Praha je skanzenem privatizace

S filmařem Vladimírem Turnerem VT o jeho celovečerním snímku Veřejně prospěšné práce, zachycujícím patnáct let protestních hnutí, komunitních happeningů a kreativního vandalismu ve prospěch kultivace veřejného prostoru.

Q. Dlouhodobě se zabýváte aktivistickými zásahy do veřejného prostoru. Dokáže umění ve veřejném prostoru měnit veřejné mínění?

VT. Celou tu dobu, co vystupuji ve veřejném prostoru, bojuji s označením „aktivistické umění”. Na jedné straně máme aktivistické happeningy, které často používají výtvarné techniky. Aktivity vycházející zespoda, z komunit, které tímto způsobem prosazují politické změny a bojují o základní lidská práva. Bylo tomu tak historicky třeba u boje za volební právo pro ženy, u původní verze hnutí Pride, antirasistických hnutí a dnes zejména u hnutí za klimatickou spravedlnost. Bez těchto hnutí by naše společnost byla stále bigotním skanzenem. Trochu jinou polohu mají umělci, kteří vyběhnou z bezpečného prostředí a jdou ven, kde tvoří třeba i bez oficiálních povolení nebo institucionální finanční podpory. Oba světy propojuji a díky svojí profesi filmaře můžu étos svobodného jednání zprostředkovat divákům. Otázka, zda mohou tyto aktivity něco změnit, je tedy zodpovězena historicky. Ať už je politický režim jakkoliv v přesile, imaginaci lidí nikdy nezlomí. Úspěšné příklady jsou třeba hnutí Situacionistické internacionály nebo holandské Provo, které z anarchistických kořenů vykvetlo do vysoké politiky, a tak se jim podařilo zprovoznit první bikesharing strategie, omezit počet aut v centru Amsterdamu nebo zlegalizovat squatting.

Q. Oč ve snímku Veřejně prospěšné práce jde?

VT. Je to můj první celovečerní film, jehož upravená verze bude následně ke shlédnutí i na výstavě Umění aktivismu pod kurátorským vedením Jitky Hlaváčkové. Film doprovodí kniha, která vyjde v nakladatelství Utopia Libri. Kromě aktuálních akcí ve veřejném prostoru, které by někdo třeba ani neoznačil za umělecké, ve filmu ukazujeme zhruba patnáct let archivů různých protestních hnutí, komunitních happeningů a kreativního vandalismu, který byl v našich městech od nepaměti a vždy zespoda reagoval na aroganci establishmentu. Filmem chci divákům ukázat vrstvu města a společnosti, kde se jednotliví aktéři neptají na povolení a jednají v duchu „všechnu moc imaginaci”. Svým jednáním tak přispívají do diskuze o tom, jak by mohla vypadat o něco svobodnější města s důrazem na solidaritu a empatii.

Q. Ve filmu vystupuje několik českých osobností, které pracují s veřejným prostorem, umělec Epos257, novinářka Táňa Zabloudilová, sochař a performer Martin Zetová, autor projektu Vetřelci a volavky Pavel Karous nebo Marie Foltýnová, kurátorka a vedoucí Oddělení Umění veřejného prostoru v GHMP. Co je spojuje?

VT. Projekt neukazuje pouze guerillové umělce středně-mladší generace, ale i jiné postavy, které jsou špičkami ve svém oboru a ze svých pracovních pozic dlouhodobě zvelebují kulturu veřejného prostoru. Ve filmu tak vidíme postavy různých profesí a generací, kdy se každá z nich svou prací dotýká aktuálních městských témat, společných většině evropských metropolí. Vidíme příklady radikální guerillové praxe, kdy skupiny lidí odstraňují nelegální billboardy, vysoce postavenou kurátorku či etablovanou novinářku. Spojuje je schopnost kritického myšlení, analýzy tématu a schopnost snít o světě, kde lidé rozhodují o svých životech a jednají s vědomím toho, že každodenní jednání ovlivňuje chod společnosti. Odtud název filmu Veřejně prospěšné práce.

Q. Film začíná procházkou po pražských brownfieldech na periferiích města. Jsou majetkem developerských firem k budoucímu přetvoření. Jaká je role brownfieldu ve městech a co by se s těmito „územími nikoho“ mělo dít?

VT. Jakkoliv film jasně reaguje na nefunkční urbanismus, bytovou krizi, téma tepelných ostrovů a podobně, přece jen jsme umělci, nikoli profesionálové ve všech těchto oborech. Bylo by skvělé, kdyby se rozvoj Prahy podmiňoval dlouhodobými a udržitelnými plány. Vidíme ale od privatizace, že u nás stačí vlastnit kus půdy a pak už si na něm můžete dělat cokoliv, i když je to škodlivé pro okolí. Anabáze s Územním plánem nebo neexistující participace obyvatel na lokální politice jsou problémy, které už lidi ani nepřekvapí. Problém pražských brownfieldů je takový, že je skupují obří korporace, jejichž plán je maximalizovat zisky. Logicky v protikladu s tím, co lidé napříč sociálními skupinami od města 21. století potřebují. Praha je skanzenem privatizace a zhmotněním hry Monopoly.

Q. U současného pražského „anarchismu“ se často zdá, že jde spíše o krátkodobé happeningy, umělecký vandalismus a spekulativní žurnalistiku než o smysluplnou politickou organizaci. Tato hnutí jsou pak politickým establishmentem často vnímána jako stoupenci okrajové ideologie či narušovatelé veřejného pořádku. V čem spatřujete sílu těchto gest, jakkoli se mohou zdát malá?

VT. Anarchistické hnutí je neustále se měnícím živým organismem a nikdy tak nebude „smysluplnou politickou organizací”, protože institucionální politika vychází ze struktur založených na hierarchii, akumulaci moci a technokratickém vnímání světa. Anarchisté stáli vždy na straně slabších, a tak logicky nikdy nebudou uznáni těmi nejsilnějšími. Ne každý anarchista vypadá subkulturně, a také existuje hodně lidí, kteří vlastně netuší, že je jejich emancipované myšlení blízké antiautoritářským idejím. To, že budou mediální domy vlastněné oligarchy marginalizovat grassroots aktivity jako „narušování veřejného pořádku”, znamená, že potřebujeme právě více takových narušení. Jinak nás podobně jako před sto lety semele konzervativní hypernormalizovaná společnost, která snadno sklouzne k jedné z aktuálních podob neofašismu. Anarchisté jsou všude mezi námi, staví domy, sedí vedle vás v kancelářích, píší do novin, dělají sociální pracovníky a o díky ani o uznání se nikoho neprosí. Až budeme tančit na troskách této společnosti, budeme zpívat „my jsme vám to říkali”.

Q. Dokážete si představit nějakou alternativu k současnému způsobu městského plánování a práce s veřejným prostorem?

VT. Není to žádná jaderná fyzika, stačilo by si občas udělat rešerši a vzít si příklad odjinud. Kdykoliv nám pražští politici říkají, že něco nejde, tak se dá najít pozitivní příklad ze světa, kde to šlo. Potřebujeme decentralizovanou politiku, silné komunity, toleranci vůči jinakosti a solidaritu napříč společností. Dokud tomu ale v cestě bude stát zkostnatělý systém několika málo politických partají, které mají nulový kontakt se svými voliči, tak se nic nezmění. V Praze pravděpodobně bude další dekádu jenom hůře, protože jsme se stali investiční příležitostí pro spekulanty a vládne nám parta dinosaurů, kteří si dotáhli ke korytům mladší generaci testosteron diesel heads. Bariéra je politika, kterou ovládají korporátní síly, v našem případě hlavně nebezpečná kasta fosilních miliardářů.

