všech řečníků, byl fakt, že využití nových technologií a přechod do virtuálního prostředí nemá ambici nahradit fyzickou návštěvu muzeí umění a galerií, ale měly by sloužit jako doplněk a nástroj k získání nových návštěvníků. Tento fakt potvrzují i slova Miroslava Kindla z Muzea umění Olomouc: „Nesnažíme se nahradit fyzické exponáty v muzeu, využití moderních technologií je pouze doplněk, který může poskytnout jiný druh zážitku. A v případě starého umění může dokonce navodit větší autenticitu.“ Na druhou stranu, podle Lukáše Pilky kontakt s originálem není vždy nezbytný. „Pokud se uživatelé zajímají o využití kulturních artefaktů v rámci výzkumu, vzdělávání, pro zábavu nebo při kreativní práci, většinou jim digitální reprodukce a současné technologie nabízejí snazší, efektivnější i působivější cesty, jak dílo uchopit.“
Podstatnou otázkou spojenou s přechodem muzeí umění a galerií do virtuálního prostředí je forma a intenzita tohoto přechodu, které se odvíjejí také od druhu výtvarného umění. Během pandemie jsme zaznamenali celou řadu více i méně úspěšných strategií. Prvotní reakce byla zpravidla masivní přesun téměř veškeré prezentace výtvarného umění do virtuálního prostředí, postupem času však muzea umění a galerie většinou došly k závěru, že méně je více. Tato tendence rezonovala i v příspěvku Oldřicha Bystřického, který zdůraznil, že budoucí cestou je tvorba online edukačního programu, který má lepší stravitelnost, a tím pádem větší dopad, což znamená zvýšit kvalitu na úkor kvantity a efektivně obsah komunikovat k publiku. Tuto premisu potvrdila ve svém příspěvku také Veronika Stojanovová, která zdůrazňuje, že nové technologie mají v galerijní a muzejní edukaci své místo, cílem však není využívat je za každou cenu, ale především kvalitním způsobem. Jejich využití může návštěvníkovi přinést nové zkušenosti nad rámec běžného zážitku. Tvorba virtuálního obsahu však musí probíhat s rozmyslem a jasným cílem.
Nutnost hledat inovativní a kvalitní formy prezentace ze své zkušenosti potvrzuje i Michaela Vrchotová: „Limity, které s sebou přenos uměleckého díla v online prostředí přináší a jež jsme si plně uvědomovali, nás zároveň motivovaly k dosažení maximální kvality zprostředkování uvedených výstav.“ Především v době lockdownu jsme byli online prostředím přehlceni, bylo nutné položit si otázku, jakými formami lze oslovit diváka. „Bylo třeba si přiznat, že jsme sice vytvořili kvalitní alternativu archivu zaniklé výstavy, ale pokud chceme udržet divákovu pozornost i kvalitu online programu, musíme se poohlédnout po nových formátech,“ zaznělo v příspěvku Michaely Vrchotové.
Během pandemie vznikla spousta nových platforem umožňujících digitální transformaci a archivaci fyzických objektů a nabízejících řadu funkcí. Pozitivní zkušenost s fungováním platformy Octopus Press ostravské galerie Plato, která pomohla vyřešit dlouhodobé dilema vydávání a distribuci katalogů, knih a hudebních nosičů, ve svém příspěvku reflektoval Marek Pokorný. Platforma neslouží jen k publikování textů, ale i videí, specifických příspěvků kombinující aktivity lidí, kteří se nikdy nemusí potkat.
Konference a její účastníci nabídli celou řadu pohledů a přístupů k využití nových technologií v muzeích umění a galerií a rozvířila podstatnou debatu o potřebách těchto institucí ke kvalitní implementaci moderních technologií k vytváření společenských hodnot i po skončení pandemie.
Celá konference byla streamována a její záznam včetně příspěvků jednotlivých řečníků můžete nalézt na odkazu níže.

Sborník konference

TÉMA Q

Současné umění se nezřídka napojuje na environmentální téma se vší jeho naléhavostí a apely. Snaží se ho artikulovat, nahlížet kreativně i fakticky. Jak píše v Tématu Q Zbyněk Baladrán: „Problémy a rozpory přicházejí v umění na přetřes dříve, než se stanou zásadním společenským tématem.“

MAK!, FESTIVAL HOSTINA. Foto: Johana Pošová

I samotné galerijní instituce, jejichž posláním je představovat umění veřejnosti, uvádět je do veřejné debaty a veřejného prostoru, jsou dnes postaveny před otázku: Jak pracovat udržitelně? Jak se v galerijním provozu odráží péče o prostředí a hledání způsobů fungování, které by neprohlubovaly klimatickou krizi? Pěti přispěvatelů jsme se ptali především na praktické zkušenosti a na přemítání, které z konkrétních prožitků v českém prostředí vyrůstá. Kateřina Vídenová a Dominik Lang mluví z pozic vedoucích ateliéru na AVU, Jiří Sulženko shrnuje zkušenost z kanceláře kulturního odboru pražského magistrátu. Tomáš Hrůza na něj navazuje rekapitulací dosavadní zkušenosti z centra pro recyklaci uměleckého materiálu, vloni založeného art re use. Zbyněk Baladrán nahlíží nejobecněji ze všech situaci galerií a ptá se po mezích možností.

KVAŠENÉ ZELÍ ANEB NERŮST
Kateřina Vídenová a Dominik Lang
Ateliér Volné umění I (Sochařství)

Na pražské Ořechovce se probouzí z dlouhého spánku a zdánlivě neaktivity sochařský ateliér Bohumila Kafky, který je posledních třicet let užíván studujícími našeho ateliéru. Spolu s nimi jsme se rozhodli*y prostředí stavby pro monumentální sochařskou práci začít otevírat veřejnosti a během zimního semestru jsme začali*y artikulovat vizi, která by nepopírala genius loci místa, ale zároveň pro něho našla nový, širší význam.

Výsledkem je plán vytvořit na tzv. Kafkárně a její zahradě Centrum pro umění a ekologii UMPRUM. Tedy místo, které by se stalo průsečíkem veškerých (nejen) školních aktivit a tvorby týkající se environmentálních témat. Se zvyšujícími se požadavky na ekologičnost umělecké tvorby a se stoupajícím povědomím o klimatické změně a jejích dopadech shledáváme jako zásadní vytvořit k tomu odpovídající prostor – zázemí pro vzdělávání, příklady dobré praxe, workshopy či jiné formáty setkávání a sdílení.

Za velkou výhodu pro pozorování i spolupráci s přírodou považujeme hibernaci atelieru a zejména zahrady, která ve zrychleném čase společensko-kulturních změn nese vrstvy a stopy směřující do doby jejího založení. Práce „na školním pozemku“ by měla vést k velmi uvážlivé expozici zahrady umožňující jiné nahlížení a vystavení daných i moderovaných procesu (městské) krajiny.

V zimním semestru jsme na Kafkárně ve spolupráci s architektonickou kanceláří MAK! uspořádali*y iniciační festival Hostina, který otevřel mnoho zásadních ekologických témat a ukotvil tak budoucí směřování prostoru. Festivalu měl formát série deseti čtvrtečních večeří, které byly otevřené pro všechny. Každý večer se diskutovalo a společně stolovalo s hosty a hostkami z různých oblastí, součástí akcí byly i umělecké performance.

Vegetariánské menu bylo sestaveno podle jednotlivých témat:
dýně s vejci (sousedství a komunity),
sadský talíř (permakultura),
dáme jídlo (gastro urban context),
chips (hlad v nadbytku),
kuba s lanýži (talíř versus planeta),
u tří ocásků (spravedlivější společnost),
půst (tradice),
kvašené zelí (nerůst),
sváteční menu (food waste),
wyprawa21 (na hranici s Běloruskem).

Centrum pro umění a ekologii UMPRUM chce být otevřené pro všechny ty, kteří*ré chtějí společně zkoumat a pokoušet se o menší i větší změny směřující k inkluzivnější, demokratičtější, empatičtější a udržitelnější budoucnosti pro všechny. Pokud jste to vy, vítejte!

NEKLÁST PODMÍNKY OD STOLU
Jiří Sulženko

Uvažovat o environmentalismu z úhlu pohledu odboru kultury pražského magistrátu, to je široká a obecná otázka. Hlavní město přijalo v posledních letech řadu dokumentů, které se ekologické udržitelnosti věnují. Děje se to však na nejobecnější úrovni: neexistují žádné akční plány, co konkrétně dělat, není na co konkrétně odkázat.

My na odboru kultury vnímáme, že nás oslovuje nezisková sféra, lidé, kteří se sdružují pod různé klimatické výzvy, a říkají: vytvořte podmínky v rámci dotačních řízení, aby se dalo hodnotit, jak jsou určité věci ekologické. Srovnáváme si to třeba s přístupem slovenského Fondu na podporu umenia, který má vyloženě dotazníkovou část, která řeší, jak myslí daná akce nebo pořadatel na udržitelnost ekologie. My jsme se zatím k tomuhle nepřiklonili, protože je v tomhle ohledu strašně jednoduché v žádosti něco slíbit, a pro nás je potom velmi těžké zkontrolovat, jestli byl slib skutečně naplněný. Bonifikovat toho, kdo toho umí hodně slíbit, je nefér vůči těm, kteří na to už myslí a dělají to a třeba toho tolik nahlas nenakřičí. To je tedy jedno téma v grantových řízeních.

Druhé téma jsou příspěvkovky, muzea, galerie, divadla, která, myslím, docela aktivně samy řeší, jak s naplňováním environmentálních potřeb zacházet. Mám tady srovnání: byli jsme v Hamburku v tamější Kunsthalle, na budově visela vlajka Fridays for Future a finanční ředitel té galerijní instituce nám říkal: hádám se tady s kurátory a s uměleckým šéfem, aby dělali ty výstavy méně opulentní! Aby, když už pracují pod touto vlajkou, mysleli na to, že třeba udělají o jednu nebo o dvě výstavy méně a budou přemýšlet, jestli se ta nadprodukce netýká i nás… A jak to tak bývá, vedle něj seděl umělecký šéf, který má programových nápadů spoustu a uskromnění míří proti jeho snaze prezentovat je.

Takže to je grantový ohled – zvažujeme, zda z environmentalismu vytvářet podmínky, nebo jestli vydávat jen doporučení. Mluvíme o možném seznam doporučení, která jsou dobrá s ohledem na udržitelnost: po roce se pak nabízí udělat vyhodnocení, jestli to žadatelé použili a jestli – například – bylo samotné řešení dražší, nebo levnější. Nechceme prostě od stolu klást lidem podmínky, které vedou ke kontradikci a paradoxu. Klasickým příkladem byl tlak, aby se užívaly vratné kelímky: záhy se ukázalo, že v Česku existují pouhé dvě firmy, které dokážou zprocesovat systém vratných kelímků, z nichž jedna myje v Brně a druhá v Soběslavi. Teprve za dva roky, co se ta povinnost stala součástí grantů, si jedna z firem otevřela myčku v Praze. Funguje od června roku 2021.

Příspěvkové organizace? Ty řeší tenhle tematický okruh poměrně zodpovědně, protože jsou pod tlakem rozpočtů. Zároveň si i samy vedou debatu, jak vyprodukovat víc, nebo míň. Věřím, že všichni třídí: což je trochu – jak to říct… falešné uklidnění. Vždyť třídění je až ta poslední věc, kterou je potřeba v tom řetězci dělat. Potřebujeme především méně produkovat, potom to, co vyprodukujeme, znovu použít, a teprve pak třídit: protože třídíte už jenom odpad. Odpad je už jen nepoužitelný materiál. Češi jsou možná experty v třídění, což však bohužel neznamená, že jsou ekologičtí. Protože jen strkají do žluté popelnice tisíc druhů plastu, které samy o sobě mají nulovou hodnotu. Je to rozsáhlé téma: v plzeňském DEPU jsme s kolegyní Kristýnou Jirátovou kurátorovali výstavu Má plast, která se tím hodně zabývala. Měli jsme i českou hymnu vytištěnou z plastu na 3D tiskárně.

Pojďme se dotknout ještě jednoho tématu: legislativa kolem změn ve prospěch životního prostředí. Vezmu úplně konkrétní případ – krásnou ukázkou zespoda vznikající iniciativy je centrum art re use (poznámka redakce: je mu věnován příspěvek Tomáše Hrůzy v tomto Tématu Q). Aktivista Vincek, tedy pan Vincenec, obdivuhodná osoba s neuvěřitelnou energií, při svojí práci samozřejmě naráží i na následující klasický problém. Všechny instituce by mu materiál rády daly, nemají pro něj reálné využití, je určený k tomu stát se pro ně odpadem. V momentě, kdy existuje vůle příspěvkové organizace (protože art re use se o tom bavili nejenom s naší Galerií hlavního města Prahy, ale i s Národním technickým muzeem nebo s Národní galerií), tak to mnohdy není možné. Narážíme na to, že instituce je svázaná pravidly, jak může státní či městská organizace zacházet s majetkem. Je naprosto jednoznačně řečeno, že prostě nemůže rozdávat majetek, ale musí ho nejprve nacenit znaleckým posudkem.