Q. Film se staví kriticky ke komercializaci umění u předem dojednaných developerských plánů, kdy je investor vládcem „svého vlastního“ veřejného prostoru. Zmíněno je i kýčovité, korporátní street artové umění Pasty Onera, které na tomto typu „veřejného“ prostranství funguje jako reklama. Může být marketizace a komercializace veřejného umění k něčemu dobrá?

VT. Nejviditelnější český umělec ve veřejném prostoru je dvorní klaun kapitalismu David Černý. Prací a vystupováním nám dennodenně ukazuje, že jediný správný světonázor je honba za penězi a úspěchem, ze které dokázal udělat opulentní kýč. Jeho tvorba je svazácká propaganda konzumního světa, kdy je arogance zadavatelů, tedy developerů, ilustrována jeho veřejným vystupováním hájícím tuto garnituru. Příběh Pasty Onera, kdysi uznávaného writera, ke kterému jsem jako teenage writer vzhlížel, je ohraná písnička o komodifikaci subkultur. Streetartisti se stali dekoratéry gentrifikačních procesů, kde aerosol z jejich sprejů tvoří kouřovou clonu kapitalismu. Chybí nám obecně pochopení umění a jeho role v tomto století. Více než dekorovat věže ze slonoviny bychom měli soustředit energii do propojování, vzdělávání a kultivace empatické společnosti. Takové umění ukazujeme v našem filmu.

Q. Jaké proměny ve veřejném prostoru vás v poslední době naopak těší?

VT. Mně dělá radost, když vidím české Fridays for Future, Iniciativu nájemníků a nájemnic nebo třeba rostoucí odhodlání cyklistů jezdit po Praze na kole, i když je to boj o život. Smekám před odhodlaností týmu Arniky, kdy v projektu Město pro život dennodenně kontrolují jednání funkcionářů, obyvatelé Prahy se tak mohou dozvědět fakta o netransparentních rozhodovacích procesech městského vedení. Co se týče umění ve veřejném prostoru, tak je občas vidět nějaké odvážnější instalace, ale mimo Prahu. Cením váš projekt Umění pro město, kdy se prostředky rozdělují do menších site-specific projektů místo toho, aby si Praha koupila třeba jednoho Anishe Kapoora, u kterého by si turisté dělali selfie, což byl záměr bývalé primátorky Adriany Krnáčové. Jediné, co mě v Praze pořád dokáže překvapit, je nová generace graffiti crews. Jinak mi z vizuální kultury našeho města krvácí oči a měl bych se soudit se státem kvůli vizuálnímu smogu, který má nevratné následky na mém zdraví. To, jak dlouho se nedařilo odstranit nelegální předzahrádky v historickém centru Prahy anebo fakt, že bylo ještě loni sedmdesát procent billboardů na území Prahy nelegálních, ukazuje dlouhou cestu, kterou musí občanská společnost ujít, abychom z Prahy měli živé město pro všechny, a ne mauzoleum kýče a arogance.

Autorka je členkou týmu Umění pro město

VPP_9_(c) Beginner_s Mind
VPP_8_(c) Beginner_s Mind
VPP_6_(c) Beginner_s Mind

Tvary na obličeji

Dříve nebo později se k nim dopracujeme všichni. Ke tvarům poskakujícím na nose a překážejícím při dobíhání tramvaje. Ke zpoceným obroučkám z plastu od pokladny z Rossmana za šedesát káčé. Nebo k těm ze želvího krunýře, hodiny ručně broušeného ze 400 let starého exempláře. Ke tvarům mlžícím se a přimrzajícím k nosní přepážce ve frontě s reflexními fisherkami v dosněžovaném českém Aspenu. Budete je furt hledat a zjišťovat, že jedničky už jsou málo, a nebude se vám chtít k očaři zjistit, že konec ostrého vidění se zase blíží. Zatím si ale skotačme po jarních loukách a vymýšlejme artprojekty plné permakultur, nebo naopak sochy z nekonečně hořící nafty. Vše možno a brejle u toho na nose. Brýle jsou tvary na obličeji. Často výrazné tvary. Kruh, ovál, čtverec a obdélník. Art. Bauhaus. Základní prvky. Prvky stavebnice. Obličejové stavebnice. Obličejové kompozice. Obličejové obrazy.

Inuité
První zmínky o, řekněme, principu brýlí jsou už řádně vousaté. Traduje se, že na úplném počátku brejlařiny byl průsvitný krystal. Čočka držená v ruce, která pak pomáhala oku lépe vidět. Vše založené na prazákladu optiky. Prý už římský císař Nero sledoval krvavá gladiátorská zápolení přes krystaly smaragdu. No, snad mu krůpěj horké krve necákla přesto do oka. Ikonické jsou například i často citované inuitské sněžné brýle vyrobené z kosti, ale i dřeva. Taková ta jakoby zaoblená placička, ve které jsou pouhé dvě škvíry na oči. Spíš teda škvírky, malinké a tenké. Periferní vidění inuitů podle mě na nule. Lední medvěd mohl inuita hryznout kdykoli, i když stál metr před ním a smál se mu přitom drze do xychtu. Inuit ani netušil a chramst i s pradávnými inuitskými brýlemi. A pak už se to brýlaté odvětví rozjelo. Brýle svoji neochvějnou a pevnou pozici získaly hlavně u čtenářů. Při čtení prvních manuscriptů. V třepetavém svitu svíce byly brýle dost třeba. Už tady, cca ve třináctém století, nacházíme zásadní vylepšení, a to použití půlkulaté čočky z křišťálu a její jemné broušení a cizelování. Dnes mají brýle řadu dalších funkcí. Vedle vidění a designu. V létě budoucím nás už možná neochrání ani 315 UV (zkratka UV z anglického ultraviolet). Asi to nedá ani předraženej Ray Ban, natožpak muzeální sklo 90 % od Marounka z Lípové 6. Budeme se ohřívat a škvařit. Brejle nebrejle. I kdyby sám japan guru brýla Yohji Yamamoto na brýlaté královně z ček tývý Saskii Burešové jezdil.

Korbík a Felix
Když však opustíme blížící se apokalypsu a zůstaneme jen u tvarů na obličeji, nelze nevzpomenout na Korbíka. Tady nevím proč, ale řeknu-li brejle, najede mi hned Korbík a dva výrazné černé kruhy. Navíc mi najede obraz Korbíka v poslední fázi života, kdy pobýval ve své skromné chatce u břehu moře. Chodil nahý, maloval obrazy a na nose měl ty dva černé kruhy. Nahé, už chátrající tělo a dva kruhy na obličeji nakreslené jakoby černou tučnou fixou. Komix. Korbík, tedy architekt vizionář Le Corbusier a pro mě zároveň ikona výtvarného brýlatého světa. Autor třeba Villy Savoye, ikonické Kaple Notre Dame du Haut, Národního muzea západního umění v Tokiu nebo Kolektivního domu Unité d‘habitation v Marseille. Kdo další? Charlie Chaplin? Nebo spíš Buster Keaton? Z českých brýla-fotografů se mi při vyslovení brejle hned vybaví rovnou dva. Jaromír Funke a Jaroslav Rössler. Jejich černobílé modernistické kompozice plné diagonál, trojúhelníkových stínů, opřených tabulek skel, stínů sklenic, očí, roztažených prstů rukou, bílých koulí či právě černých obrouček brýlí. Koule a brýle. Funke, který sám nosil brýle a většina jeho portrétů i autorportrétů jsou brejlaté. Nosil podobně jako Korbík pouhé dva kruhy. Na rozdíl od francouzského pana Ká kruhy spíše subtilní. Často je otiskována Funkeho fotografie brýlí v diagonální kompozici s vrženými dlouhými stíny. Brýle jakoby zničené. V nepřirozené pozici jednotlivých dílů a podle všech vystopovaných fotografií s tímto motivem si myslím, že to byly určitě osobní brýle Jaromíra Funkeho. Rozbil si Funke brýle při jízdě na kole, kdy bral zatáčku v Celetné moc zvostra? Nebo dal příliš velkou kolmici v bazénu v Divoké Šárce a ťukl o dno bazénu? Nevím, ale brýle to budou na tuty Funkeho. Zeptám se ještě kurátora fotografie z UPM Jana Mlčocha. Po Funkeho brýlové diagonalitě mi automaticky nabíhají obroučky křenícího se komika Felixe Holzmanna a jeho Corbusierovky. Kloubouček, rudej šátek uvázanej ala Ferda Mravenec a černé obroučky okulár. Komik Felix Holzmann a jeho skeče ze života. Pamatuju, jak mi jeho výrazné kruhy dělaly společnost v naší černoblé televizi na sídlišti Lesná. Hlavně v dnes už ikonické scéně při nákupu lístku do kina na film s podivuhodným názvem Včera, dnes a zítra. Ten film prý opravdu existoval. Stejně jako další skeč z této komické scénky. V sobotu večer a v neděli ráno. Ivu Janžurovou, jako pokladní kina, však Felix neobměkčil ani svýma obroučkama. Scénka legenda Včera, dnes a zítra. Cituji: „Včera, dnes a zítra? Co? Ne, chci jenom na zejtra, bo včera bych to nestihl, žejo! A co hrajete zítra? Zítra hrajeme V sobotu večer a v neděli ráno. Co? A jakto, že hrajete v sobotu? Dyť zejtra je pátek, ne? Ne, jen na zítra, na včera to už bych nestihl.“

Saskie
Zdrojů a knih na téma brýlí a jejich vzniku či designu je celá řada. Stačí pár kliků. Chtěl bych však vaší pozornosti doporučit jednu celkem nedávno vydanou, pod kterou je podepsán tehdy ještě student designu Ondřej Vicena. Vydal ji následně jako kompilát své doktorandské práce na UMPRUM s názvem Brejle a okuliare (slovensky brýle), design brýlí v Československu 1918–1992. Pečlivě vypravená kniha plná brýlí. Příklad čiré posedlosti tématem. Klasika, téma se tě dotýká vždy osobněji, pokud jsi s ním na jedné lodi. Ondřej Vicena je totiž brejloun. Kniha, ke které je vypravena i architektonicky cizelovaná putovní výstava. První díl proběhl v galerii GAVU v Chebu pod kuratelou nenápadného šéfkurátora a zároveň ředitele muzea Marcela Fišera. Pak hned cestovala na domovskou UMPRUM. Věřím, že výstava tímto neukončila svou pouť. Protože by měla jít ven, do světa. Určitě pak do Tokia. Kniha, ve které nás už na předsádce slavnostně vítá nestárnoucí tvář matadorky televizní zábavy. V tývý montážích jezdkyně na všemožných předmětech, zvířatech či neuvěřitelných strojích, paní Saskie Burešové. Jméno Saskie mě jednu dobu tak fascinovalo, že pokud by se nám měl narodit potomek ženského pohlaví, tak se doma kromě Babety mluvilo taky o Saskii. Saskie Babáková. Saska. Sása. Sas. Navíc má na vstupních stranách knihy na obličeji nasazeny neskutečné kreace vesměs designově nápaditých brýlí. Nejvíce s designem vyplouvajícím z let osmdesátých, na které se Vicenova kniha zaměřuje především. Pokud bych vás měl alespoň trochu nalákat na její obsah, tak třeba tady názvy některých kapitol: Ruka a čočka, Želvovina, rohovina a jejich nápodoby, Od cvikru až po větrovku, Velká skla, zatavené panty, televize, lenonky nebo Flexpanty, Cross, Tour, Boston a postmoderna a mnoho dalších. V knize naleznete i řadu dobových reklamních tiskovin třeba z našeho výrobního brejlařského skvostu firmy Okula Nýrov. Sám Vicena pak se svojí ženou založil firmu Optiqa, ve které se zabývá jak vlastními designy brýlí, tak pro nás, design brýlaře, vybírá zajímavé design kousky z celého světa. V knize dále najdete brýle třeba Milady Horákové, tenisty Drobného, Dubčeka, něžné černé kruhy značky Windsor spisovatele Josefa Čapka, dále brýle zpěváka Karla Štědrého nebo tučné, do hněda laděné okuláry komanče Lubomíra Štrougala. Knihu určitě doporučuji vaší pozornosti.

Futuro
Existuje vůbec v dnešní době něco, co by se dalo s jistou dávkou hledačské hrdosti nazvat avantgardní brýle? Myšleno v uvažování o brýlích jako nástroji, nejen jako o dekoru na tváři. Najdete třeba brýle jako pruh plechu omotaný pečlivě kolem hlavy. Měkký kov vám obepne lebku jako druhá kůže. Ale? Z plechu. A tedy plechu neprůhledného. Jdeš a jdeš, avantgardu na obličeji a jdeš a jdeš. Nevidíš vůbec nic a jdeš, ale máš jakoby brýle. Art projekt. A přidám tu ještě trochu pábení a představivosti: Brýle jako pouhá představa. Jako myšlenka brýlí. Představíš si brýle a už jen ta představa a pomyšlení na brýle vyřeší všechny tvoje oční problémy. To bych moc chtěl! Nebo brýle z tak měkkého materiálu, jako je sama kůže. Bys měl brýle, které by byly součástí tebe. Brýle jako kůže. Neviditelné brýle. Samo, brýle včetně kožených čoček. Technické problémy bych v tomto případě nechal na technicích. Nebo brýle jako dva motýli. Pokud bys je potřeboval, objevili by se ti vždy před očima. Dva krásní a pestře vybarvení motýli. Všechny odstíny modři na svých křídlech. Modrý pel na motýlích prachových a světélkujících křídlech. Jak bys vše dočetl, motýli by zmizeli. A teď zase zpátky na zem: Co třeba Google brýle a všechny další odnože digi a online futuro brýlí s uvnitř obsaženým úplně celým světem? Většina už je doma máte a zbytek info si vygůglíte jistě sami. Apple to na startu soutěže VR a 3D brýlí celkem přestřelil hlavně s cenou, pokud chtěl dostat produkt mezi široký lid. Design má však Apple jako vždy úplně překrásně pohádkovej. Tak uvidíme na reakci jak samotného Applu, kam se bude dál hýbat, a hlavně jak zareaguje na totálně raketový start všech dalších konkurentů. Namátkou třeba opravdu chytré brýle G1 od Evenrealities nebo brýle budoucnosti Meta AR ORION, které rovnou nahradí celý smartphone. Jsme v tomto tématu stále spíš na počátku a je toho hledání před námi ještě hodně. A jak bych si sám představoval brýle budoucnosti? Věřím, že úplně zmizí ze světa a už je nikdy nepotkám. Vlastně se už těším, až někdo vymyslí totální bezbrejle pro všechny generace. Je totiž otravný furt je někde hledat.

Autor je grafický designer a pedagog

Friedrichovy paradoxy

Kdo by neznal ikonu romantismu – obraz Poutník nad mořem mlhy. Nejproslulejší dílo Caspara Davida Friedricha, jemuž patřil minulý rok, kdy si zejména Němci připomínali 250. výročí malířova narození, bylo samozřejmě k vidění na velkých výstavách v Berlíně a v Drážďanech, věnovaných Friedrichově malbě. Obraz je opředen mnohými legendami a historkami. Dodnes se odborníci mimo jiné dohadují, kdo byl onen tajemný muž dívající se ze skály do hlubin, kde se válí neprostupný mlžný mrak.