A v art re use nemají čas ani peníze na to, aby si zaplatili znalecký posudek, který zhodnotí hodnotu soklů a kusů železa, které tam zůstaly. Takže lidsky vůle je, ale ředitelé jsou nuceni zacházet s majetkem legálně a nemůžou ho darovat. To je příklad, jak se naráží u klimatických plánů na obyčejné legislativně-byrokratické řešení. Je potřeba jako součást dnešního klimatického plánu takovou úvahu vést a změnit v tomhle smyslu uvažování. Má to určitě spoustu rizik, protože někdo takhle může rozdat majetek velké hodnoty. Takže se to musí pohlídat, a já to opravdu nejsem, abych to dokázal naformulovat. Na druhou stranu nějakou změnu potřebujeme: je to velký blok pro re use a pro celý princip recyklace uměleckého materiálu. Věřím, že se dá najít dobrá metodika, která bude pracovat s rozlišením odpadu.

Každá věc, kterou člověk udělá, ať už na své osobní nebo na institucionální rovině, se podle mě počítá. Na druhou stranu, mám osobní vzpomínku. Měli jsme seminář s šéfem washingtonského Kennedy Center, který vyprávěl: „Když byla ekonomická krize, objížděl jsem státy a radil jsem jim, začněte šetřit, dělejte levnější scénografii, míň opulentní kostýmy, prodejte chytře víc lístků…” Když to člověk poslouchá v českém kontextu, musí se pousmát. Protože tady u nás se nikdy nenavrhovaly a nevyráběly drahé scény, ani to nešlo: máme na to všehovšudy sto nebo sto dvacet tisíc korun, tak co za to nakoupíte za materiál? Nemyslím si, že by se tu nějak plýtvalo nebo žilo nad poměry, zvlášť ne v galeriích nebo v muzeích.

Zkrátka, nepřipadá mi, že zrovna v environmentální praxi by byla velká díra. V čem určitě instituce dělají a můžou dělat záslužnou práci, je vzdělávání. Dokážou oslovit spoustu návštěvníků a diskutovat spolu s nimi na aktuální a naléhavá témata. Každá taková změna paradigmatu, každé rozhodnutí, že budeme spotřebovávat méně, ne více, že budeme skromnější, je příležitostí, jak vymyslet technologické nebo i jiné řešení. Lidé nechtějí opustit svůj komfort. I ten však může být udržitelnější a zodpovědnější. Všechny vynálezy baterií a solárních panelů jsou takhle motivovány. Celá politická dikce o tom, že nikdy nedopustíme, aby byla auta se spalovacím motorem zakázána, je zpátečnická. Je to jen předvolební slib určité skupině, která na to slyší. Ale udržitelné to není. Přijde mi dobré vyměnit století páry za století větší skromnosti.

Autor je ředitelem odboru kultury a cestovního ruchu Magistrátu hlavního města Prahy.

Z budování a aktivit spolku art re use. Foto: Jan Vincenec

JEDINOU PODMÍNKOU JE TO, ŽE TO ZŮSTANE V KULTURNÍM PROVOZU
Tomáš Hrůza

Skutečným činem, který mění situaci v možnostech recyklace uměleckého materiálu u nás, je loňský vznik centra nazvaného art re use v Praze. Za jeho založením stojí spolek Skutek společně s portálem, knihkupectvím a nakladatelstvím ArtMap. Tomáš Hrůza, předseda spolku ArtMap, rekapituluje vznik a fungování centra, které vysvobodilo materiál pro expozice a instalace z kletby jediného použití.

Jak vzniklo art re use? Na počátku byl kontakt s Městskou částí Praha 3. Její zástupce se nás ptal, jestli neznáme nějakého sponzora, mecenáše, který by si vzal na starost prázdný dům, opravil ho a udělal z něj sdílené ateliéry pro umělce. Řekl jsem na to, že kdybychom znali nějakého sponzora, tak už ho zaprvé máme v ArtMapě, zadruhé spíš hledáme nějaký prostor, sklad, a popsal jsem mu myšlenku centra pro recyklaci uměleckého materiálu. A on říkal: My jako Praha 3 tady máme sklad, který se moc nevyužívá, je to objekt určený k demolici, ale já bych se pokusil nadhodit a zjistit, zda byste to mohli dostat. Začalo tak kolečko vyjednávání: všem se to nakonec líbilo, nikdo neprotestoval, a ten barák nám pronajali za korunu měsíčně, což je skvělé. Nikdo do té doby nepočítal s tím, že by se mohlo něco takového stát. Všichni se báli toho fyzického skladu, že na to budou nějaké obrovské náklady. Najednou to bylo možné.

Není to žádný zázrak, je to dům určený k demolici, je to tam omlácené a ještě nedávno plesnivé. Situovaný je ale bezvadně: hned pod zastávkou Lipanská, v oblouku z kopce na Vítkov, v bloku společně s radnicí. Takže jsme dostali prostor: a teď jak ho zafinancovat? V úvahu přicházely různé varianty, nakonec nastala domluva se spolkem Skutek. To už jsem se do toho vkládal za  ArtMap s tím, že máme oproti Skutku vybudovanější infrastrukturu, účetnictví. Takže jsme se domluvili, že art re use bude dítětem Skutku, ale provoz si vezme na starost ArtMap.

Od začátku jsme zkoušeli najít financování i mimo granty, aby centrum mělo zajištěnou kontinuální existenci – jako příspěvkovka svého druhu. Abychom nečekali každý rok, jestli nám někdo něco dá. No a to se nepovedlo. Využili jsme tedy možnost podat si žádost o individuální dotaci v rámci MHMP, tu jsme dostali, nějakých 170 tisíc, tím se tam zase spustil provoz, začalo se to připravovat.

Hlavní výkonnou osobou pro art re use se stal Vincek – tedy Jan Vincenec. Vincek to spravuje, stará se o veškerý chod skladu. Myslím, že si v tom našel svoji roli velice dobře, stará se o art re use na full time. Ze strany Vincka přišel nápad, že by tam s námi mohla být malá stavební firma Starwork, která dělá fasády. Oni by si tam občas něco odlili, pomohli by nám vybavit dílnu, mohli by nám zařídit regály, doupravit prostor stavebně. Ta firma nemá s výtvarným uměním nic společného, ale jsou to nadšenci, ukázalo se to opravdu jako hodně dobré spojení. Každý týden nám dávají k dispozici dodávku s řidičem nebo i s dvěma chlapíky, a dělají to pro nás jako barter. Jsou tomu otevření, baví je to.

Druhou zásadní věcí bylo spuštění webových stránek. Fungují na platformě e-shopu (systém Shoptet používáme i na ArtMapu) a položky, které se tam přidávají, jsou jako v katalogu. Funguje to tak, že nabízené věci si můžeš opravdu odvézt. Mohli bychom i zapůjčovat, ale zatím všechno, co tam bylo, se snažíme rozdávat.

Přicházejí samozřejmě různí lidé, mají před sebou různé akce – a záleží na tom, co máme zrovna za materiál. Vznikli jsme jako služba galerijnímu provozu, proto některé věci uložíme a nedáme ani na web, aby se vrátily cíleně do galerií. Věci jsou u nás zdarma, jedinou podmínkou je, že to zůstane zachované v kulturním provozu. Co si nevezmou galerie nebo výtvarné kroužky, si vezme cirkulární dílna v Kampusu Hybernská. Tam zpracovávají věci různým způsobem, dělají čalounění, vyrábějí lavice. Z toho, co je odpad, dokážou vyrobit užitný materiál – potisknou dlaždice na workshopy, ukazují lidem, jak se dá s různým materiálem pracovat.

Myslím, že potřeba něčeho, jako je art re use, tady visela ve vzduchu, docela dlouho se o tom mluvilo. Samotné galerie začaly tímhle směrem uvažovat, že chtějí tyto věci recyklovat. Ale vždycky, co znám třeba z Fotograf Gallery, kde jsem taky působil, bojují s místem. Takže vím, jak to chodí: dáme po výstavě stěny, desky nebo jiný materiál do skladu, nechce se nám je vyhazovat, a po čase si říkáme, že nám tu překáží a co s tím tedy uděláme, takže to vyhodíme – a za půl roku zjistíme, že to potřebujeme. V art re use testujeme nové cesty, které se teď rodí. Dávám na stranu věci a bavím se s Vinckem, že je tady něco, co bychom mohli jen půjčovat, co rozdávat nebudeme: třeba technika, sametové opony apod. Přirozeně to již funguje se sokly, které si galerie zapůjčí na výstavu, pak je přinesou zpět a my je vracíme do nabídky. Vzhledem k omezenému prostoru zatím nezakládáme vlastní depozitář, ale s MHMP a GHMP jednáme o oživení jejich depozitářů. Sami nemají kapacitu postarat se o smysluplné, cílené zápůjčky galerijního materiálu a my našli fungující systém, jak ho efektivně distribuovat, evidovat i vracet k novému užití.

Když se bavíme o lokálnosti: tím, že jsme v Praze, bychom měli fungovat pro pražské galerie; ale první, kdo nám co přivezl, byla hradecká galerie. František Zachoval nám tam poslal spoustu materiálu, akustické odhlučňovací desky, které měl ve své instalaci Dalibor Bača, nevěděli, co s tím, tak to byl první náklaďák, co přijel. Hned se to rozdalo na AVU, někdo si to vzal do zkušebny, cirkulární dílna v Hybernské z toho dělala nějaké podsedáky… Ale řekli jsme, že chceme fungovat lokálně, nechceme vozit materiál bůhvíkudy: když už máme být ekologičtí, tak ať se to nesváží z celé republiky. Třeba i naše webové stránky můžou být prostředníkem pro to, že když někde něco je a může to tam chvíli být, tak se to přes ten náš web rozdistribuuje. Příklad: Pražské Uměleckoprůmyslové museum likvidovalo sklad v Brandýse nad Labem, měli tam spoustu materiálu, soklů, dřevěných desek, přepravních beden. Měli jsme dva měsíce na to, abychom to rozdali, jinak že to zlikvidují. Pro ně bylo dobré zároveň i to, že nemusejí platit firmu na likvidaci, že tedy ušetří třeba pět set tisíc, když se materiál rozdá. Nabízeli jsme to tedy přes web. Určili jsme dny, kdy si to vyzvedávat. Teď přišla z IPRu výstava, která byla putovní, skončila v Brně a jim se to už nechtělo svážet do Prahy: na webu pak sumarizujeme realizace, tak nejvíc konkrétně uvidíš, jak byl ten materiál využitý. Aby bylo vidět, co se s tím dělo, aby existovala nějaká historie. Fait Gallery v Brně přes nás nabízela mraky sádrokartonových desek z výstavy Stana Filka. Tam okamžitě zareagoval Ondřej Chrobák, který se stará o kurátora a umělce Jiřího Valocha, že mu z toho postaví výminek. Zdá se, že ho opravdu buduje. Jana Písaříková nám k tomu napsala: „Skutečnost, že tento materiál pochází právě z této výstavy, je víc než symbolická. Byl to právě Jiří Valoch, kdo kurátorsky zaštítil v roce 1974 legendární výstavu Bílý prostor v bílém prostoru, jejímž spoluautorem byl i Stano Filko (společně s Milošem Lakym a Jánem Zavarským). Kus bílého prostoru tak doputoval zpátky k němu.“

V představě, co budovat a k jakému fungování směřovat, nám pomohly vzory. Nejvíc asi newyorský Material for the Arts. Je to městská příspěvkovka, tam přijdeš a je to obrovské. Mají bedny třeba jen žlutých věcí, jinde je zase shromážděná elektronika a jezdíš tam s nákupním vozíčkem a dáváš si tam, co chceš, a jenom deklaruješ, že jsi umělec. U nás se tímhle tématem zabývala například Romana Drdová, chtěla něco takového vytvořit v rámci FaVU, kde dělá doktorát. Strávila nějaký čas v New Yorku a chodila přímo do jejich re use centra. To je velký příklad, jak to funguje. Američané na to mají navázané workshopy, edukační programy, to bychom chtěli časem fakt dělat: zvát umělce, předávat zkušenost jak pracovat s materiálem. Náš model má však výhodu, že opravdu přichází odspodu. Tím, že nejsme městská příspěvkovka, ale někdo, kdo je se scénou v neustálém a živém kontaktu a propojení, je celá věc mnohem přirozenější. Využití vybudované sítě kontaktů Skutku a ArtMap odstartovalo celý projekt v plné síle hned od počátku.

Neformálně fungujeme od jara 2021, oficiálně se páska přestřihla 21. září. Přišla Hana Třeštíková ještě se starostou Prahy 3 Jiřím Ptáčkem a Pavlem Křečkem, tedy radním za kulturu na Praze 3. Je fajn, že se za to magistrát a městská část takhle hezky postavili. Co by nám pomohlo dál? Kdybychom měli větší prostor, který by mohl být vytápěný. Protože tam, kde jsme, je to opravdu dezolát, ani tam netopíme. V zimě jsou tam otvírací dny nebo hodiny, ale nedá se v tom pořádně fungovat. Nějaký solidní prostor, který by nám magistrát nebo nějaký developer nabídnul, aby to bylo na úrovni. Nebo mít auto k dispozici jen pro sebe, moci víc svážet věci. Moci zaplatit několik plných úvazků: někdo by se měl totiž starat o sklad a někdo o ty věci kolem, o marketing, o komunikaci se sponzory…

Autor je multimediální umělec a předseda spolku ArtMap, a jeden z iniciátorů art re use – skladu uměleckého materiálu.

Skutečným činem, který mění situaci v možnostech recyklace uměleckého materiálu u nás, je loňský vznik centra nazvaného art re use v Praze. Za jeho založením stojí spolek Skutek společně s portálem, knihkupectvím a nakladatelstvím ArtMap. Tomáš Hrůza, předseda spolku ArtMap, rekapituluje vznik a fungování centra, které vysvobodilo materiál pro expozice a instalace z kletby jediného použití.