V jedné verzi jde o lesníka, jindy zase o přítele-revolucionáře, čímž se do výkladů dostává i politický význam. Jiná verze spojuje Poutníka s farářem a Friedrichovým blízkým přítelem. Jenže zase – jde bezpochyby o městského člověka, někoho, kdo vyrazil z hustě obydlených industriálních oblastí do lesa a skal, aby se oblažil čerstvou přírodní (božskou) energií, kterou město vypudilo, takže se stala o to přitažlivější a toužebně hledanou. Někde v této době – obraz byl namalován v roce 1818 – vzniká nový fenomén turismu, hnaný touhou znovuobjevit pro člověka přírodu, jak před sedmi lety spolu s Friedrichovými obrazy a díly dalších světových umělců dokládala výstava Wanderlust (Touha po putování) v Berlíně. Friedrichův Poutník je tedy Turista, někdo, kdo připomíná lidstvu, že se má vrátit ke zdroji všeho, čím jest.

Nejzajímavější výklad této záhadné identity Poutníka přinesl před čtyřmi lety maďarský estetik László Földényi. Z dobových souvislostí a reálií vydedukoval, že by oním mužem nad mlžným mořem mohl být filosof Arthur Schopenhauer, který pobýval v Drážďanech přesně v době vzniku ikonického obrazu, a jeho vlivná matka Johanna, posedlá zájmem o umění, se s Friedrichem prokazatelně setkala; nejspíše se s tehdy velmi mladým filosofem, který právě sepisoval své nejslavnější dílo Svět jako vůle a představa, viděl i sám malíř. Není vyloučeno, že se s převratným Schopenhauerovým spisem Friedrich tehdy v obrysech seznámil. Obraz Poutníka-Schopenhauera by potom bylo možno chápat jako lehce ironickou výzvu k zamyšlení nad tím, co vlastně velký filosof naznačoval svým zpochybněním pevných základů vnímané reality, lépe řečeno způsobu, jakým ji konstruujeme. Poutník na obraze přece nevidí vůbec nic. Malíř se proviňuje proti všem pravidlům romantického malířství, jak kritizuje už uctívaný Goethe, neboť lidé přece chtějí vidět, co tam dole je, ne co tam není!

Nechtějí vidět mlhu, nýbrž krajinu pod ní, chtějí jistotu, ne rozmlžení světa. Nechtějí vidět jakousi věčnou touhu vidět, chtějí vidět svět, ne samo vidění. Touží po realitě, ne po snu.

Friedrich se ve Földényiho interpretaci mění z romantického malíře ve velmi moderního tvůrce, který dokonce naznačuje cestu k abstrakci. Chce ukazovat něco, co zcela jistě existuje, protože o tom víme, cítíme to, představujeme si je, je to ale „něco“, co nejsme s to běžně spatřit a vnímat.

Friedrich to dělá třeba už jen tím, že ukazuje postavy výhradně zezadu, nesoustředí se tedy na jedinečné výrazy a emoce, nýbrž na symbolické a abstraktní souvislosti figury a celkové konfigurace obrazu. Žena u okna (pravděpodobně manželka malíře, ale co na tom záleží) není výrazem reality takové, jaká je, vyjadřuje spíše atmosféru, situační náboj, jisté naladění, které intenzivně vystupuje až díky tomu, jak celou scénu Friedrich namaloval. Jak si ji vymyslel či vysnil, jak ji cítil.

Fakt, že malíř nikdy nekopíroval viděné, že tedy nevytvářel dokonalou kopii či nápodobu přírodních scenérií či lidského světa, byl na první pohled vidět na výstavě v Drážďanech. Friedrichovy obrazy tu byly vystaveny v jedné polovině sálu v přímém kontrastu s obrazy jeho současníků v polovině druhé. Hluboce jiné světy. Odchod od nápodoby, od mimésis, je klíčovým znakem moderního umění. Ale také věčným zlomem, k němuž se často jako dávno zcela moderní lidé (kdo z nás si to o sobě dnes nemyslí) někdy vracíme, když modernímu umění přestáváme rozumět.

Zažil to už Caspar David Friedrich, jehož dílo se také muselo vyrovnávat s námitkou, že jaksi neodpovídá realitě, například estetiky Friedrichovy doby zcela znectěný Děčínský oltář, kde byla kromě geometrických nepřesností spatřena i pohanská blasfemie (Bůh není Příroda!). Moderní lidé přejedení nemimetickým tvořením zase volají po návratu nápodoby, která jako by poskytovala jistotu ztracenou v implozi dynamického moderního světa a byla uměním, které máme pro uklidnění těžce zkoušené moderní duše chtít.

Je více než pozoruhodné, že tuto relaxační náhražku nacházíme dnes začasté i v malbách bytostně moderního umělce Caspara Davida Friedricha, které jsou přece tak krásně tradiční, i když tak romantické, tajemné, hororové a pohádkové…

Autor je novinář a filosof

Hrdá, Tloušť a štěstí na dosah

Jan Antonín Pitínský: Domácí potřeby.
Větrné mlýny, Brno, 2024.

Před šesti roky přestal režírovat a ztratil se ze světa, rozhovory neposkytuje. Legendární divadelník Jan Antonín Pitínský, vlastním jménem Zdeněk Petruželka (1955) o sobě dává vědět sbírkou povídek Domácí potřeby. Třiadvacet miniatur potvrzuje, co unikavý Pitínský prohlásil již v době své divadelní proslulosti; že je vlastně člověkem literatury, který shodou okolností zabloudil do divadla. Povídky připomínají, oč jde – o vynalézavost a přesnost v jazyce a tichou radost pozorovatele, který spíš, než by jazyk používal jako instrument svých záměrů, v jazyce přirozeně žije, sytí se jím i dáví, když přijde na bezstarostnou zběžnost floskulí. Pitínský je seriózní tvůrce, neflirtuje s psaním, jeho hlas je mírný a vážný. Hra se slovy, situacemi, s hlediskem vypravěče je výrazem této vážnosti. Jako by šel ve své fantazii dál za možnosti jevištní inscenace, aniž by přitom ztratil kotvu slova, jazyka, řeči a významu. V Pitínského próze se dočítáme o bytu, který jednoho dne přepadne své nájemníky, o chudé vdově, zruinované nenadálým štěstím, nebo o novomanželích zklamaných z toho, že tři dny svatebního veselí dopadly přesně tak, jak si je vysnili a s nekonečnou pečlivostí připravili. Možná podobně jako autor ti dva vědí, že svět podle našich plánů a představ je nakonec příliš těsný. Zato realita nás dokáže usvědčit z nedostatku představivosti. Asi jako nejlepší kinematografie, o níž se baví muži obědvající v Gastro Grillu: „Jenom film vyjádří strach řepy před vytažením.“ „Září, aniž křičí,“ popsal povahu Pitínského rozhovoru se světem literární časopis Host.

V divadle za introvertním a pramálo hektickým režisérem zůstává nepominutelné a obsáhlé dílo; prozaické psaní a poezii doručuje světu vzácněji, také proto jsou jeho nové texty událostí. Ačkoliv titulní povídka nakonec vyznívá tragicky, erotický motiv tu nepůsobí vulgárně ani podbízivě. Vespod toho vynalézavého svádění zní autorův tichý, přející smích. Takto například promlouvá Božetěch Tloušť, majitel obchodu s domácími potřebami, k Isabele Hrdé, prodavačce v knihkupectví na protilehlé straně silnice uprostřed malého města:
„Ale čistě teoreticky, Isabelo,“ pokračoval Tloušť, „by mě můj žár kázal ohryzat ty tvoje vánočky, až by ti vyskočily hroty a zvláčněla bys, to všechno je přece možné, nehnusím-li se ti ovšem tak, že bys moji vášeň přijímala s odporem, jenž by mě uvrhl do velkých rozpaků. Opačně vlnil bych se v tvém růžovém mase a strkal na rošt tvých úst žhavé uhle polibků. Můj šlahoun by se s tebou mořil pěkně dlouho, neboť se domnívám, Isabelo, že ti dlouho trvá, než přijdeš k mrhavému vrcholu, že ti prostě sedí dlouho chocholka na čepičce.“

Pitínský je zábavný, ačkoliv v jeho světě to slovo znamená něco víc než rozptýlení při bezcílném putování. Třeba tím, jak si v povídkové knize jsou blízcí eros a thanatos, láska a smrt. Vždy velmi zdrženlivý mluvit o sobě, vyjevuje autor mnohé o své práci a porozumění divadlu v povídce Letec Jang-Šuan, připsané památce režiséra a dramaturga Miroslava Plešáka (1943–2021), který působil jako dramaturg v Divadle pracujících v Gottwaldově, ve svobodnějších poměrech byl dramaturgem brněnské „Mahenky“, vedl divadlo ve Zlíně a vyučoval na JAMU. Text je vyprávěním o návštěvě vypravěče a jeho kamaráda, postavy s nebeským příjmením Nepeklo, v domově seniorů, kde „vše už jakoby natrvalo spí“, jak si povšimnou ti dva. Přicházejí za zde žijícím divadelním režisérem, jehož ošetřovatelky oslovují „pane profesore“ a té, jež má službu, sporé černovlasé ženě kolem padesátky, zářící dobrotou a přičinlivostí, se líbí, že u starého režiséra vidí hosty, že pijí slivovici a cosi si brumlají pod vousy.

Co si vyprávějí, škoda prozradit, ale záznam setkání přemýšlení těch tří by sám o sobě stačil jako důvod knihu koupit a pozorně číst. Je to portrét divadelního řemesla, uvažování, které je s ním spojené, přinejmenším v podobě, jak mu rozumí Pitínský, jeho kamarád Nepeklo a profesor Plešák. Je to jemné, milé – a fatální. „Život má svůj krutý rytmus, když v něm neuděláte věci v pravý čas anebo aspoň víceméně přesně, bezodkladně vás míjí a vy už to nedohoníte, ta chvíle kdy jste měl říct třeba jedno slovíčko, abyste mohl být zcela šťasten, z různých ohledů nebo náhlého strachu, z pocitu, že přece není možné, aby štěstí bylo tak nadosah, ho nevyslovíte a řeknete si, bože, kolik takových chvil mne ještě čeká, dočkám se, dočkám, a bude to dokonce lepší, čekají mne pozoruhodné věci, a zatím tušíte, že jste prohrál všechno.“

Lekce Kolíbal

Milí návštěvníci, přátelé a příznivci GHMP, podle všeho bude rok 2025 turbulentní, a to jsme teprve v první půli. O krizi a labilitě víme v současné střední Evropě hlavně z doslechu, jedna z válek však už tři roky krade životy a končetiny nedaleko našeho domu. Geopolitiku bude nejspíš stále víc ovládat logika velící držet slabší v nejistotě a silnějším se podvolit.

Zmiňuji to v souvislosti s „Kolíbalovým stoletím“, což je téma Qartalu č. 17. Neuspěchali jsme oslavy stých narozenin Stanislava Kolíbala letos 11. prosince. Jen chceme podotknout, že už teď žijeme století, v němž vynikající sochař, malíř, ilustrátor a profesor AVU zanechal svůj hluboký a jedinečný otisk. A už teď si procházením Kolíbalova života připomínáme třeba to, jak souvisejí světy politiky a umění. Často se opakuje, že politika a umění k sobě nepatří – do umění se politika netahá, a naopak, „když mluví zbraně, mlčí múzy“. Což je stejný omyl ve dvou verzích. Jakýsi moderní manicheismus na jedné straně upírá umění možnost ovlivňovat dění v polis, na druhé straně je pak slepý k tomu, že konfliktům vždy předchází ideologická kultura nesnášenlivosti a agrese. „Lekce Kolíbal“ pak může spočívat v tom, že hluboce a k dobrému poznačí svět ti, kdo se o vliv ve společnosti prvoplánově nesnaží. Trpělivě a s vážností pracují na své věci – pokud jim to okolnosti dopřejí.

Připadá mi jako znamení času, když se v rozhovoru se Stanislavem Kolíbalem dozvídám o parném létě roku 1947, kdy coby student grafiky na UMPRUM v řečišti Bečvy nachází a experimentuje s kameny, podobajícími se ženským ňadrům, hlavě či trupu. Tehdy si Kolíbal pro sebe nachází téma protikladu lability a stability. Několik měsíců poté ztráta opěrných bodů zasáhne celé poválečné Československo v podobě komunistického zvratu.

Živé historie se dotkneme také v souvislosti s rozhovorem s fotografem Lukášem Jasanským, který svému otci, rovněž fotografovi Pavlu Jasanskému (1938–2021), společně s kurátorem Pavlem Vančátem přichystal výstavu v Domě fotografie GHMP. V ateliéru vedeme rozhovor, jestli Jasanského „přemalované“ fotky z 80. let mohou oslovit stejně, jako kdysi oslovily nás. Cestou domů mi přes rameno kouká excentricky působící mladík na Jasanského fotky v katalogu. „To je super!“ vyhrkl. Měl, myslím, pravdu. Jasanského dobový katalog jsem mládenci v autobusu daroval. Jasanského fotky, rozhovor a mnoho dalšího teď nabízí Qartal č. 17 i vám. Těšíme se na vaši návštěvu v GHMP.

Spánek, práce, volno!

Dokážeme ve volném čase jen zahálet? Nebo se i v době volna cítíme pod tlakem produktivity? Je nově nalezená obliba řemesel upřímnou snahou o návrat k ruční práci, nebo zoufalým výkřikem společnosti, která je upoutána ke klávesnicím osm hodin denně? Výběr autorek a autorů výstavy Palác (volného) času v Zámku Troja představuje kurátorka Karla Hlaváčková.

Tereza Zichová, Dva vodníci, 2022

Tereza Zichová
Dva vodníci jsou dílem malířky Terezy Zichové, absolventky Akademie výtvarného umění v Praze. Její obrazy zvou do tajemných snových světů, které citují historické interiéry nebo oděvy, ale hrají si také s kulturními ikonami nedávné historie a období jejího dětství. V úvodu výstavy Palác (volného) času pomáhají obrazy Terezy Zichové přenést návštěvníka zámku do jiného módu nahlížení a přemýšlení nad tím, co od návštěvy barokního paláce čeká.

Zbyněk Baladrán 
Dílo Friese/Vlys se skládá ze čtyř originálních lightboxů, které připomínají vitríny etnografického muzea, v nichž by návštěvník čekal historický exponát, doklad dávné kultury nebo útržky starých pergamenů. Zbyněk Baladrán zde ale návštěvníka mystifikuje a hraje si s jeho pozorností. Při podrobnějším zkoumání totiž odhalíme, že vyobrazení, chvílemi připomínající egyptské, sumerské a další středověké kultury, nesou současná sdělení. Autor zde s trpkým úsměvem poukazuje na fungování trhu práce, korporací a drsnou realitu v těchto oblastech.

Eva Volfová
Eva Volfová je umělkyně, ilustrátorka a grafička, absolvovala ateliér textilní tvorby na Vysoké škole uměleckoprůmyslové v Praze. Věnuje se mnoha technikám, avšak jejím specifickým způsobem vyjádření jsou výšivka, textilní koláž a steh. Několik děl z její deníkové série Embroidaily vede dialog s jedním z témat výstavy Palác (volného) času, kterým je zahálka,  domácí odpočinek, ale také domácí práce. Starost o domácnost ukusuje z cenného volného času, který zbývá po naplnění fyzické potřeby spánku a po pracovní době.

Barbora Zentková & Julia Gryboś
Umělecká dvojice Barbora Zentková & Julia Gryboś v Zámku Troja vystavuje dílo Teabags on Eyelids II, které se skládá ze série kovových objektů opletených textilií ručně barvenou čajem. Dílo svým názvem, který odkazuje na metodu přikládání čajových sáčků na oční víčka s cílem vypadat svěže a odpočatě, kritizuje všeobecné společenské očekávání – člověk musí být produktivní, vysoce výkonný, odvádět úkoly rychle a skrýt známky únavy. Právě rychlost a výkonnost je konfrontována patrnou zdlouhavou ruční prací, která byla vynaložena k tvorbě vystavených děl.