Jak vzniklo art re use? Na počátku byl kontakt s Městskou částí Praha 3. Její zástupce se nás ptal, jestli neznáme nějakého sponzora, mecenáše, který by si vzal na starost prázdný dům, opravil ho a udělal z něj sdílené ateliéry pro umělce. Řekl jsem na to, že kdybychom znali nějakého sponzora, tak už ho zaprvé máme v ArtMapě, zadruhé spíš hledáme nějaký prostor, sklad, a popsal jsem mu myšlenku centra pro recyklaci uměleckého materiálu. A on říkal: My jako Praha 3 tady máme sklad, který se moc nevyužívá, je to objekt určený k demolici, ale já bych se pokusil nadhodit a zjistit, zda byste to mohli dostat. Začalo tak kolečko vyjednávání: všem se to nakonec líbilo, nikdo neprotestoval, a ten barák nám pronajali za korunu měsíčně, což je skvělé. Nikdo do té doby nepočítal s tím, že by se mohlo něco takového stát. Všichni se báli toho fyzického skladu, že na to budou nějaké obrovské náklady. Najednou to bylo možné.

Není to žádný zázrak, je to dům určený k demolici, je to tam omlácené a ještě nedávno plesnivé. Situovaný je ale bezvadně: hned pod zastávkou Lipanská, v oblouku z kopce na Vítkov, v bloku společně s radnicí. Takže jsme dostali prostor: a teď jak ho zafinancovat? V úvahu přicházely různé varianty, nakonec nastala domluva se spolkem Skutek. To už jsem se do toho vkládal za  ArtMap s tím, že máme oproti Skutku vybudovanější infrastrukturu, účetnictví. Takže jsme se domluvili, že art re use bude dítětem Skutku, ale provoz si vezme na starost ArtMap.

Od začátku jsme zkoušeli najít financování i mimo granty, aby centrum mělo zajištěnou kontinuální existenci – jako příspěvkovka svého druhu. Abychom nečekali každý rok, jestli nám někdo něco dá. No a to se nepovedlo. Využili jsme tedy možnost podat si žádost o individuální dotaci v rámci MHMP, tu jsme dostali, nějakých 170 tisíc, tím se tam zase spustil provoz, začalo se to připravovat.

Hlavní výkonnou osobou pro art re use se stal Vincek – tedy Jan Vincenec. Vincek to spravuje, stará se o veškerý chod skladu. Myslím, že si v tom našel svoji roli velice dobře, stará se o art re use na full time. Ze strany Vincka přišel nápad, že by tam s námi mohla být malá stavební firma Starwork, která dělá fasády. Oni by si tam občas něco odlili, pomohli by nám vybavit dílnu, mohli by nám zařídit regály, doupravit prostor stavebně. Ta firma nemá s výtvarným uměním nic společného, ale jsou to nadšenci, ukázalo se to opravdu jako hodně dobré spojení. Každý týden nám dávají k dispozici dodávku s řidičem nebo i s dvěma chlapíky, a dělají to pro nás jako barter. Jsou tomu otevření, baví je to.

Druhou zásadní věcí bylo spuštění webových stránek. Fungují na platformě e-shopu (systém Shoptet používáme i na ArtMapu) a položky, které se tam přidávají, jsou jako v katalogu. Funguje to tak, že nabízené věci si můžeš opravdu odvézt. Mohli bychom i zapůjčovat, ale zatím všechno, co tam bylo, se snažíme rozdávat.

Přicházejí samozřejmě různí lidé, mají před sebou různé akce – a záleží na tom, co máme zrovna za materiál. Vznikli jsme jako služba galerijnímu provozu, proto některé věci uložíme a nedáme ani na web, aby se vrátily cíleně do galerií. Věci jsou u nás zdarma, jedinou podmínkou je, že to zůstane zachované v kulturním provozu. Co si nevezmou galerie nebo výtvarné kroužky, si vezme cirkulární dílna v Kampusu Hybernská. Tam zpracovávají věci různým způsobem, dělají čalounění, vyrábějí lavice. Z toho, co je odpad, dokážou vyrobit užitný materiál – potisknou dlaždice na workshopy, ukazují lidem, jak se dá s různým materiálem pracovat.

Myslím, že potřeba něčeho, jako je art re use, tady visela ve vzduchu, docela dlouho se o tom mluvilo. Samotné galerie začaly tímhle směrem uvažovat, že chtějí tyto věci recyklovat. Ale vždycky, co znám třeba z Fotograf Gallery, kde jsem taky působil, bojují s místem. Takže vím, jak to chodí: dáme po výstavě stěny, desky nebo jiný materiál do skladu, nechce se nám je vyhazovat, a po čase si říkáme, že nám tu překáží a co s tím tedy uděláme, takže to vyhodíme – a za půl roku zjistíme, že to potřebujeme. V art re use testujeme nové cesty, které se teď rodí. Dávám na stranu věci a bavím se s Vinckem, že je tady něco, co bychom mohli jen půjčovat, co rozdávat nebudeme: třeba technika, sametové opony apod. Přirozeně to již funguje se sokly, které si galerie zapůjčí na výstavu, pak je přinesou zpět a my je vracíme do nabídky. Vzhledem k omezenému prostoru zatím nezakládáme vlastní depozitář, ale s MHMP a GHMP jednáme o oživení jejich depozitářů. Sami nemají kapacitu postarat se o smysluplné, cílené zápůjčky galerijního materiálu a my našli fungující systém, jak ho efektivně distribuovat, evidovat i vracet k novému užití.

Když se bavíme o lokálnosti: tím, že jsme v Praze, bychom měli fungovat pro pražské galerie; ale první, kdo nám co přivezl, byla hradecká galerie. František Zachoval nám tam poslal spoustu materiálu, akustické odhlučňovací desky, které měl ve své instalaci Dalibor Bača, nevěděli, co s tím, tak to byl první náklaďák, co přijel. Hned se to rozdalo na AVU, někdo si to vzal do zkušebny, cirkulární dílna v Hybernské z toho dělala nějaké podsedáky… Ale řekli jsme, že chceme fungovat lokálně, nechceme vozit materiál bůhvíkudy: když už máme být ekologičtí, tak ať se to nesváží z celé republiky. Třeba i naše webové stránky můžou být prostředníkem pro to, že když někde něco je a může to tam chvíli být, tak se to přes ten náš web rozdistribuuje. Příklad: Pražské Uměleckoprůmyslové museum likvidovalo sklad v Brandýse nad Labem, měli tam spoustu materiálu, soklů, dřevěných desek, přepravních beden. Měli jsme dva měsíce na to, abychom to rozdali, jinak že to zlikvidují. Pro ně bylo dobré zároveň i to, že nemusejí platit firmu na likvidaci, že tedy ušetří třeba pět set tisíc, když se materiál rozdá. Nabízeli jsme to tedy přes web. Určili jsme dny, kdy si to vyzvedávat. Teď přišla z IPRu výstava, která byla putovní, skončila v Brně a jim se to už nechtělo svážet do Prahy: na webu pak sumarizujeme realizace, tak nejvíc konkrétně uvidíš, jak byl ten materiál využitý. Aby bylo vidět, co se s tím dělo, aby existovala nějaká historie. Fait Gallery v Brně přes nás nabízela mraky sádrokartonových desek z výstavy Stana Filka. Tam okamžitě zareagoval Ondřej Chrobák, který se stará o kurátora a umělce Jiřího Valocha, že mu z toho postaví výminek. Zdá se, že ho opravdu buduje. Jana Písaříková nám k tomu napsala: „Skutečnost, že tento materiál pochází právě z této výstavy, je víc než symbolická. Byl to právě Jiří Valoch, kdo kurátorsky zaštítil v roce 1974 legendární výstavu Bílý prostor v bílém prostoru, jejímž spoluautorem byl i Stano Filko (společně s Milošem Lakym a Jánem Zavarským). Kus bílého prostoru tak doputoval zpátky k němu.“

V představě, co budovat a k jakému fungování směřovat, nám pomohly vzory. Nejvíc asi newyorský Material for the Arts. Je to městská příspěvkovka, tam přijdeš a je to obrovské. Mají bedny třeba jen žlutých věcí, jinde je zase shromážděná elektronika a jezdíš tam s nákupním vozíčkem a dáváš si tam, co chceš, a jenom deklaruješ, že jsi umělec. U nás se tímhle tématem zabývala například Romana Drdová, chtěla něco takového vytvořit v rámci FaVU, kde dělá doktorát. Strávila nějaký čas v New Yorku a chodila přímo do jejich re use centra. To je velký příklad, jak to funguje. Američané na to mají navázané workshopy, edukační programy, to bychom chtěli časem fakt dělat: zvát umělce, předávat zkušenost jak pracovat s materiálem. Náš model má však výhodu, že opravdu přichází odspodu. Tím, že nejsme městská příspěvkovka, ale někdo, kdo je se scénou v neustálém a živém kontaktu a propojení, je celá věc mnohem přirozenější. Využití vybudované sítě kontaktů Skutku a ArtMap odstartovalo celý projekt v plné síle hned od počátku.

Neformálně fungujeme od jara 2021, oficiálně se páska přestřihla 21. září. Přišla Hana Třeštíková ještě se starostou Prahy 3 Jiřím Ptáčkem a Pavlem Křečkem, tedy radním za kulturu na Praze 3. Je fajn, že se za to magistrát a městská část takhle hezky postavili. Co by nám pomohlo dál? Kdybychom měli větší prostor, který by mohl být vytápěný. Protože tam, kde jsme, je to opravdu dezolát, ani tam netopíme. V zimě jsou tam otvírací dny nebo hodiny, ale nedá se v tom pořádně fungovat. Nějaký solidní prostor, který by nám magistrát nebo nějaký developer nabídnul, aby to bylo na úrovni. Nebo mít auto k dispozici jen pro sebe, moci víc svážet věci. Moci zaplatit několik plných úvazků: někdo by se měl totiž starat o sklad a někdo o ty věci kolem, o marketing, o komunikaci se sponzory…

Autor je multimediální umělec a předseda spolku ArtMap, a jeden z iniciátorů art re use – skladu uměleckého materiálu.

AŽ UMĚNÍ PROJDE AUDITEM
Zbyněk Baladrán

Někdo může vnímat živou uměleckou scénu jako společenskou a emocionální laboratoř dneška. Problémy a rozpory tu přicházejí na přetřes trochu dříve, než se stanou zásadním společenským tématem. Dá se tak nahlížet i na environmentální témata, meze růstu či udržitelnost, které se staly obsahem uměleckých děl a výstav.

Podle zkušeností z praxe se umělecká scéna k odpovědnosti za svět hlásí nejdříve hlasitě deklarativně, vlastně podobně jako to nedávno provedly nadnárodní korporace, které se zavázaly, že budou uhlíkově neutrální do roku 2040. S realitou uměleckého provozu a jeho dopady na jednoduchou udržitelnost je to složitější, musí se začít od nuly. Náš stát v tom nepomáhá, i když se zavázal ke snížení uhlíkové stopy, sám nenabízí způsob ani diskuzi, jak se k tomu propracovat. Spoléhá na trh a osobní zodpovědnost, stejně jako to udělal při recyklaci plastu: Není třeba tlačit na obchodní společnosti, aby omezily výrobu obalových materiálů; občané ho sami posbírají a ještě si odnesou dobrý pocit sami ze sebe.

Například v malé galerii, dotované převážně z veřejných zdrojů, je produkce racionalizována a minimalizována na únosnou mez: je nutné udržet kvalitní program s co nejmenšími náklady. S tím souvisí i zaměstnanecká politika, žádná není. Stát nepodporuje svou společnost v zaměstnanosti a sociální soudržnosti, ale nechává většinu profesí balancovat nad propastí švarcsystému. Popis takové praxe by se dal nazvat ekonomickou udržitelností v současných politických podmínkách. Ekologická udržitelnost z toho vyplývá, ale hůř se nastoluje. Naráží se zde na nedostatek informací a imaginace.

Určitě by pomohl určitý druh ekologického auditu, kterým by daná umělecká instituce prošla. Dokázala by si tak lépe představit, co se v takto osekaném ekonomickém formátu dá ekologicky udržitelného dělat. Co se dá omezit? Jsou nutné investice do inženýrských sítí, aby se snížila uhlíková stopa? A kam je investovat? Existují programy pro vlastníky nemovitostí, u kterých je většina malých galerií v nájmu? Podobný typ otázek by mohl audit zodpovědět. I on však něco stojí a je velmi komplikované získat grant na audit, jak si nedávno ověřilo sdružení nezávislých galerií pro takový účel sestavené.

I u produkce výstav a programu se dá sledovat jejich uhlíková stopa. Je silný rozdíl mezi velkými institucemi (která mají přísná pravidla pro zacházení s uměleckými díly, závislými na klimatických podmínkách v místnostech, vysokém pojištění a podobně) a na druhé straně uměleckými díly, která cirkulují v menších galeriích, nepojišťují se, klima se u nich neřeší, skladují se v nevyhovujících podmínkách nebo se (jako v případě některých instalací nebo intervencí) destruují, protože nejsou prostředky na jejich skladování.

Produkce výstav je v konkurenci internetového sdílení jejich fotografií čím dál scénografičtější. Roste tlak na budování divácky atraktivních dočasných staveb, které se stávají adekvátní adjustací uměleckých děl. Jejich recyklace je mnohdy nemožná, jedná se většinou o základní stavební materiál, který se samotnou stavbou znehodnocuje.
Nejsnáze se uhlíková stopa měří u letenek, tedy u cestování umělců a umělkyň z ciziny. Nedávný projev globalizace skrz propojení levné letecké komerční dopravy s prostupností Evropské unie zvedl i počet výstav ze vzdálených asijských a latinoamerických center. Je možné se takové praxe vzdát. Pro velké galerie to bude pravděpodobně těžké bez takových privilegií a malé galerie tak naplno pocítí provinčnost semiperiferie, ve které se nacházíme.

Bylo by zajímavé vidět dopad ekologického auditu na změnu galerijních programů, protože dnes je obecným předpokladem, že umění je kosmopolitní a přístupné odkudkoliv. Nevyřčeným předpokladem také je, že zdejší umění je stejně dobré jako to, které se provozuje v nejvyspělejších zemích. Jak bude vypadat umění v politickém a společenském kontextu v režimu udržitelnosti?

Možná by nám celkový ekologický audit kultury pomohl k lepšímu pochopení toho, k čemu vlastně umění slouží a k čemu by mohlo sloužit v budoucnu.

Toto zamyšlení se týká všech institucí, ať už malých nebo velkých. Všechny v současných podmínkách zápasí s penězi, a tak by případné změny rozhodně souvisely s navýšením rozpočtů na strukturální proměny řízení, výměnu nevyhovující infrastruktury, ale i diváckého očekávání.

Bez tohoto procesu jsme odsouzeni ke sbírání plastových obalů ve svém okolí, na vernisážích pak k pití vína z kelímků, které se dají posléze sníst, a k dalším druhům vzorného občanského jednání.

Autor je umělec, kurátor a architekt výstav.

Ne, raději knihu

big_zeny-ktere-nechtely-mlcet-tri-cesko-45f-484838
37457-2_zvuky-kody-obrazy-titulka
56c26a07-2f6d-a142-3e1e-d5137776e156

Tip Petra Viziny
Milena Bartlová: Ženy, které nechtěly mlčet: Tři československé příběhy
Nadace Rosy Luxemburgové, 2021

Průvodce po vlastním osudu

Pokud jde o dějiny tuzemského feminismu, málokdo má v Česku takovou výhodu jako historička umění Milena Bartlová. Může totiž tuzemské dějiny emancipace demonstrovat na třech ženách z vlastní rodiny, babičkách a vlastní matce. Zároveň má Bartlová smůlu; z pohledu dějin, jak jsou po roce 1989 obvykle vyprávěné, patří tyto ženské postavy k poraženým. Babička z matčiny strany, levicová politička Hana Budínová, druhá babička, úřednice, ředitelka, a dokonce kádrovačka Vlasta Mlynářová a rovněž Rita Klímová, matka Mileny Bartlové, překladatelka a první porevoluční velvyslankyně v USA, všechny tři nosily svého času v kabelce rudou legitimaci. Tedy pomáhaly budovat systém „zločinný, nelegitimní a zavrženíhodný“, jak se praví v zákoně přijatém roku 1993.

Taková definice komunismu en bloc však nebere v úvahu třeba rozdíl mezi Hanou Budínovou, prvorepublikovou levicovou intelektuálkou, spolupracovnicí E. F. Buriana, a estébáky, kteří v 70. letech vyslýchali její dceru. Na Ritu Klímovou dokonce donášel její druhý manžel, jak zjistila Bartlová v archivech v době, kdy už byli protagonisté příběhu oba po smrti. Bezpochyby nelze porozumět vládě komunistů, prohlásíme-li celé čtyři desítky let za zločinnou a zavrženíhodnou epochu, podobně jako nelze pochopit středověk, víme-li předem, že se jednalo o „dobu temna“. Bartlová podrobuje osobní hledisko, obvykle trpící nedostatkem odstupu, testu erudice historičky, vzpomínky doplňují standartní historickou práci, autorka zkoumá „mechanismus mizení a zapomínání“, který působí, že obrazy žen působí vedle portrétů význačných mužů vybledle.

Ženy, které nechtěly mlčet je napínavá četba; text je experimentem, jak pracovat s pamětí, a přitom si zachovat kritický odstup. V barvitých vzpomínkách zasazených do „velkých dějin“ jedno ozřejmuje druhé. Autorka přitom nehodlá své ženské příbuzné vyvinit z toho, čím angažmá v komunistické straně zatížilo jejich svědomí. Nelze ji proto podezírat z „revizionismu“ či relativizace zla, jak zní rozšířená výtka vůči diferencovanému pohledu na tuzemský komunismus. Předmětem zkoumání a tématem Bartlové však nejsou dějiny československé levice, jako spíš další aspekt tohoto modernistického projektu, totiž ženská emancipace. Pokud jde o politická uspořádání, dovozuje také z příběhů svých babiček a matky, že tuzemský feminismus byl za doby Masarykovy republiky zprvu součástí demokratického úkolu, totiž naplnění úkolu rovnosti. Zdá se však, že politické uspořádání, včetně existence „ženoddělu“ v předválečné KSČ či Československého svazu žen po roce 1948, nedokázalo změnit nebo zrušit hlouběji ukotvené kulturní vzorce.

Čeští komunisté se navzdory rétorice rovnosti nedokázali vymanit z dobových patriarchálních konvencí, poznamenává Bartlová. Zajímavějším a komplexnějším fenoménem je proto v historii tuzemského feminismu náboženství a z něj vycházející kulturní identita. Na příběhu své babičky Hany Budínové, narozené roku 1902 v ukrajinském městečku Staraja Ušica jako Chana Kojfmanová, Bartlová ukazuje, že náboženství, konkrétně judaismus a také jeho politická odnož, sionismus, ve své době pro postavení ženy znamenal pokrok a emancipaci.

Ambivalenci ve vztahu náboženství a feminismu Bartlová podtrhuje názvem knihy. Jde o parafrázi novozákonního – tedy zhruba dva tisíce let starého – biblického textu, v němž apoštol Pavel píše, že ženám nedovoluje mluvit na společných shromážděních. Klíčem k porozumění zdánlivě machistické poznámce je samozřejmě vzdělání. Díky němu si inteligentní ženy průvodce po vlastním osudu konečně píší samy.

Autor píše texty a vede rozhovory pro Aktuálně.cz a Český rozhlas. Byl členem redakcí Lidových a Hospodářských novin, pracoval deset let ve zpravodajství ČT, z toho většinu času jako vedoucí redakce kultury. Působí na Katolické teologické fakultě Karlovy univerzity, kde vystudoval teologii a aplikovanou etiku.

Tip Pavla Klusáka
Zvuky kódy obrazy
Miloš Vojtěchovský, Jitka Hlaváčková (eds.)
ArtMap, 2021

Průvodce rezonujícím Českem

Kdyby měla existovat knihovna věnovaná českým publikacím o zvuku v moderním a současném umění, mnoho dřeva by na ty police nepadlo, stačilo by jedno krátké prkno. Právě proto lze vnímat kolektivní monografii Zvuky kódy obrazy jako významnou, ba přelomovou. Je zhmotnělým výsledkem snahy udělit oboru základní „bedekr”, sborník formálně vnitřně různorodý, ale tematicky jasně zaostřený na silná témata, která jsou ve věci „zvukových studií” k diskusi. Kniha je samozřejmě ozvěnou výstavy Zvuky / Kódy / Obrazy. Akustický experiment ve vizuálním umění, kterou kurátorsky připravila Jitka Hlaváčková pro GHMP v Domě U Kamenného zvonu v roce 2019; na koncepci tehdy spolupracovali Miloš Vojtěchovský a Milan Guštar. Hlaváčková a Vojtěchovský jsou editory nynější knihy, Guštar je v ní zastoupen dvěma texty. Autoři dospěli k jasnému rozhodnutí, že když už kniha nevyjde jako doprovod k expozici, měla by tuto situaci využít a stát se – dva roky po výstavě – něčím víc než katalogem. To je základní situace publikace, která obsahuje studie i encyklopedická hesla umělců – a při bližším pohledu ještě něco navíc.

Zápas s neviditelným

Autoři v předmluvě píší o „imaginativní, tísnivé a nejisté hranici viditelného a neviditelného”: o zvuku jako stimulujícím momentu, který se od osvícentví po postmodernu vzpírá tendenci „vše spatřit, prozkoumat, popsat, nakreslit, zařadit do registru”. Nejdelším textem přispěla editorka Jitka Hlaváčková: popisuje různé vztahy a spojení akustické a vizuální kreativity na české scéně – schematicky řečeno od Jana Evangelisty Purkyně až po Woodyho a Steinu Vasulkovy. Anna Kvíčalová otevírá knihu studií Zvuk jako ztracený klíč k evropské modernitě: ohlíží se zpět do historie, zároveň její přístup reprezentuje čerstvější uvažování o zvuku a naší zkušenosti „s rezonujícím, chvějícím se světem”. Myšlenky, teorie a díla synestetiků (Kandinskij, Ponc, Pešánek) rekapituluje skladatel Michal Nejtek. Milan Guštar představuje hudbu jako matematické umění, jehož číselné vztahy lze vizualizovat a také provázat s technologiemi. Viktor Pantůček přibližuje partituru coby grafické dílo: tím pádem míří od běžné notace k autorským systémům a grafickým dílům, které jsou nejen kryptickým předpisem pro hráče, ale i zážitkem pro pohled a potenciálním výstavním artefaktem. Martin Flašar dokázal poměrně srozumitelně předat nejednoduchou úvahu o paradoxu materializace (proměňování neviditelného ve viditelné) a dematerializace (proměňování hmotných skutečností ve zvuk) v umění. Helena Musilová rekapituluje vliv a přítomnost hnutí Fluxus v Československu: ať už vnímáme happeningové rozšiřování pojmu umění v jeho bláznivé poetičnosti nebo spíše v jeho kritické a sociální funkci, zvuk se tehdy zase o něco víc sblížil s galerijním uměním. Řada textů tak různým způsobem dokládá, jak se intermedialita postupně stávala přirozenou skutečností pro umělce i publikum. Michal Kindernay uzavírá část studií úvodem do akustické ekologie.

Zvuky a kódy svědectví

Následuje několik textů, které od charakteru studie ustupují: jsou mnohem spíše svědectvími, zprávou o zkušenosti. Miloš Vojtěchovský svědčí o sympoziích Hermit v santiniovském klášteře v Plasích, tedy o formativních intermediálních pobytech a festivalech, které znamenaly proměňující zkušenost pro širokou komunitu. Martin Klimeš a Jakub Frank rekapitulují činnost spolku Bludný kámen: škoda, že styl těchto textů je exaktně spořádaný a mnohdy sklouzne do výčtu, snad by tu víc řekla osobnější perspektiva bez obavy z emocionality, nepřesné mapy vzpomínek a žánru vyznání. Rozhovor Dušana Baroka s Milanem Adamčiakem takový už skoro je.

Encyklopedickou část, bohatě doprovázenou vizuály, pak tvoří „výběr autorů zabývajících se zvukem v kontextu českého a československého umění 1913–2019”, tedy od Františka Kupky po Petra Válka. Autoři samozřejmě výrazně upozorňují, že výčet není ani nemůže být kompletní. Přesto je padesátka hesel reprezentativní. Dává velmi dobrý obraz, které přítelkyně a přátelé zvuku tu figurovali v galerijních kontextech. Přirozeně dává důraz na ty, s nimiž měli kurátorskou zkušenost Hlaváčková a Vojtěchovský.

Soustředění na tvůrce, kteří „pracovali v kontextu české scény”, umožnila včlenit i cizince, kteří tu zanechali stopu. Proto tu má heslo Peter Cusack, který zasáhl do první fáze projektu Nejmilejší zvuky Prahy, nebo Morgan O’Hara, která své gestické kresby nechávala vznikat na řadě českých akcí.

Charakterizovat umělkyně a umělce (jako jsou Karlíková, Knížák, Grygar, Guštar, Valoch či Vasulkovi) v pouhém jednom odstavci vede samozřejmě ke zkratkovité a zhutnělé reprezentaci. Tím spíš musí člověk uznale registrovat styl některých hesel, která dokáží pracovat s náznakem a jen se dotknout toho, co už si musí čtenář rozvinout sám.

S múzickou velkorysostí

Kniha Zvuky kódy obrazy je vnitřně vymezena spíš s múzickou velkorysostí než s exaktním soustředěním. Vlastně z ní na různých místech různé útvary přečuhují (tím není myšlen vložený plakát s dějepisem sound artu v Česku). Je znát, že knihu sestavovali kurátoři, připravili ji opravdu jako imaginativní konstelaci vycházející ze subjektivního výběru.

Ve výsledku působí publikace trochu jako dva ročníky svázaného fiktivního časopisu, který je vydáván pro přátele sound artu, radikální hudby a intermediálních témat a ve kterém se za tu dobu otisklo všechno možné, navzájem ne vždy sourodé. Ale co: zase máme možnost procítit přes tyto stránky komunitu lidí, kteří se teď a tady o zvuk v umění zajímají. Čtenář si říká: Hm, hm, je to různorodá, ale podle všeho dost fajn parta.

Autor je hudební publicista, šéfredaktor Qartalu. 

Jan H. Vitvar: Umění, kterému nikdo nerozumí.
Paseka, 2021.