Johana Hnízdilová
Váza Johany Hnízdilové vznikla v dialogu s konvolutem barokních terakotových váz zdobících areál Zámku Troja. Tato ručně modelovaná rozměrná váza je doplněna o černá skla odkazující na všudypřítomnost displejů, které provázejí náš volný čas. Johana Hnízdilová je česká keramička, produktová a grafická designérka. V současnosti studuje na Vysoké škole uměleckoprůmyslové v Praze, kde se zaměřuje na keramiku a porcelán.

Eliška Konečná 
V textilním díle Elišky Konečné pozorujeme kombinaci pečlivé práce s textilem s něžným příběhem skrývajícím se v ručně barveném sametu a velkým formátem, který diváka přímo vtahuje do barevného světa vlastní představivosti. Nejednoznačnost čtení situace, ve které lidské ruce třímají květiny a jedovatý štír situovaný opodál přináší nejistotu, nám umožňuje spatřit nebezpečí uprostřed krásy s zároveň se pustit do hledání jazyka, kterým lze tyto symboly přírody číst.

Palác (volného) času

Eva Volfová, z cyklu Domácí práce
Eva Volfová, z cyklu Domácí práce
Eva Volfová, z cyklu Domácí relax
Eva Volfová, z cyklu Domácí relax
Tereza Zichová, Harpyje
Tereza Zichová, Harpyje
Barbora Grybos & Julia Zentková, Tea Bags on Eyelids, 2022, instalace z Neun Kelche, Berlin. Foto Dorothea Dittrich
Barbora Grybos & Julia Zentková, Tea Bags on Eyelids, 2022, instalace z Neun Kelche, Berlin. Foto Dorothea Dittrich
Nicolas Prokop, Jestřábník smrtihlav, 2023
Nicolas Prokop, Jestřábník smrtihlav, 2023
VOLNY CAS__Eliška Konečná, Wildflowers treating, 2024, barvený samet, výšivka, polstrování, 130x170 cm, majetek autorky_dlaždice
Johana Hnízdilová, Barokní váza – detail
Johana Hnízdilová, Barokní váza – detail
Johana Hnízdilová, Barokní váza, 2024
Johana Hnízdilová, Barokní váza, 2024

Playlist Q16

I love 69 Popgejů je audiovizuálně performerská skupina z Ostravy. Vznikla v roce 2001, v současnosti ji tvoří Jakub Adamec a Pavel Pernický, absolventi ateliéru Intermédií Petra Lysáčka na Ostravské univerzitě.

Sote: Motion In Morality
Giant Claw: Earther
Marius Konvoj & Tryša Terror: Člověk
Radical Dance Faction, Youth: Welcome to the Edge
REBEL MC, Little T: Rich Ah Getting Richer
James Ferraro: Weapon
Clannad: Together We
Peyote: I Will Fight No More Forever
Deena Abdelwahed: Pre Island
Sounds of Isha: Nirvana Shatakam
Machinedrum: Gunshotta
Melba: heaven
Scooter: One (Always Hardcore)
I Love 69 Popgejů: Vzhůru
Frederic Rzewski, Kai Schumacher: Coming Together

Na obranu zážitku před tajným věděním

Ondřej Špaček, Marie Heřmanová, Michal Lehečka,
Ludmila Wladyniak: Pravidla vkusu
Host, Brno, 2024, 262 s.

 

Kdo, nebo co rozhoduje o tom, co se nám líbí, tedy o našem vlastním vkusu? Funkcí umělecké kritiky je přinášet argumenty pro svá tvrzení o kvalitě nebo hodnotě, ve prospěch či neprospěch uměleckého díla. Poslední instancí úsudku ovšem stejně nakonec bývá jednoduchý verdikt „líbí-nelíbí“, posuzovaný měřítkem osobního vkusu. Ten se u výtvarných děl často projevuje rčením „tohle bych si na zeď nepověsil*a“. Osobní vkus, podobně jako pocity, nepatří do kategorie témat, o nichž lze diskutovat, kde si při obhajobě vlastní pozice pomůžeme argumenty. „De gustibus est non disputandum“, tedy „proti gustu žádný dišputát“ je pořekadlo potvrzující nevykořenitelné právo podlehnout vlastnímu líbí-nelíbí a myslet si nakonec svoje. Ale co tím vlastně míníme, když mluvíme o vkusu?

Autorky a autoři kolektivní práce nazvané Pravidla vkusu: Jak se společnost rozhoduje, co je v kultuře hodnotné popisují vkus z pohledu sociologie, přesněji řečeno ze zkoumání kulturních hierarchií, jimž se věnuje sociologie kultury a sociologie spotřeby. V textu, který jistou suchopárností nezapře splnění akademického úkolu, dojde na provětrání poznatků, k nimž došly zakladatelské postavy sociologů Georga Simmela nebo Pierra Bourdieua a jejich pokračovatelé a pokračovatelky na současném poli kulturní politiky nebo kultury v médiích.

Originální součástí práce jsou data, shromážděná během tříletého výzkumu kulturní spotřeby pražských vysokoškolských studentů. Tedy skupiny, která svým budoucím vzděláním a příjmy tvoří, coby možní podporovatelé, důležitou cílovou skupinu kulturních institucí. Kapitola nazvaná Tohle si do obýváku nepověsím, věnovaná výtvarnému vkusu, nabízí srovnání, jak vysokoškoláci vnímají literární kánon vedle kánonu výtvarného, zprostředkovávaného galeriemi. Literární díla od Boženy Němcové přes Jaroslava Haška až třeba k Milanu Kunderovi pro studenty patří k tomu, „co by člověk měl znát“ a ve společnosti je poněkud zahanbující nemít alespoň základní přehled. Pokud však jde o výtvarné umění, ke značné neobeznámenosti s výtvarným uměním se respondenti přiznávali bez pocitu studu. Pouze ji konstatují. „Ve školách se navzdory deklaracím osnov jedná o veskrze ‚volný‘ předmět, který nevzbuzuje podobnou úctu, jaké dosahuje oblast literatury v maturitní zkoušce,“ připomíná kniha. V souvislosti s výtvarným uměním se u studenstva v anketě objevuje obava, nejistota či dokonce despekt. Tyto pocity vycházejí z představy, že nejsou dostatečně vybaveni s obrazy nebo se sochami zacházet. Dokonce existuje představa, že k tomu, aby si člověk setkání s výtvarným uměním užil, musí být vybaven jakýmsi tajemným věděním. „K tomu v uvozovkách napomáhají i kurátorské texty a úvody k výstavám nebo katalogům, psané nesrozumitelným, abstraktním jazykem, který tvoří první bariéru při vstupu do světa umění a nezasvěcené zájemce a zájemkyně odstrašuje,“ shrnuje publikace.

Pro výtvarné umění se tato neradostná zjištění dají číst jako dobrá zpráva. Výtvarné umění, na rozdíl od literatury, není překážkou, o níž mladý člověk zakopává při rozběhu za obecným vzděláním. Výtvarné umění není, na rozdíl od knih, ve školách vhazováno do lisu, který má pod tlakem zkoušek vydat svou esenci ve smyslu „co tím chtěl básník říci“. Existuje tedy příležitost pro kulturní instituce ve výtvarném umění, aby místo „nalejvárny“, včetně textů psaných v artovém ptydepe, připravily svým návštěvníkům kulturní zážitek.

Koupání s umělci

foto: Eda Babák

Jsou věci, který pokud nevyzkoušíte, nebudete jim nikdy věřit. Stalo se, že jsem před půl rokem kejvnul na novej projekt Marcely Steinbachové, která si od města pronajala další kus patra domu. Sídlí v něm už její architektonické studio, a že v něm bude provozovat galerii. Prostor pěknej. Hodně vysoký stropy. Uvnitř místnosti čtyři sloupy. Velmi výraznej a krásnej prvek příjemně industriálního prostoru bývalých telefonních ústředen na Vinohradech. Marcela prostor jen tak lehce architektonicky pošmrdlala. Žádné velké opravy, žádné výrazné architektonické zásahy. Nechala viditelné „škrábance” času. Různé stopy po příčkách či kdys přístavbách. Prostor nazvala Prostora. Teda z prostoru se, abych byl přesný, stala Galerie Prostora. Galerie se zajímavým programem. Ten spočívá v tom, že oslovuje většinou umělce, kteří ovšem nevystavují svoje práce, nýbrž práce jiných autorů, kterými jsou doma obklopeni. Můžeme jim, s určitou nadsázkou, klidně říkat sběratelé. Stalo se, že mi zhruba před půl rokem Marcela volá a jakože: „Petře, nechtěl bys taky ukázat, co máte doma za arty?” Jelikož se u nás kdys stavovala, protože náš dům dokumentovala do architektonické ročenky, věděla, že nám na stěnách opravdu visí kdeco a kdekdo. Tehdy jsem na návštěvu kejvnul a stejně tak i na příslib vystavit naši sbírku. V duchu jsem si říkal, že z toho stejně nic nebude. Že je to až moc daleko a vlastně to úplně vypustil z hlavy. Ne tak Marcela a nejednou po dlouhém čase volá. Jdeme na to! Celkem jsem se orosil.

Píšu tento úvod možná dost rozvláčně, ale přišlo mi důležité dostat vás do situace i v detailech. Dostat vás do hry a rozehrát art šachovnici. Nikdy jsem, před dnes už více jak třiceti lety, nezamýšlel, když jsem s Jiřím Valochem směnil první art za svůj tehdejší, že po čase a tak nějak přirozeně vznikne něco jako sbírka. Ten Valochův art byl pro mě impozantní a zároveň i iniciační. Spočíval ve Valochově klasice. Na ruční papír z Losin formátu A4 strojopisem sepsaný text, ale jaký! Tehdy jsem se dost intenzivně zabýval knihou jako artist book a doloval toto téma všemi směry. Valoch na ten první pís mé sbírky na stroji vyklepal přesně toto: „kniha, která nemá žádnou hmotnou podobu. její existence je determinována pouze existencí tohoto textu a jeho reflexí v mysli kohokoliv.“ Skvělé. Fantastická a typická Valochovina. Radost! No, a pak se to tak nějak pomalu a bez koncepce rozjelo. Výměny, dlouhé návštěvy, skvělé spolupráce a vůbec, prostě umělci všude, kam se podíváš. K Daliboru Chatrnému jsem chodil do ateliéru na Botanickou. Nosil jsem mu ukazovat svoje juvenilní pokusy a on sahal do svého archívu a tahal a komentoval. Skvělej pocit. Mluvení rovnýho s rovným. Velkorysost. Otevřenost. Nezapomenu. Nebo Jiří Hynek Kocman a jeho čaje naopak plné stresu. Kdy nikdy nevíš, jestli si s čajem tykáš přesně, jak máš podle JHK ultramegaregulí, nebo kdy je ten správný na vteřinu přesný čas loužení anebo už čas konce loužení. Nekonečnej stres. A pak jsem od JHK dostal dvě jím vyrobené knihy. Opatruju je jako oko v hlavě. Jedna čajová.

Jáno Mančuška a první taková opravdová spolupráce. Hodně intenzivní a kolem Vítek Havránek, Tomáš Vaněk, Pepa Bolf nebo Honza Šerých. Bezhlaví jezdci. Z tohoto období mám sérii šesti Mančušků i poslední černobílou fotku už z filmařského období: nafocený svitek celuloidového filmu. Begining… The End. Nebo Tomáš Vaněk, který nám nejdřív na Petrským ve studiu nastříkal poštovní schránky pro pošťačku. Ta se mě zcela strojově a bez mimiky každý den ptala, kde máme schránky. Tak jsem je nechal Tomáše fouknout šablonou přímo na stěnu. Když přišla tato milá bezmimická pošťačka, předběhl jsem ji: „Schránky máme tady!!“ Je fakt, že jsem ji pak u nás už neviděl. Pak nám Tomáš vytvořil v Laboratoři na Žižkově dva svoje Participy, které mám moc rád. Nejdřív sadou míčů namáčených v bahně udělal z jedné stěny tapetu otisků tím, že míče různých velikostí, typů a kvalit namočil do bahna a hodil proti zdi. Půl dne bengál v domě, ale ten výsledek. Velmi autentickej. A pak druhý, kdy nafoukne velký míč o průměru cca 120 cm a nechá ho s vámi týden bydlet. Míč chodí průvanem po místnosti. Zajímavej zážitek a pak příjde mistr a míč jedním vpichem jehly praskne. To, co z něho zbyde na zemi, vám pak napne na stěnu. Art. Těch art příhod jsou stohy. Pak jsem chtěl už víceméně cíleně třeba fotku od Vaška Jiráska, Tománkovy fotky nafocený za chůze a jakoby z kapsy. Spolupráce s Kateřinou Šedou na úplně prvních třech katalozích hned po tom, kdy dostala cenu Chalupeckého. Spolupráce na katalogu-albu Je to jedno.

Třeba pořízení fotky od Libuše Jarcovjákové a náš společný úplně strašně temný příběh předání fotky, který nás už navždy spojil. Domlouvali jsme dlouze datum předání fotografie, až padlo na den, kdy jsme měli v ateliéru na UMPRUM poslední předvánoční sezení se studenty a že si taky dáme spolu nějakej svařák. Prostě vánoční atmosféra, do které fotky patří. Leč najednou na fildě střelba. Oba domy jsou od sebe přes křižovatku a náš balkon jen přímo nad ní. Vše otočeno a Libuše na mě do večera čekala v obskurní kavárně u Karlova mostu, protože k nám na Palacha nikdo nesměl. Celá vzpomínka zabalená v temnotě, zděšení a smutku.

Sbírka rovněž zahrnuje i jednu „úchylku“, a tou jsou rozličné fetiše. Jedním z nich je například oranžová taška Ladislava Sutnara. Tuto nákupní tašku, s mnoha funkčními kapsami v typické oranžové barvě, mi při jedné z mnoha návštěv střešovické vily během prací na jeho monografii věnoval sklář a duší experimentátor Václav Cigler. Daroval mi ji s dovětkem, že je to podle tradující se legendy taška Ladislava Sutnara. Cigler byl žákem významného umělce a teoretika Josefa Kaplického ve sklářském ateliéru na UMPRUM. Přiznám se, že už jen představa, že ikona mého grafického dospívání s monogramem LS chodila s touto, tehdy jistě na první pohled vyzývavou taškou na nákupy rohlíků do blízkého magazínu, mi úplně dostačovala k tomu, aby se tento plátěný oranžový artefakt stal oblíbeným fetišem v mé tehdy již započaté a tak nějak chaotické, leč vášnivé sbírce. Ani jsem pak dále více nepátral, jestli jde o legendu, nebo fakt, nebo zda bych snad chtěl tašku vyprat či jinak dodatečně opečovávat a vylepšit. Kdepak. Vše je původní.