Poslední mohykán

Po listopadovém převratu se zkoušela psaním výtvarné kritiky do mainstreamových tištěných periodik realizovat, etablovat a uživit řada výrazných osobností dnešní umělecké scény. Všichni odpadli, někteří pozbyli o umění zájem, další naopak povolání kritika vyměnili za jiné role, pozice a funkce v uměleckém provozu. Jen namátkou a pro připomenutí například Marek Pokorný, Tomáš Pospiszyl, Lenka Lindaurová nebo Radek Wohlmuth. Do dnešních dnů přežil jediný: Jan H. Vitvar. Pravda, od jmenovaných je o půl až generaci mladší, takže se přidal až na přelomu milénia, kdy přes noviny Mladá fronta a Nedělní svět doputoval v roce 2006 do týdeníku Respekt, kde působí kontinuálně na pozici výtvarného kritika. Vypracoval se zde časem na vedoucího kulturní rubriky, což byl jen přirozený běh věcí, neboť pozornější čtenář Vitvarových textů by se mohl dopustit konstatování, že jeho ideový i hodnotový svět je v dokonalé harmonii s pohledem na svět dlouhodobě vyznávaným vydavatelem časopisu. Studoval žurnalistiku, takže je v nepejorativním slova smyslu outsiderem umělecké scény, a určitou sociální distanci si od ní, patrně z profesních důvodů, udržuje i nadále. Výjimkou je pouze ostentativní kamaradšoft s Davidem Černým a veřejně tolik nedeklarované, o to možná upřímnější parťáctví s Davidem Kalikou aka Kakalíkem, autorem černočerných komiksových stripů. U mě ani v mém okolí, mám-li být upřímný, se Vitvarovo psaní nikdy netěšilo přílišnému respektu. Vím, že některé slabší povahy si na jeho nekompetenci ve věci současného umění stěžovaly u šéfredaktora Erika Taberyho, samozřejmě (a naštěstí) marně. Legendárním se stalo Vitvarovo tipování laureáta Chalupeckého ceny, které se pro dotyčnou umělkyni či umělce rovnalo příslovečnému polibku smrti, neboť se nikdy netrefil do názoru mezinárodní poroty. Na druhou stranu je třeba uznat, že Vitvarova pozice byla konzistentní, a díky tomu předvídatelná. Zjednodušeně požadoval po umění, respektive po umělcích, aby byli komunikativní směrem k divákovi. Z této perspektivy přijímal pozitivně zpravidla díla, o kterých se dá dobře psát, protože obsahují narativní složku nebo silný lidský příběh, která se dají převyprávět. Ideálně pokud jsou navíc blízká agendě Respektu, jako například kritika vyhánění sudetských Němců nebo boj se „starými strukturami“. Pokud, znovu zjednodušeně, umělecká díla odkazovala „sama k sobě“, tedy k otázkám umění a jeho historie, pak je považoval zpravidla za do sebe uzavřená, zacyklená a vůči běžným divákům arogantní. Brával také pod svou ochranu „tradiční“ média, především tedy malbu a umělce „samorosty“, kteří tvoří a existují mimo hlavní proud provozu umění. V tomto bodě se jeho zájem významně překrýval s agendou Revover Revue, jejíž milieu je asi i v jiných ohledech Vitvarovu srdci blízké.

Když se před loňskými vánocemi objevila první anotace Vitvarovy knihy Umění, kterému nikdo nerozumí, předpokládal jsem zcela automaticky, že dojde k zúčtování s nesrozumitelným, do sebe uzavřeným, zacykleným a nekomunikativním uměním, kterému se v českém prostředí přidělila „oslí čepice“ v podobě přívlastku „konceptuální“. Jenže ouha! Jan H. Vitvar přeběhl na pomyslnou druhou stranu! „Naštval se“ ale nikoli, jak se čekalo, na nesrozumitelné umělce, ale na obyčejné lidi, kteří „čemu okamžitě nerozumí, od toho hned utíkají, aniž by se tím hodlali déle zdržovat. A výkladu, který by jim mohl se čtením díla pomoct, se spíše bojí, než by ho vyhledávali“. Takže místo pamfletu proti nesrozumitelnosti umění držíme v rukou naopak advokacii současného umění před pomyslným hlasem lidu, který podle Vitvarovy zkušenosti vznáší proti umění sedmero stereotypních námitek, které se staly podtituly jednotlivých kapitol knihy, kde je pomocí řetězení „historek z podsvětí výtvarné kultury“ vyvrací jednu za druhou. Na rozdíl od většiny současných popularizátorů umění, designu a architektury Vitvar nemíří na dětské publikum a jeho rodiče, ale přímo na dospělé čtenáře. Kniha na vánočním trhu zabodovala, jak svědčí zpráva o dotisku. Autor byl zván na rozhovory, takže na několik týdnu zcela mediálně zastínil Ondřeje Horáka v roli hlavního odborníka na umění před nechápající veřejností. Na cokoliv, co bude o knize kriticky napsáno, lze opravně odpovědět: Nekaž to pravdou. Tak to u historek chodí, a ten, kdo se snaží uvádět věci na pravou míru, se stává trapným pedantem. Je třeba důležité, že Rubensův obraz Hlava Medusy není ve sbírkách vídeňského Uměleckoprůmyslového, ale tamního Uměleckohistorického muzea (viz s. 46)? Není, nebo je? Zmiňuji to jen proto, že se tato nepřesnost týká přímo mojí práce v Moravské galerii. Z přímé zkušenosti znám Vitvarem i v dalších detailech nepřesně popisovaný příběh komparace dvou stejných Rubensových obrazů, a mám důvodné podezření, že tak je to v knize tak trochu se vším. Nebudu to ale dál kazit pravdou.

Přesto si neodpustím jednu výjimku, i proto, že tento text je určen do periodika vydávaného GHMP. V šesté kapitole Vyřazeni z kánonu aneb To není české autor mimo jiné líčí peripetie znovuobjevování umění českých Němců v rámci domácího galerijního provozu. Oprávněně oceňuje práci Anny Habánové v liberecké a Marcela Fišera v chebské krajské galerii na tomto poli, ale bohužel patrně nikdy neslyšel o výstavě Mezery v historii, 1890–1938, Němci, Židé, Češi a stejnojmenné publikaci Hany Rousové z roku 1994…

Autor je hlavním kurátorem Moravské galerie v Brně.

Svět, v němž žijeme a o němž toho víme čím dál míň

Julie Béna, Letters from Prague, 2020, video
Julie Béna, Letters from Prague, 2020, video
Svět, v němž žijeme?, dokumentace site-specific inscenace, 2020. Foto: Johana Pošová
Svět, v němž žijeme?, dokumentace site-specific inscenace, 2020. Foto: Johana Pošová
Svět, v němž žijeme?, dokumentace site-specific inscenace, 2020. Foto: Johana Pošová
Svět, v němž žijeme?, dokumentace site-specific inscenace, 2020. Foto: Johana Pošová

Jan Bělíček je literární kritik, novinář a šéfredaktor internetového deníku Alarm.cz. Text vznikl na výzvu Společnosti Jindřicha Chalupeckého jako reflexe Chalupeckého manifestačního textu Svět, v němž žijeme, který vznikl na přelomu let 1939 a 1940.

Milý Jindřichu,

vím, že jsi to v životě neměl lehké a že tvůj text Svět, v němž žijeme vznikl na počátku jedné z největších tragédií moderních dějin, druhé světové války. Vím, že mi píšeš z jiného světa. Ze světa, který se mnou sice bytostně souvisí a z něhož moje dnešní realita vyvěrá, přesto však ze světa, který začíná být mé generaci cizí. Legrační na tom všem ale je, že tvoje práce a práce Jana Patočky nad mojí generací v jistém ohledu visí jako memento velkých momentů české kultury a umění. Nemůžu říct, že by na mě měly vaše práce dodnes nějaký enormní vliv, ale musel jsem je číst, studovat, diskutovat o nich. Vaše nekonečná snaha zprostředkovat kontakt s průrvou bytí, nevýslovným, trhlinou, s místy, která nedokážou popsat žádná slova, zmutovala do jakéhosi ideálu, jímž se celá desetiletí poměřovala kvalita uměleckých děl. Přestože jste ty a tvoje generace chtěli vnímání lidské zkušenosti a situovanosti rozšířit a přinést do nich vytěsňované dimenze, postupem času začalo vaše myšlení naopak vytěsňovat nové možnosti vnímání světa.

Píšeš, že racionalizace ústí do automatizace. Kdybys jen věděl, co pro nás bude tato věta jednou znamenat. Jestli tě chápu správně, kritizuješ tehdejší řád za to, že dělá z lidí jen kolečka v systému, že omezuje jejich lidský potenciál. Vadí ti, že tvoji současníci žijí tupé životy a existenciální a transcendentální otázky je nerozechvívají jako tebe. Nevím, jestli se naše životy opravdu tolik liší, nebo z tebe promlouvá jakási slepota plynoucí z tvého společenského postavení pražského chlapce z elitní intelektuální rodiny. Řekl bych, že v roce 1939, kdys tento svůj text zveřejnil, v novém, tísnivém životě za Protektorátu Čechy a Morava, měli tví současníci problémy, které bych já nikdy řešit nechtěl a doufám, že je nikdy muset řešit nebudu. Ale dobře, dejme tomu, že celou řadu intelektuálů a umělců tehdy právě tyto otázky pálily. Chtěl bych ti teď jen říct, jak se současný svět od tvých představ liší a jak se proměnilo to, co od umění dnes očekává moje generace.

Racionalizace skutečně vyústila do automatizace: do automatizace práce, komunikace, volnočasových aktivit, nakupování a spotřeby. Budeš asi překvapený, ale výsledkem není dokonale racionální, spořádaný a předvídatelný svět. Ve spoustě z nás tento svět naopak vytváří zmatek, nejistotu a chaos. Racionalizace sice vyústila v automatizaci, ale stále nevíme, v co vyústí samotná automatizace. Vypadá to, že vaše kritika moderního světa nedokázala domyslet, co všechno technologie ovlivní. Teorie odcizení, ztráty lidské esence a spirituality předpokládala, že technologie učiní z lidí roboty bez citu a vydělí je z celistvosti univerza, o níž ve svém textu také hovoříš. My ale nyní sledujeme, že neexistuje racionalita, která by nás vydělovala z celistvosti světa, a že i zdánlivá racionalita může mít zcela iracionální dopady. Chci tím prostě jen říct, že racionalizace a automatizace nás neodvádí z rozporného, komplexního světa do jednorozměrného a přehledného světa racionality, ale že vnitřní, sociální i intimní život lidského individua naopak nadále komplikuje o další rozměry, o nichž jste před 80 lety pravděpodobně neměli ani tušení.

Říkáš, že básník ničí funkci řeči, aby „prolomil průhledy z vězení racionální konstrukce vesmíru; směřuje k intuici Úplna, jednotlivé souhrnné totality jsoucna, k opaku roztříděnosti, k tomu, co je per def. nevýslovné“. Dokážu pochopit, že taková báseň, takové umělecké dílo, může člověku způsobit husí kůži, může mu přinést obrovský estetický zážitek, který navždy promění jeho život. Problém ale vidím v tom, že dnešní racionalita nás rozhodně nepřivedla do světa roztříděnosti, jehož by tvůj umělecký svět měl být opakem. Vlastně mě tento tvůj mesiášský a romantický přístup k umění a skutečnosti hodně rozčiluje, Jindřichu. V podstatě totiž tvrdíš, že v každodennosti není moc co objevovat, že je přehledná a že je zajímavá jen tehdy, pokud nám ukáže nečekané průhledy do nevýslovna a plnosti bytí. Naše každodennost je ale všechno možné, jen ne přehledná, a samotná každodenní banalita v nás může vyvolávat závrať, husí kůži a intenzivní kontakt s neroztříděností a absolutním zmatkem.

Řekni mi, Jindřichu, jaký má smysl neustále se trmácet za chimérou jednoty jsoucího, za nevýslovným, když nedokážeme popsat, roztřídit a pochopit ani to, co máme každý den před očima? Vycházíš z jakési romantické představy umělce jako génia, který nám dokáže zprostředkovat estetický prožitek bytí o sobě. Naznačuješ nám, že básník, umělec vidí jiný, hodnotnější svět než my ostatní. Já ale nestojím o umělce, který mi říká, že mé prožívání světa je ochuzené o transcendentní dimenzi. Od umělce očekávám spíš to, že pojmenuje něco, pro co nám slova zatím chybí, přestože na to koukáme každý den. Že dodá viditelnosti souvislostem, o nichž jsme nikdy předtím neuvažovali, že popíše dimenze naší reality, o jejichž existenci jsme do té doby neměli ani tušení. Nesouhlasím totiž s tvojí představou, že v racionálním společenském životě je vše banální a přehledné. A vůbec bych se nedivil tomu, kdybys ty sám, Jindřichu, dnes o těchto záležitostech přemýšlel úplně jinak.

Pro tebe banální a fádní automatizace dnes zcela proměňuje naše vnímání reality, mění to, jak spolu komunikujeme, mění umělecké formy i naše uvažování. Racionalizace přestala být racionální a spíše než stupidní fordovskou výrobní linku připomíná zcela zásadní (r)evoluční změnu, která se natrvalo přisála na samotnou podstatu lidství. Je mi líto, Jindřichu, možná se za čas k tvým myšlenkám opět vrátíme a budeme hledat tu část humanity, o niž jsme naším příklonem k modernitě údajně přišli. Teď mám ale spíš pocit, že se člověk každým dalším dnem stráveným na síti proměňuje, mutuje v něco jiného. Nemyslím to nijak negativně, Jindřichu, spíš mě tyto proměny fascinují a jsem rád, když je někdo ve svých dílech zaznamenává a reflektuje.