A teď to hlavní, proč tady totálně nezáživně a jistě dost dlouze popisuju svoje „sběratelské” brouzdání ateliéry a příhody z dávných i nedávných časů? Arty během těch let zaplnily zcela náš dům. Stalo se to fakt zcela plíživě a nepozorovaně. Ale je plno. Zdi nasátý energií umělců. Vše tak nějak pocitové komponování, ale žádné principiální zaplnění art od podlahy po strop. Pěkně s citem pro kompozici. Na pána. Jen u sebe v pracovně jsem to rozjel naplno a bez jakýchkoli zábran a fest. Stěny zahlceny. Tady můžu, tady nikoho neomezuju. Tady je to jen moje. Moje pracovna. Takže plnej plyn a pěkně vedle sebe Vajd, Klyuykov, Maceková, Veškrna, Filko, Othová, Kintera, Cihlář, Pošová, CAP, Kvíčala, Knopová, Dub, Cudlín, Rudolf, Jirásek, Brousil, Palla, Perjovschi, Kokolia, Havel, Namor, Bill the Hobo, Mančuška a mnoho dalších. A to jsme pořád v pracovně. Moje pracovna se tak stala prostorou, kde chce přespat každý, kdo nás navštívil, a víte proč? Protože je naditá, totálně a krásně naditá, energií všech těch umělců. Vždycky jsem se tomu smál, když někde v literatuře o tomto ezo zážitku někdo něco napsal. Přišlo mi to vždy takové vlastně literárně přiblblé a pozor: Vono to existuje!!! Je to tak a je to nekonečně skvělý! Kam se hrabou Lurdy! Kam se hrabe let tryskáčem nadzvukovou rychlostí! Kam se hrabe deset kachen na medu hodiny a hodiny mučených s libečkem na hrudnících v troubě! Toto je prostě energie artistů. Je to nekonečný ezo tok, lázně všehomíra. Vesmír. Let vesmírem jen tak v triku a plátěnkách!

Stalo se totiž, že se termín vernisáže sbírky v Galerii Prostora blížil a prostě nebylo zbytí a všechny obrazy, fotky, prostorové artefakty musely ze zdí, ze svých jistě už oblíbených míst plných prachu. Prostě všechno dolů a příprava na export. Pomalu jsem si začal uvědomovat, že něco mizí, a potvrdila mi to i rodina. Něco se děje. Vzniká prázdno. Mizí energy. Mizí magie soužití. Mizí magie koupání s umělci. Nikdy bych na to fakt nevěřil, a i když jsem vždycky v galerii zažíval takové to nevysvětlitelné šimrání v podbřišku, teda víc jsem ho měl vždycky v antikvariátech s knížkama, ale i v galerkách bylo a šimralo. Tak po vyprázdnění našeho domu se to stalo. Umění zmizelo. Smutek. Art Lurdy pryč. Denní přirozená koupel v artist energy. Všechno toto emo pryč. Studeno. Čekárna. Takže jestli vám někdo bude vysvětlovat, že jako umění jakože na co a jakože proč, tak si nikdy tyto lázně nezažil.

 

Autor je grafický designer a pedagog

Správné setkání s autorem

Těžko říct, koho to kdy napadlo a kdo s tím začal jako první, ale komentovaná prohlídka vedená autorem se stala součástí výtvarného provozu stejně jako vernisáž či katalog. Všechno jsou to nástroje přiblížení díla, které jako by samo od sebe neumělo mluvit a je třeba ho šikovně postrčit k divákům.

Není vyloučeno, že komentovaná prohlídka původně nahrazuje návštěvu ateliéru, kterou v masových globálních společnostech nelze ve velkém počtu uskutečnit. Tedy živě, on-line jde už všechno, ale to není ono, fyzická přítomnost autorova je jiné mediální podstaty. Navíc návštěva ateliéru je vysoce intimní záležitost. Nemůžou se tu procházet davy, které mezi výkladem surfují na mobilu, vyřizují pracovní korespondenci nebo si jen tak povídají o tom, kam po prohlídce půjdou na večeři. Ateliér je tak trochu posvátné místo tvůrčího já, šlapat v něm jako slon v porcelánu moc nejde. Pokud tedy není potřeba prodat obraz, ale ten se mase nedává skoro nikdy.

Komentovaná prohlídka vedená autorem vlastní výstavou v galerii nebo muzeu je už něco jiného. Jsme na veřejném místě, které si tvůrce na chvíli půjčil, aby mohl ukázat, co nového (případně starého) vytvořil. Když mluví kurátor, vysvětluje často svůj vztah k autorovi nebo osvětluje ideu či koncept instalace, již zvolil. Autor či autorka, ti jdou rovnou k věci – tedy k dílu samému.

Je to zvláštní situace. Autor prochází galerií své tvorby a vykládá historky o svých obrazech. Přibližuje je veřejnosti tím, že jim poskytuje často velmi hutnou legendu. Může samozřejmě popisovat i použité techniky, zvolené barvy, cokoliv. Je to vlastně druhá malba či instalace. Další autorský nátěr, který se chtě nechtě na obraz (artefakt, objekt) nanáší. Je-li dostatečně hutný a souvislý – a někteří autoři umí být i strhující rétoři, jde-li o jejich „věci“ – těžko ho pak seškrábnout. Můžete se o to snažit, ale už se vám to nikdy úplně nepovede.

Podobná situace nastává i v hovorech s jinými umělci: Jak jste myslela tuto větu, paní spisovatelko? Odkud se vzal nápad, navléknout tanečníka do fosforové barvy, pane choreografe? Chtěli jste filmem říct toto, anebo něco úplně jiného? Ten závěrečný obraz celé minisérie je shrnující metaforou, nebo otevřením do série nové? Pochopil/a/o jsem to správně? Ano, komentovaná prohlídka je nejenom příležitost vidět umělce/umělkyni (slavného/ slavnou, nebo v možnosti slavné), ale je to šance správně pochopit. Vědět i to, co věděl a myslel tvůrce, jít takříkajíc za ním jeho myslí a cítěním, takže dílo najednou svítí tak nějak – správně!

Komentovaná prohlídka nabízí výjimečnou možnost stávat se kopií umělce, kopírovat jeho postupy a myšlenky a přilepit je pak na dílo, které na mě sice nějak působilo, ale co když jsem byl úplně vedle a nepochopil, co chtěl autor říct. Umělec-komentátor nám řekne pravdu, poví, jak to je. Vy-světlí nebo alespoň naznačí pravdu díla.

Není nic cizejšího umění než tato pravda díla. Ta se totiž, jak kdysi lakonicky, ale velmi přesně popsal Nietzsche (samozřejmě jde o vtipnou, nikoli humornou metaforu), odehrává „mezi“. Mezi jevištěm a hledištěm, říká Nietzsche, používaje obraz divadla. Divadlo se nehraje tam, na prknech, která znamenají svět, nýbrž na tenké hraně mezi divadelním a diváckým světem, která se (v mnoha uměních právě masově) obou světů dotýká, a proto je nějak „inter-ferenčně“ spojuje. Nietzscheův obraz se zdá být univerzální, funguje na veškeré umění. Lze jej přenést skoro kamkoli, což se také děje, ještě velmi blízko k německému filozofovi (když N. zemřel, bylo M.D. třináct let) téměř totéž vyslovuje Marcel Duchamp. „Tvůrčí akt neprovádí pouze umělec; divák uvádí dílo do kontaktu s vnějším světem tím, že dešifruje a interpretuje jeho vnitřní předpoklady a omezení, a tím přispívá k tvůrčímu aktu.“ Dílo je tedy tu, ale „oživit“ ho musí ti druzí. Jedno bez druhého samozřejmě existuje, tak jako umělec je někdo jiný než divák, pozorovatel, posluchač, čtenář. Dokud se ale jejich aktivity nesejdou, k ničemu nedojde a umění spí. Je to překvapivé, ale je to tak – Umění je spolu-tvoření!

Proto se také komentovaná prohlídka s autorem jeví jako bláznovství, které jde zcela proti smyslu umění. Proti vytvoření základní situace, v níž sebou musíme (po)hnout, aby se umění vůbec mohlo rozehrát. Dotknout se autora, jistě, to stojí za to, ale teprve tehdy, až se on dotkne nás.

 

Autor je novinář a filosof