Proto mě možná tvé myšlení dnes už trochu míjí. Nepotřebuji totiž ke svému životu umění, které mi bude říkat, že skutečnost je přelud odvádějící mě od toho, co je podstatné. Zajímá mě umění, které mi řekne, kdo jsem, jak se proměňuji, které mi ukáže alespoň malý výsek mého světa a vyvolá ve mně pocit, že jsem z jeho fungování něco pochopil. Chápu, o co tvoje generace usilovala – a ty jsi něco jako její mluvčí. Chtěla odmítnout účelovost, racionalitu a funkčnost avantgardy, ale i obsesi vnitřním světem člověka, jak ji představoval surrealismus. Zajímalo vás to, co je mimo člověka. Ale prostředníkem k tomuto světu pro vás stále zůstával geniální básník, myslitel, filosof, člověk, který otvíral brány k jinému. Mám čím dál větší pocit, že toto jiné (přestože se jeho povaha od vašich představ naprosto liší) samo pomalu vstupuje do člověka a trvale proměňuje jeho identitu a esenci. V tom je podle mě, Jindřichu, hlavní rozdíl mezi tvou a mou generací. Vás nudil a štval banální každodenní život a hledali jste způsob, jak jeho monotónnost rozrušit. Pro nás je ale každodennost často neřešitelným rébusem a doufáme, že právě umění by nám mohlo pomoci získat zpět představu o světě, v němž žijeme.

S. O. S. Chalupecký

Jana Klusáková se setkala s Jindřichem Chalupeckým jako překladatelka, která mu v sedmdesátých letech pomáhala udržovat korespondenci s ruskými avantgardními výtvarníky. Tady je její osobní vzpomínka.

Eduard Štejnberg, Bez názvu (z "bílého období"), 1972

S Jindřichem Chalupeckým jsem se seznámila ve slavném pražském ateliéru sochaře Olbrama Zoubka na dvorku plném Olbramových soch. Pan Chalupecký jevil živý zájem o tvorbu ruských nekonformních výtvarníků. V roce 1974 se konala takzvaná „buldozerová výstava”: odehrála se na předměstí Moskvy pod širým nebem a záhy ji rozjezdily buldozery a zničila vodní děla. Jedním z vystavujících byl můj kamarád, moskevský výtvarník Eduard Štejnberg. Poznala jsem na vlastní oči život tamějších umělců v nepředstavitelné chudobě. Štejnberg si vydělával vytvářením scénografie pro nepříliš významné loutkové divadlo.

Byla jich celá řada, neoficiálních a nesmírně zajímavých umělců: Vladimir Jankilevskij, Oleg Kabakov… Pan Chalupecký měl už svá léta a nekypěl zdravím, ale rozhodl se, že je chce poznat osobně, včetně jejich tvorby.

Bydleli většinou na okraji Moskvy, měli malé byty, ateliéry byly na úrovni suterénů. Chalupecký chodil během jedné zimy po těchto sklepních ateliérech. Přál si jim pomoci.

Napsal pak velký materiál pro britský časopis o umění.

Začali si navzájem psát, veškerá korespondence šla přese mě. Chalupecký mi přeposílal poštou jejich dopisy. Překládala jsem Chalupeckému korespondenci ze SSSR a potom jsem zase do ruštiny překládala jeho odesílané odpovědi. Někdy jsem musela překládat se slovníkem, odborné výrazy šly za běžnou slovní zásobu. Jako samoživitelka na volné noze jsem se musela dost ohánět, a tak jsem občas nestíhala překládat tak rychle, jak by si pan Chalupecký přál. To mi pak od něj přišel koresponďák se stručným textem: „S. O. S.!”

Když mě v roce 1975 zjara zavřeli, Jindřich Chalupecký to zjistil jednoduchou cestou. Přestaly mu chodit poštou zpět moje překlady. Zatelefonoval k nám domů, kde mu má maminka s pláčem řekla, že „Janička je na Ruzyni”. To se mu vůbec nelíbilo: nejen z lidskoprávních důvodů, ale že potřeboval, abych dopřeložila dopisy pro něj. Záhy nato nastoupil hospitalizaci s ischiasem, myslím, že ležel v nemocnici Pod Petřínem, nemohl se pořádně hnout. Přesto si aktivně zavolal do nemocnice vyslýchající orgány a žádal o výslech v mém případě v nejbližším možném termínu přímo u lůžka. To vyznělo absurdně: těžko by se našel někdo druhý, kdo by se dožadoval výslechu od StB. Fízlové se mě ptali: „Je von normální?!” Chalupecký ale prostě věděl, že dokud nebudou vyslechnuti všichni svědci v mojí kauze, nebude vyšetřování u konce. A kromě lidské podpory prostě pragmaticky chtěl mé překlady. Když jsem pak po letech viděla jeho výpověď v odtajněných spisech, četla jsem jeho charakteristické suverénní prohlášení: „Jana Klusáková udělala pro československo-sovětské přátelství víc než vaše tanky.”

Během mého pobytu ve vazbě se u nás konaly domovní prohlídky, při kterých StB odvezla i jedno nezarámované plátno – obraz, který jsem dostala od Eduarda Štejnberga. Při výslechu se mě vyšetřovatelé ptali: „Co to je?“ Řekla jsem, že dárek od kamaráda z Moskvy. Muž, který se mi představoval jako major Svoboda, poznamenal: „To bych si nepověsil ani jako vikslajvant k vodovodu.“ A na rozdíl od dlouhé řady věcí, které jsem už nikdy v životě neviděla, Štejnbergovu abstrakci nezabavili a vrátili.

O překladech jsme jednávali většinou u nás na dvorku, tam a zpátky se chodilo domem. Při jedné z návštěv u nás zavadil Jindřich Chalupecký botou o roh koberce, který se po celé roky odchlipoval. Bylo to protivné, ale už jsme se s tím sžili. Chalupecký řekl:“ „Máte hřebíček a kladívko?” Klekl si na zem a adjustoval koberec, o který jsme léta zakopávali. Byl jediný, kdo to nevydržel a dal věci do pořádku.

Moskevský deník 1972/2021

„Společnost Jindřicha Chalupeckého vysílá do Moskvy malou delegaci českých badatelů a umělců. Jejich cílem je navštívit pamětníky moskevských aktivit Jindřicha Chalupeckého…” Deník z aktuálního ruského pobytu směřujícího „po stopách J. Ch.” píše kurátor Tomáš Pospiszyl jako prolog k rozsáhlé výstavě věnované osobnosti Jindřicha Chalupeckého.

Otakar Štembera, Jindřich Chalupecký, Mladá fronta 21.3. 1948
Otakar Štembera, Jindřich Chalupecký, Mladá fronta 21.3. 1948
Jan Mlčoch, Bianco, Praha, 21. února 1977, 1977
Jan Mlčoch, Bianco, Praha, 21. února 1977, 1977
František Hudeček, Vesmír v ulici, 1941
František Hudeček, Vesmír v ulici, 1941
Eva Bednářová, Ilustrace ke knize Dory Gableové /Dávno/, obr. 6 /, 1978
Eva Bednářová, Ilustrace ke knize Dory Gableové /Dávno/, obr. 6 /, 1978

Moskevský deník? Jde o jeden z nejdůležitějších článků kritika Jindřicha Chalupeckého. Netýká se však českého umění a nebyl určen českému publiku. Od jeho otištění uběhlo padesát let a ukazuje pozoruhodně mezinárodní rozměr Chalupeckého osobnosti. Moskevský deník vyšel v britském časopise Studio International roku 1973. Má čtivou podobu reportáže a jeho čtenáři se v něm seznámili – drtivá většina vůbec poprvé – se světem neoficiálních umělců Sovětského svazu. Téměř všichni se v následujících dekádách stali těmi nejslavnějšími umělci Ruska: Ilja Kabakov, Erik Bulatov, Vladimír Jankilevskij, Viktor Pivovarov a mnozí další. Aby se lépe pamatovali, Chalupecký pro ně tehdy vymyslel jméno, i když ve skutečnosti netvořili homogenní skupinu: Škola Sretěnského bulváru. V Chalupeckého článku nalézáme první krok úspěšných kariér těchto umělců: Nenastartovaly je politické postoje nebo nápodoba zahraničních trendů, ale Chalupeckého okouzlení osobitou, přitom mezinárodně srozumitelnou podobou jejich tvorby. Představovala pro něj pozitivní alternativu k tomu, co se v umění dělo v západní Evropě a v USA.

čtvrtek 18. června 1972

Po pěti letech se vracím zas do Moskvy. Dlouho jsem se rozhodoval; nebýt naléhání moskevských přátel, nebyl bych se tam vydal. Předtím jsem tam byl vždy jako delegát oficiální československé výtvarnické organizace a byl přijímán sesterskou organizací sovětskou se vší ruskou obřadností a pozorností. Ale teď jsem šťastně zas člověkem soukromým a nikdo mne nikam vyslat nemůže. Na letišti mne očekávají staří přátelé a já s nimi budu pár dní sdílet jejich prostý občanský život. Projíždíme napříč celou Moskvou; rozsáhlé bílé moderní čtvrtě, jež narostly za poslední léta a rostou pořád dál, jsou plné zeleně a rozkvétajících stromů a já se tu od první chvíle cítím dobře.

neděle 5. prosince 2021

Společnost Jindřicha Chalupeckého vysílá do Moskvy malou delegaci českých badatelů a umělců. Jejich cílem je navštívit pamětníky moskevských aktivit Jindřicha Chalupeckého, ale také s nimi seznámit mladou generaci moskevské výtvarné komunity. Klíčovou postavou výpravy je Tomáš Glanc, rusista, který se již několik desetiletí zabývá vztahem Jindřicha Chalupeckého k sovětskému umění. Za posledních dvacet let mluvil snad se všemi, s nimiž byl Chalupecký v bývalém Sovětském svazu v kontaktu. Někteří z nich se dnes prezentace v Muzeu současného umění Garáž účastní. Glanc v obrysech načrtává hlavní oblasti Chalupeckého činnosti: Cesty do Moskvy a návštěvy ateliérů neoficiálních umělců v dobách jeho členství ve Svazu československých výtvarníků i pozdější, již jako soukromé osoby. Intenzivní korespondenční kontakt – s umělci z východu si vyměnil stovky dopisů – a také smělý, žádnou institucí nepodpořený program návštěv ruských umělců v Československu. Přehled půl století starých aktivit inspiruje přítomné pamětníky ke spontánním, ne vždy ověřitelným vzpomínkám. Je to pochopitelné. Chalupecký, to nebyla jen jedna z návštěv, ale skutečný přítel, součást jejich životů. Odpolední setkání končí performancí umělecké dvojice Stony Tellers.

středa 24. června 1972

Poprvé jsem se s Francesco Infantem potkal na moskevské ulici; byl tehdy téměř docela neznámý a naprosto chudý – vzpomínám, jak si tehdy koupil k obědu pytlík laciných perníčků a chroustal je po cestě.

neděle 5. prosince 2021

Ruský umělec (se španělskými kořeny) Francesco Infante nás po prezentaci v Garáži zve k sobě domů, zasněženým parkem je to čtvrt hodiny cesty. Jeho byt je současně skladem i expozicí jeho práce. Obdivujeme točící se kinetickou skulpturu ze šedesátých let. „Je to replika“, říká, „originál koupilo Centre Pompidou v Paříži“. Podávají se nikoliv perníčky, ale vařené brambory, maso v aspiku a naložená ryba. Infante je mezinárodně uznávanou postavou ruského umění, pohybuje se kdesi mezi neokonstruktivismem, kinetismem a land artem. Stvrzuje to řada tlustých katalogů jeho tvorby. „O současném umění ve světě jsme se v šedesátých letech dozvídali jen obtížně. Klíčovou roli tehdy sehrály návštěvy z Československa. Ještě před Chalupeckým to byl Dušan Konečný.“ Z Infanteho vyprávění je jasné, že Chalupecký pro něj představoval iniciační osobnost. „Byl to takový zvláště vážný strejda. Byl už tehdy v letech – patřil k úplně jiné generaci než já – ale zajímali jsme se o podobné otázky.“ Dnes si už ani nedokážeme představit, jak důležité tehdy sdílení informací bylo.

pátek 19. června 1972

Večer se scházím s řadou starých přátel malířů. Vím, že informace o současném umění jsou v Moskvě pořád vzácné; vzal jsem tedy s sebou diapozitivy a snažím se podat přehled, co se děje, od abstrakce a pop-artu k fotorealismu a konceptuálnímu umění. Říkám také, že umění jde dnes za umění, do těžko definovatelné oblasti, která je blízko oblasti posvátného: a tu všichni zpozorňují.

pondělí 6. prosince 2021

Dnes je Moskva o současném umění informována víc než kvalitně. Muzeu současného umění Garáž se daří propojovat divácky atraktivní výstavy velkých jmen světového umění, akademický výzkum i populární místo setkávání. Ve dnech naší návštěvy se otevírá centrum GES-2, bývalá elektrárna nedaleko Kremlu přetvořená v podobně velkorysé centrum aktuálního umění. Islandský umělec Ragnar Kjartansson zde v původních kulisách a s originálními herci naživo přehrává scény z ruského televizního seriálu Santa Barbara z doby transformace. Sbírkou poválečného ruského umění disponuje již zavedené Moskevské muzeum moderního umění (MMOMA). Alespoň malou ochutnávku bude obsahovat i výstava o Jindřichu Chalupeckém v Městské knihovně. Navštěvujeme ale i výstavu ve skutečné garáži, připravenou Natalií Serkovou a Vitalijem Bezpalovem. Ti jsou známější jako kolektiv Tzvetnik, jehož pečlivě selektované instagramové zpravodajství ze světa umění sleduje 37 tisíc lidí. Cesta ke globálnímu úspěchu byla podle Vitalije vlastně jednoduchá: „Samozřejmě nepublikujeme vše, co nám lidé pošlou. Všem ale odpovíme.“

neděle 21. června 1972

Eduard Štejnberg mi ukazuje obraz po obrazu v zařízeném pokoji svého nevelkého bytu; ale přál bych si je vidět rozvěšené okolo sebe v prázdném prostoru, do kterého by mohly volně lít své bílé světlo – učinily by celý prostor abstraktním. Neměla by to dokonce být ani výstava, ale nejspíše nějaká architektura sakrální. Připomínám Štejnbergovi Rothkovu ekumenickou kapli, jejíž snímek jsem také v pátek ukazoval, a Štejnberg živě souhlasí: zaujala ho nejvíce ze všech dokumentů, které jsem ukazoval.

úterý 7. prosince 2021

Duchovno různými způsoby zajímalo jak Chalupeckého, tak Štejnberga. Chalupecký věřil, že v moderní sekulární společnosti je to právě umění, které dokáže nahradit náboženství. Může se stát stmelovacím prvkem společnosti a jednotlivcům umožní zážitek transcendence, překročení hranic běžného. Eduard Štejnberg zemřel v roce 2012. V Moskvě však žije Galina Maněvič, jeho vdova, kterou navštěvujeme ve starožitně zařízeném bytě. Všichni si hned musí umýt ruce, protože nás čeká občerstvení. „Blíží se vánoční svátky, tak odpusťte, že nebude maso,“ vysvětluje drobounká žena, proč máme rybí karbanátky, čerstvou zeleninu a brambory. „Sama nepiju, ale dejte si, prosím, se mnou skleničku vodky, na památku. Tu kupoval ještě Edik.“ Jindřich Chalupecký u Štejnbergů bydlel při své návštěvě v roce 1974. Tu poznamenaly zažívací potíže. Z nejhoršího se dostal na rozkládacím lůžku u Štejnbergů, poté musel cestu předčasně ukončit.

středa 24. června 1972

Kdo přichází do Moskvy, musí si uvědomit, že Rusko není Evropa; a není to ani Asie. Je to velká a složitá země, spíše subkontinent než jenom stát, a své umění si musí vytvářet samo ze své vlastní velké tradice a své vlastní přítomné skutečnosti.

úterý 6. prosince 2021

S Anatolijem Žigalovem vedeme videohovor do 500 kilometrů vzdálené vesnice Pogorelovo, zasypané sněhem. V domě chybí elektřina, spoléháme na jeho neviditelný benzínový generátor. Žigalov a jeho partnerka Natalija Abalakova byli jedněmi z ruských tvůrců, jimž Chalupecký zorganizoval návštěvu Československa. Pro řadu z nich se jednalo o vůbec první výjezd za hranice Sovětského svazu. Hned po příjezdu uskutečnili Žigalov a Abalakova performanci Pocta Praze, a to na půdě nad bytem Milana Kozelky, enfanta terrible tehdejší české scény. Žigalov vzpomíná, jak podle předem připraveného plánu navštěvovali tři až čtyři ateliéry denně, byli i v Brně a Bratislavě. Chalupecký prý kontroloval, zda viděli doopravdy všechno. Průvodce a šoféra jim dělal grafik Jan Sekal, přátelí se spolu dodnes. V živé paměti má i návštěvu a debatu v ateliéru Václava Boštíka: „Čeští umělci dokázali odlišit tanky od idejí. Přes protiruské nálady po roce 1968 mě vnímali především jako umělce. Já sám jsem v té době socialistické zřízení úplně odmítal, nekriticky jsem obdivoval Západ. Chalupecký se mě pokoušel přesvědčit, že na Západě není vše ideální. Za pravdu jsem mu dal až později, kdy jsem sám na Západ emigroval.“ Chalupeckého zájem o sovětské umění byl na počátku sedmdesátých let, tj. jen pár let po okupaci vojsky varšavské smlouvy, pro některé jeho české přátele podobně nepochopitelný, jako obhajoba podmínek, za nichž v socialismu umělci pracovali.

středa 24. června

Před deseti lety ještě známý kritik radil posílat tyto umělce na celiny, ale dnes mnozí mají i dobré ateliéry a uživí se slušně výtvarnou prací jako ilustrátoři, grafici apod., ba dokonce nevznikají jim už vážnější nesnáze z toho, že jejich práce jsou soustavně publikovány v cizině. Nevystavují však. Trvá tedy dnes vedle sebe v Sovětském svazu dvoje umění, které je hermeticky oddělováno tím, že jedno je veřejné, druhé zůstává v soukromí.

středa 8. prosince 2021

Rozpolcenost mezi veřejným a soukromým uměním byla podle Chalupeckého adekvátní daní za to, že byl umělec zbaven tlaku uměleckého trhu a korumpujícího světa umění. Měl pravdu? Odjíždíme nad ránem z města plného sněhu a zářivě osvětlených budov. Měli bychom se sem brzy vrátit, říkáme si společně s Jindřichem Chalupeckým.

 

Citáty z Chalupeckého Moskevského deníku jsou převzaty z publikace Jindřich Chalupecký, Cestou necestou, nakladatelství H&H, Jinočany 1999.

Chápu, proč se soustředila na sebe

Po tři měsíce měli návštěvníci Domu U Kamenného zvonu možnost zhlédnout výstavu Frida Kahlo – Fotografie. Z osobního archivu, odhaleného ve Fridině mexickém „Modrém domě” až v roce 2003, byl vystaven kurátorský výběr 241 snímků. Fotografka Libuše Jarcovjáková se u příležitosti ohlédnutí za výstavou zamýšlí nad tím, v čem Fridě Kahlo rozumí: zkoumání světa prostřednictvím dlouhodobé symbiózy se žánrem autoportrétu.

Frida Kahlo v Modrém domě, anonym, 1930. © Muzeum Fridy Kahlo
Frida Kahlo v Modrém domě, anonym, 1930. © Muzeum Fridy Kahlo
Libuše, Jarcovjáková, Autoportrét v bytě v Ringbahnstrasse 68, Berlín, 1986
Libuše, Jarcovjáková, Autoportrét v bytě v Ringbahnstrasse 68, Berlín, 1986

Nad pražskou výstavou mám určité otázky. Především, jde-li o nalezený archiv, proč byla ze šesti tisíc snímků portugalským kurátorem vybraná a vystavená tak malá část, 241 fotografií? Ale vím, že se mě dnes ptáte hlavně na její osobnost a dílo. V roce 2015 jsem viděla v Detroitu velkou společnou výstavu Diega Rivery a Fridy Kahlo: Rivera vytvářel pro společnost Detroit Industry v letech 1932–1933 velké nástěnné malby. Na výstavě jsem okamžitě nabyla přesvědčení, že Frida je mnohem významnější než on. Životopisný dokument mě na výstavě oslovil nejméně tolik, jako fotky…

Fridině fascinaci autoportrétem absolutně rozumím, protože jak se ukázalo, já sama mám tisíce autoportrétů. Do doby, než jsem začala zpracovávat archiv, jsem si toho nebyla vědoma. A přesně vím, jakou roli pro mě autoportrét hrál. Obzvláště v různých krizových životních situacích to byla jakási navigace: kde jsem, v jaké situaci jsem, kdo jsem. Nikdy to nebyl autoportrét ve slova smyslu dnešních selfies na internetu, jestli vypadám tak nebo tak, jakou mám pusu, to jsem nikdy nezkoumala. Sledovala jsem se spíš v krizi, když jsem se odstěhovala do Berlína a začínala jsem opravdu velmi obtížně, vykořeněná ze všech dosavadních struktur. Tehdy jsem se pořád dívala do zrcadla, jako bych si potvrzovala, že jsem, a spolu s tím jsem vytvářela autoportréty. Například na berlínské výstavě jsem měla stěnu, kde bylo asi devadesát pět autoportrétů, které vznikly v té době. Bylo to, dejme tomu, potvrzování vlastní identity. Myslím si, že u ní mohl autoportrét hrát nějakou podobnou roli.

Kdybych se do Fridy Kahlo měla vcítit: představím si, že jsem nemohoucí, že se v poslední fázi života v podstatě můžu vidět jenom v zrcadle, a to je všechno, co z celého světa můžu postihnout. Je to hledání sebe sama, kdy člověk hledá přes sebe. Ona má své věci přece velice alegorické, pracuje s různými symboly, taky křesťanskými, i z mexické tradice. Určitou roli hraje i její nemožnost mít dítě.

Viděla bych tenhle typ autoportrétování jako specifickou disciplínu, u mě to tak rozhodně bylo. To, že mám tolik autoportrétů, bylo pro mě obrovským překvapením. Protože jsem to dělala plynule, od samého počátku, co jsem začala fotografovat. A dělám to do dneška, já v podstatě nemůžu vlézt ve vlaku na záchod a neudělat si autoportrét. A řeknu si akorát – ježíšmarjá, já vypadám, pokud mě v tu chvíli aspoň trochu zajímá můj zevnějšek. Ale srovnávat je těžké. Já mám k dispozici jiný nástroj než ona, nástroj mobilní a rychlý. Obraz, to je jiná situace. Ten její nejslavnější obraz Dvě Fridy, který vznikl po jejím rozchodu s Riverou, kdy je tam jednou tmavá, jednou světlá, ta, která ho miluje, ta která ho nenávidí… Je v něm obrovský prostor pro vyjádření jejího duševního zázemí.

Chápu, proč se soustředila na sebe. Její akční rádius byl omezený. A možná ideové věci člověka tolik nenaplňují, to je samozřejmě můj čistý dohad, ale ona mohla skrze autoportréty skrytým způsobem řešit všechny ty problémy, které jí šly hlavou, včetně neschopnosti mateřství. Já to považuji za strašně zajímavé.

Co mě ještě zajímá na Fridě Kahlo? Specifická, originální a jedinečná je její fyziognomie a to, jak s ní pracovala. Měla srostlé obočí a vousky. Devadesát devět procent žen by se z toho zbláznilo, něco s tím dělalo nebo to odstraňovalo. Ona to podtrhla. Musela mít krom jiného silné sebevědomí, že ustála pozici vedle Rivery, že systematicky pořád pracovala. Neměla potvrzené, že se její styl bude takhle líbit, že z ní samotné se stane bude ikona. Nepracovala tak, aby se to někomu líbilo: Byla to prostě její vnitřní potřeba.

Hlasy z podzemí Viktora Karlíka

V prvním čísle Qartalu jsem psala o knize Literatura, zasvěcené trojrozměrným dílům, která Viktor Karlík věnoval svým literárním láskám, vzorům a inspiracím. Dotkla jsem se tehdy lákavé představy, že cyklus Hlasy z podzemí, který vše inicioval, bude provázet naše kroky na některém z pražských chodníků. A téměř rok nato jsou kanálové poklopy s citáty básníků, spisovatelů a filozofů vsazeny do dlažby podél Musea Kampa!

kolar_kanal_IG
duchamp_kanal_IG
ftopol_kanal_IG
Jirous_kanal_IG

Když jsme je 17. listopadu odhalovali, byla to událost nejen k poctě těchto osobností, ale také myšlence umělecké svobody a nezávislosti, a tím pádem také autorovi cyklu. On sám, stejně jako citovaní umělci, nikdy nepodlehl žádnému tlaku, natož politickému, a s přijetím všech rizik se nikdy nevzdal svého  kritického soudu tam, kde byly prolomeny hranice morálky a vkusu. A to i v případě, že se k tomu snížil někdo z undergroundu, odkud Viktor Karlík vzešel.

Kanál jako médium

Na úplném počátku tohoto cyklu byla řada otisků skutečných kanálů, které sbíral po nocích zejména na Smíchově. V další fázi z nich realizoval řadu monotypů a jejich industriální charakter mu imponoval natolik, že se rozhodl jej využít jako „nosič” pro citáty z děl osobností různých generací: „V žádném případě to nemá být ‚objektivní‘ pohled na českou poesii pod poklopem komunistického kulturního teroru. Je to výraz mé vlastní zkušenosti s některými literárními texty a jejich autory a svého druhu pocta síle slova. Jediným zadavatelem celého cyklu byla moje životní cesta.”

Mottem celého souboru je citát Marcela Duchampa: „Velký umělec zítřka se stáhne do podzemí.” Následují texty bratří Topolů,  Pavla Zajíčka, Víta Kremličky, J. H. Krchovského, Ivana Martina Jirouse, Andreje Stankoviče, Egona Bondyho, Iva Vodseďálka, Petra Kabeše, Jana Hanče, Zbyňka Hejdy a Jiřího Koláře.

Duchampův výrok není jen výraz dobového znechucení nad komercionalizací a zaprodaností umění masové poptávce, je to výzva k popření všeho, co umění v jakékoliv době činí služebným.

Slova u našich nohou

Litina, ve které byly po vzoru reálné předlohy poklopy provedeny, je robustní a odolný materiál, proto tu budou tyto texty s námi ještě dlouho. Některá slova stojí za to tesat do kamene, některá mohou být odlita do nenápadného reliéfu a leží u našich nohou jako v tomto případě. Je to další kontext tohoto díla, který varuje, že důležitá poselství budou v každé době muset vzdorovat pokusům o zašlapání a zneuctění.

Instalací díla ve veřejném prostoru se staly tyto obsahy dostupné nám všem. V době, kdy je to nanejvýš aktuální a kdy význam podobných poselství bývá často podceňován a zesměšňován jako trapný sentiment.

Hlasy z podzemí byly realizovány po mnoha letech od jejich vzniku (2000–2013). O to silnější je to satisfakce pro autora i všechny, kdo jej podporovali. Poměrně rázný a svižný postup umožnil program GHMP Umění pro město, který podporuje Magistrát hl. města Prahy a radní pro kulturu Hana Třeštíková, stejně tak jako účinná spolupráce a sympatie ze strany starosty městské části Prahy 1 Petra Hejmy, který zodpovídá za park na Kampě. Jako zástupkyně Galerie hlavního města Prahy připojuji dík za poskytnuté zázemí ze strany Musea Kampa během instalace a odhalení díla.

Viktor Karlík (nar. 1962 v Praze) – výtvarník a redaktor,  zakladatel samizdatových edicí Pro více a Jednou nohou / Revolver revue, spoluzakládal hudební skupiny Národní třída. V roce 1989 stál u zrodu Nezávislého tiskového střediska, ze kterého vzešel časopis Respekt. Výtvarným redaktorem Revolver revue je dodnes, publikuje zde však i řadu literárních příspěvků. Před listopadem se účastnil pouze neoficiálních výstav. První veřejně přístupnou výstavu měl v květnu 1989 v Junior klubu na Chmelnici. Od roku 1990 vystavuje doma i v zahraničí.

Budoucnost v galerijním prázdnu

Galerie se proměňují s uměním a umění s galeriemi. Existuje tu vzájemná závislost a provázanost, která však neřeší klasickou otázku, co bylo dřív, zda slepice, nebo vejce.

GHMP_60s_master_Prores.00_00_11_08.Still007
GHMP_60s_master_Prores.00_00_52_09.Still004
GHMP_60s_master_Prores.00_00_38_16.Still002
GHMP_60s_master_Prores.00_00_06_00.Still010
GHMP_60s_master_Prores.00_00_25_11.Still005 (1)

I galerie a umění jsou jako nerozlučná dvojice, minimálně od chvíle, kdy Napoleon díky svým poradcům pochopil, že kultivace a vzdělávání společnosti má ležet na bedrech institucí. Instituce-galerie se ale zásadně proměnila i ve své základní roli legitimizace umění jakožto umění. Platilo totiž, že chce-li se nějaké výtvarné dílo uměním stát, musí být vystaveno nebo uloženo v galerii, jejíž profil umělecké instituce je odborně, společensky, politicky garantován.

Dnes už – zdá se – není nic takového potřeba. Umění ustavuje trh, který dílu přiřazuje finanční i uměleckou hodnotu, ať už jde o trh tradiční aukční, nebo alternativní, vytvářený NFT, non-fugitibilními, nezaměnitelnými tokeny, které nejsou ani tak díly, jako zaručeně jedinečnou informací v nekonečném řetězci jiných. A přece stále galerii chápeme jako místo umělecky identifikační, společenskou smlouvu svého druhu, uzavíranou mezi diváky či návštěvníky a těmi, kdo umění dělají nebo ho studují a inscenují.

Galerie se podobá aplikaci, která teprve umožňuje vidět a prožívat to, čemu říkáme umění, neboť v aplikaci je umění vidět. Co se skrze tuto aplikaci neukazuje, jako by umělecky ani nebylo. Prakticky to funguje jako v každé jiné mobilní či počítačové appce: používáme ji, aniž bychom pronikali do principů její funkce.

Dějiny umění, které podle některých teoretiků (Belting, Danto) v jistém smyslu dávno skončilo, už však doputovaly do bodu, v němž se galerie coby pozadí zpřítomňuje, dokonce se stává předmětem vystavování. Dílem. Tajemství je prolomeno, umění je stejně jako král v Andersenově pohádce nahé, podobně bezedné jako základy moderní lingvistiky nebo od ní odvozené antropologie. Když v šedesátých letech minulého století Robert Barry (v roce 1966) a po něm Yves Klein (o tři roky později) vystavili prázdnou výstavní síň, mělo se za to, že předvádějí přízračné prázdno doby, o němž tak intenzivně psali myslitelé jako Sartre nebo Heidegger. Později převládl jiný výklad. Ten mluvil o prázdnotě a nahodilosti umění, jež se vymyká snaze definovat se jako specifický dějinný typ reprezentace.

Prázdná galerie, mezitím už tolikrát v principu opakovaná a variovaná, vystavuje diváka úplnému prázdnu jen výjimečně. Někdy umělci co chvíli v prázdnu zhasínají a rozsvěcejí, aby ukázali, proč můžeme vidět; jindy zpřítomňují galerijní aparát hrou s klimatizací, jejíž přesnou teplotu vyžadují některá díla. Nic jako nic nenechává vlastně ani nejslavnější vystavovatel prázdnoty galerie, Yves Klein, který vstup do prostoru lemuje svou typickou modrou barvou a vnitřek galerie přemaloval čistě bílou. Důsledný tak zůstal snad jen Barry, meditativní americký umělec, který byl přesvědčen o možnosti telepatického umění a kromě prázdnoty galerie vystavoval také rozhlasové vlnění nebo dílo jako společnou myšlenku.

Proč si vlastně prázdnou galerii a Roberta Barryho dnes připomínat? Není to snad všechno dávno pryč? Protože právě teď se možná galerie proměňuje znovu, aniž to vidíme a cítíme. Možná právě teď se hodí prožít prázdno galerie, aby se dalo začínat jinak. Bez měšťanských předsudků, co je a co není umění, které se stále v plné síle až trapně vracejí; bez iluzí o pravdě, která není pevná, i když si na ni právě v galerii lze sáhnout.

Žijeme v době interregna, mezivládí, jak to kdysi formuloval Gramsci. Překládal tak do politického jazyka Nietzscheho myšlenku přehodnocování všech hodnot a čekání na smrt posledního člověka. Nové a nové procházení bodem nula v prázdné galerii dekonstruuje šamanské a rituální jádro umění a otevírá cestu k novému začínání. Nadčlověk, který má být tím novým vládnoucím paradigmatem, není nějaký superman nebo zvrácený Vůdce, nýbrž každý, kdo unese nezaloženost budoucnosti, v níž se přesto musíme naučit orientovat a žít.

A kde jinde tyto možnosti bezedna vyzkoušet na vlastní kůži a mysl než právě v galerii umění?

Za každou slastí se skrývá stín nebezpečí

Výstava The Club as a Shelter (Light Underground 3) v prostorách středověkého sklepení Domu U Kamenného zvonu odkazovala svým názvem k pojetí klubové taneční hudby jako bezpečného úkrytu před nevlídnou společenskou realitou. Taneční kluby jsou z historického hlediska safe-spacem minorit a těch, kteří mají pocit, že se jim nedaří zapadnout – soukromá zóna euforie postavená na pocitu hrdého vyčlenění.

BCAA, I’ll See It When I Believe It, 2021. objekt, keramika, dřevo, kovový drát, samolepky, majetek autorů. Foto Radek Brousil/We Give You Good
BCAA, I’ll See It When I Believe It, 2021. objekt, keramika, dřevo, kovový drát, samolepky, majetek autorů. Foto Radek Brousil/We Give You Good
BCAA, I’ll See It When I Believe It, 2021, video, 3 min, majetek autorů. Foto Radek Brousil/We Give You Good
BCAA, I’ll See It When I Believe It, 2021, video, 3 min, majetek autorů. Foto Radek Brousil/We Give You Good
Pavla Beranová & Teres Bartůňková, Shelters, 2021, helium, plast, textilie, majetek autorek, zvuk: Jan Burian, Prázdný zvon, 2021, audio, 6:06 min, zvuková kompozice v prostoru: Jan Burian. Foto Radek Brousil/We Give You Good
Pavla Beranová & Teres Bartůňková, Shelters, 2021, helium, plast, textilie, majetek autorek, zvuk: Jan Burian, Prázdný zvon, 2021, audio, 6:06 min, zvuková kompozice v prostoru: Jan Burian. Foto Radek Brousil/We Give You Good
Pavla Beranová & Teres Bartůňková, Shelters, 2021, helium, plast, textilie, majetek autorek, zvuk: Katarzie, Madona stavby, 2021, audio, 3:03 min, zvuková kompozice v prostoru: Jan Burian. Foto Radek Brousil/We Give You Good
Pavla Beranová & Teres Bartůňková, Shelters, 2021, helium, plast, textilie, majetek autorek, zvuk: Katarzie, Madona stavby, 2021, audio, 3:03 min, zvuková kompozice v prostoru: Jan Burian. Foto Radek Brousil/We Give You Good
Radek Brousil & Oliver Torr, X-opia_112007>>
Radek Brousil & Oliver Torr, X-opia_112007>><<102021, 2021, multimediální instalace (textilní provazy, hliník, skořepinové kufry, hazer, větrák), self generating loops, majetek autorů. Foto Radek Brousil/We Give You Good
BCAA, I’ll See It When I Believe It, 2021. objekt, keramika, dřevo, kovový drát, samolepky, majetek autorů. Foto Radek Brousil/We Give You Good
BCAA, I’ll See It When I Believe It, 2021. objekt, keramika, dřevo, kovový drát, samolepky, majetek autorů. Foto Radek Brousil/We Give You Good

Karel Veselý je hudební publicista, autor knih Hudba ohně a Bomba*Funk a spoluautor kolektivní monografie Kmeny a knižní studie Všechny kočky jsou šedé: Hudba úzkosti.

Kurátorka Sandra Baborovská a oslovení umělci se nicméně pokusili do tohoto už trochu otřepaného srovnání vnést i pochybnosti. Sedm instalací rozmístěných po sklepení idealistický pohled na clubbing vesměs opouští a zobrazují ho více jako součást reálného světa, před nímž se nelze jen tak jednoduše zavřít. Euforie tradičně spojované s taneční hudbou je na výstavě vlastně pomálu.

Čtveřice světelných objektů Pavly Beranové a Teres Bartůňkové připomíná duchy vznášející se v prostoru. Jejich Shelters (tedy úkryty) naznačují, že oddělení od světa může mít i podobu vězení. Nakonec, do jejich úkrytů se vejde vždy jen jeden člověk. Každý ze čtyř objektů umístěných v oddělených částech sklepení má vlastní hudební doprovod – o ten se postarali hudebníci Jan Burian, Katarzia a Aid Kid. Jejich vesměs ambientní pasáže prostor úkrytů překračují a sbíhají se ve zvláštní prostorové kakofonii, která návštěvníka výstavy překvapí hned při příchodu do sklepení. Jako kdyby se zde právo na soukromí potkávalo s varováním, že oddělením od druhých lidí ztrácíme něco cenného – schopnost přemýšlet o sobě jako o součásti celku.

Kolektiv BCAA promítá v Domě U Kamenného zvonu video I´ll See It When I Believe It, v němž se postava z počítačové hry sama prodírá labyrintem a hledá cestu ven. Tematizace zážitku světa jako magie je pražské umělecké skupině blízká – centrem o kousek dál umístěné instalace stejného jména je záhadný snový objekt kombinující dřevo, keramiku a kov a jehož součástí jsou i šperky. Tento „svatý grál“ neuchopitelného, kouzelného zážitku klubové noci stojí vítězoslavně uprostřed místnosti a je na něj namířené světlo, nenápadně ve stínu rohu jsou ještě rozházené letáčky připomínající clubberům, že by měli dbát na přísun tekutin, aby nezkolabovali z dehydratace. Extázi na parketu spojujeme s transcendencí, nesmíme ale zapomínat i na její potenciální odvrácenou stranu. Za každou slastí se skrývá vždy i stín nebezpečí.

S nezamýšlenými dopady clubbingu pracuje i multimediální instalace X-opia_112007>><<102021 Radka Brousila a Olivera Torra. Pětice kufrů tady symbolizuje dostupnost instantního vzrušení, jemuž se tanečníci (nebo muzikanti) mohou vydávat vstříc díky levným charterovým letům po celé Evropě. Kufry jsou ale spoutané lany, které se potkávají u stropu. Občas se z reproduktorů ozve doprovodná hudba a spustí se stroj na umělý kouř, momenty extáze jsou ale pomíjivé. Jinak jsou kufry odsouzené k tomu rotovat bezcílně v zvláštní bezútěšné smyčce, která po nějaké době kompletně ztratí smysl. Instalace je inspirovaná (ne)slavným výrokem šéfa nadnárodní banky CitiBank Charlese Price, který na samotném počátku ekonomické krize v létě roku 2007 sebevědomě prohlašoval, že „dokud hraje hudba, je potřeba tancovat“. Není už to ale spíš tanec na potápějícím se Titaniku? Nežijeme i my v přísunu umělých slastí uvězněni v smyčce reality, jejíž bolestivou absurditu už dávno nevnímáme?

Tím, že otevírá i tyto znepokojivé otázky, dostává se výstava světelných instalací The Club as a Shelter za obvyklá klišé spojená s klubovou hudbou.